【A342】音樂欣賞(增訂三版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：【A342】音樂欣賞(增訂三版)

商品编号：29885381801

店铺： 国际图书快线专营店

商品毛重：1.0kg

货号：9789571452685

简介：作者依据多年学习及欣赏乐曲的经验，设计出这本由作曲家及作品出发，针对西洋古典音乐与中国音乐做深入浅出的入门简介专书，希冀引领读者跨越欣赏音乐的门槛。

【B101】古典音乐导聆：从巴赫到斯特拉文斯基 本书简介 本书旨在为初入古典音乐殿堂的听众提供一座全面而深入的指南。它并非枯燥的理论堆砌，而是一场跨越数个世纪的音乐之旅，带领读者领略西方古典音乐从巴洛克盛期到二十世纪初的辉煌成就与内在脉络。我们摒弃了僵硬的年代划分和晦涩的术语，转而聚焦于音乐作品本身的情感表达、结构逻辑以及历史背景，力求让每一位读者都能在聆听中获得真正的理解与愉悦。 第一部分：奠基与光辉——巴洛克与古典主义的秩序与情感 本书的开篇将时间定格在十七世纪早期，那个音乐语言经历深刻变革的时代。我们将从蒙特威尔第的歌剧改革谈起，探讨对位法的精妙结构如何在巴赫的手中达到顶峰。 巴赫的宇宙：对位法的逻辑与神性 巴赫的作品是古典音乐的基石，其复杂性和完美性常使人望而生畏。本书将以《平均律键盘曲集》为例，详细解析赋格曲的“模仿”与“发展”机制，将其视为一种严谨的逻辑推理过程。我们不会仅仅停留在技术层面，而是深入探讨巴赫如何将严密的结构融入深沉的宗教情感与人性光辉之中。例如，在《马太受难曲》中，合唱与宣叙调的交织如何构建出宏大的叙事场面，以及和声语言中蕴含的象征意义。 韩德尔的辉煌与歌剧的兴起 紧接着，我们将转向韩德尔，这位更具“公众性”的作曲家。重点分析英格兰清唱剧的特点——尤其是在《弥撒亚》中，对圣经文本的戏剧化处理与宏大合唱的结合。歌剧在这一时期的发展也至关重要，我们将探讨意大利正歌剧（Opera Seria）的程式化咏叹调结构，以及它如何为后来的音乐戏剧铺平道路。 古典主义的清晰与平衡：海顿与莫扎特的时代 进入十八世纪中后期，音乐的焦点转向了清晰、平衡与普适性。海顿，这位“交响曲之父”，是理解奏鸣曲式结构的关键人物。本书将细致拆解奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部的功能，说明主题如何在对立与统一中展开戏剧张力。 莫扎特的音乐则是在海顿结构之上，融入了无与伦比的抒情性与舞台感。我们不仅会分析其钢琴协奏曲中“乐队与独奏者对话”的精妙设计，更会探究其歌剧，特别是《费加罗的婚礼》和《唐璜》，是如何突破传统美声的限制，将人物的复杂心理通过音乐语言刻画得淋漓尽致。对歌剧中“宣叙调”与“咏叹调”的转换时机的分析，将帮助读者理解戏剧的推进逻辑。 第二部分：情感的洪流与英雄的呐喊——浪漫主义的兴起 十九世纪，音乐界迎来了剧烈的变革，个人情感的自由表达压倒了古典的理性束缚。 贝多芬的桥梁作用：从古典到浪漫的巨人 贝多芬是理解这一转折的关键。他的早期作品依然根植于古典传统，但从《第三交响曲“英雄”》开始，音乐的规模、情感的强度和对“自由”主题的追求，彻底改变了交响乐的面貌。本书将集中分析《第五交响曲》中“命运”动机的贯穿性运用，以及他晚期弦乐四重奏中对传统形式的解构与重建，展示其晚年深沉的哲学思考。 肖邦与李斯特：钢琴艺术的个人化表达 浪漫主义的本质在于“独白”。钢琴作为最富表现力的乐器，成为了这一时期作曲家们表达内心世界的最佳载体。