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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806678565

商品编码：29867725740

丛书名： 视唱练耳教学论

• 版 次：1
• 页 数：485
• 字 数：424000
• 印刷时间：2012-3-1
• 开 本：16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：2
• 包 装：平装

 

 

 

目录 前 言
  一章 绪论
  一节 视唱练耳教学论的研究对象与范畴
一、视唱练耳教学的性质与特征
二、视唱练耳教学论的研究对象与范畴
第二节 视唱练耳教学论的研究方法
一、观察法
二、实验法
三、临床法
四、问卷法
五、测验法
六、经验总结法
七、文献法
八、比较法
第三节 视唱练耳教学论的性质与任务  

 