肖邦的作品，尤其是夜曲和叙事曲，是研究音乐中的“诗意”与“民族性”的绝佳范例。我们将探讨他对踏板的创新使用以及如何将波兰民族舞曲元素融入精致的室内乐结构中。李斯特的炫技风格虽然引人注目，但其后期作品，如《B小调奏鸣曲》，则预示了晚期浪漫主义对模糊和声与无限性追求的探索。 舒曼、门德尔松与德奥艺术歌曲的复兴 艺术歌曲（Lied）是浪漫主义时期文学与音乐结合的典范。舒曼的《诗人之恋》和《妇女的爱情与生活》展示了钢琴如何不再是简单的伴奏，而是与人声共同叙述故事、烘托心境的“第二主角”。对歌词意境的音乐化处理，是理解这一体裁的核心。 第三部分：民族的色彩与宏大的史诗——晚期浪漫主义与民族乐派 十九世纪后半叶，音乐版图不再仅仅局限于德奥地区。各国作曲家开始挖掘本土的民间音乐、历史传说和自然风光，形成了独特的“民族乐派”。 瓦格纳与“整体的艺术作品”：音乐戏剧的革命 瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统彻底改变了歌剧的叙事方式。他试图通过将音乐、诗歌、舞台设计融为一体，创造出一种超越传统歌剧的“乐剧”。我们将分析《尼伯龙根的指环》中的动机网络如何不依赖于明确的歌唱旋律，而是在纯器乐的织体中推动情节发展和人物命运的体现。 德彪西与音乐的印象：色彩与氛围的捕捉 进入二十世纪初，法国的印象派音乐带来了对德奥传统和声体系的颠覆。德彪西的作品，如《牧神午后前奏曲》，不再追求清晰的旋律线条和功能和声的明确解决，而是注重音色的调配、节奏的自由流动以及瞬间氛围的捕捉。全音阶、五声音阶的使用，以及对泛音的偏好，共同构建了一种梦幻般的听觉空间。 东欧的呐喊：德沃夏克、斯美塔那与俄罗斯五人组 在捷克，斯美塔那用《我的祖国》描绘了波西米亚的河山，德沃夏克则将源自美国黑人灵歌（如《新大陆交响曲》）与波西米亚民间舞曲完美融合。在俄罗斯，强权力的“五人组”——穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等人——力图摆脱德奥的束缚，创作出具有强烈本土色彩的音乐，例如穆索尔斯基在《图画展览会》中对民间主题和人物肖像的粗粝而真诚的描绘。 结语：通往未来的脚步 本书的收尾将简要提及斯特拉文斯基等作曲家对早期现代主义的探索，为读者未来的深入学习留下一个开放的起点。通过对上述音乐巨匠的系统梳理，本书期望读者能够建立起一个清晰的音乐历史框架，并掌握一套行之有效的聆听方法论，从而真正走进古典音乐那广阔无垠的精神世界。本书的价值，在于引导您从“听声音”到“听懂音乐”的蜕变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常引人注目，色彩搭配和字体选择都透露出一种古典与现代交融的美感，让人在书店里一眼就能被它吸引。拿在手里，纸张的质感也相当不错，装帧精良，看得出出版社在细节上是下了功夫的。我最初被它吸引，很大程度上是因为标题中那种似乎蕴含着深厚学术底蕴的暗示，虽然我并非科班出身，但对系统学习音乐理论和欣赏方法抱有极大的热情。初翻几页，排版清晰，图文并茂，对于复杂的乐理概念，作者似乎采用了非常直观易懂的方式进行阐述，这对于像我这样需要从零开始建立知识体系的初学者来说，无疑是巨大的福音。尤其是一些古典乐派的划分和主要作曲家的介绍部分，脉络梳理得极其清晰，避免了陷入枯燥的年代罗列，而是将音乐风格的演变和历史背景紧密结合，让人在阅读的过程中，不仅是在“看”知识，更像是在“听”一部流动的音乐史。这本书的厚度也恰到好处，既保证了内容的广度和深度，又不会让人望而生畏，更像是陪伴我长期学习的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格极其平实流畅，作者的叙事节奏把握得非常好，仿佛一位经验丰富的音乐导师在耳边娓娓道来。我特别欣赏它在处理那些相对“硬核”的音乐术语时所展现出的耐心与巧妙。例如，在解释“和声”与“对位”的区别时，它没有使用晦涩难懂的专业术语进行堆砌，而是巧妙地引入了生活中的类比和场景，让抽象的概念瞬间变得具象化、可感知。这种叙事手法极大地降低了音乐欣赏的门槛，让原本可能让人望而却步的理论知识变得亲切起来。更难得的是，它在讲解过程中穿插了许多作曲家创作时的心境和时代背景，使得我们不仅仅停留在对音符结构的分析上，而是能够更深入地理解每一部作品背后的情感张力和文化内涵。这使得欣赏音乐不再是机械地分辨主旋律和伴奏，而是真正进入到作曲家所构建的声音世界中去体验和共鸣，极大地提升了阅读的趣味性和代入感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排体现了一种非常成熟的教学逻辑。它不是简单地按照时间顺序陈列音乐史，而是巧妙地将不同时期的音乐要素进行提炼和对比，形成了一种螺旋上升的学习路径。比如，它可能先在一个章节深入剖析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构，然后在后续的章节中，会不断地以不同作曲家、不同时期的作品为例，来展示这一结构如何被发展和解构。这种设计的好处在于，它能帮助读者建立起一个稳固的知识框架，而不是零散的知识点。我发现，当我在听某首协奏曲时，可以本能地去寻找乐章的划分、主题的呈示与再现，这种主动的聆听方式，完全得益于本书前期搭建的基础。此外，书中对不同乐器组的音色特点分析得极其到位，读完后，即便闭着眼睛，我也能更容易地在脑海中勾勒出管弦乐团中各个声部的相互作用，这无疑是对提升听觉敏感度最有帮助的部分。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的震撼，在于它在保持学术严谨性的同时，展现出了一种极具包容性的现代视角。它并没有将古典音乐视为高高在上的殿堂艺术，而是积极地将其与我们当下的生活、甚至其他艺术形式建立起连接。比如，书中对某一时期音乐与同时代文学、绘画思潮的对比分析，非常精辟，让我忽然明白，音乐风格的转变往往是整个时代精神面貌的缩影。这种跨学科的视野，极大地拓宽了我的知识边界。同时，它对不同地域、不同流派的音乐都给予了平等的关注，没有过度偏袒某一个“主流”，而是力求展现音乐世界的多元与丰饶。这对于培养一个真正开放的音乐品味至关重要，让我敢于去探索那些看似“小众”或“晦涩”的作品，并能在其中找到属于自己的共鸣点，而不是盲目追随大众的品味。

评分☆☆☆☆☆

对于一个对音乐欣赏有长期追求的人来说，这本书的价值不仅仅在于其内容本身，更在于它提供了一套行之有效、可以持续迭代的“欣赏工具箱”。它教会我的，不是“听什么”，而是“如何听”。书中所阐述的分析方法，例如如何快速捕捉乐曲的情绪转折点、如何辨识配器的用意、如何理解主题的变奏和发展，这些都是可以迁移到任何新接触的作品上的通用技能。我发现自己现在去听一场音乐会或者随便打开一个音乐App时，那种“听得懂”的感觉已经发生了质的变化，不再是单纯的旋律抓耳，而是能更深层次地体会到音乐结构的美感和背后的匠心。这本书已经成了我书架上被翻阅次数最多的音乐类书籍，每一次重温，都能发现新的理解和感悟，这大概是任何一本速成指南都无法比拟的生命力所在。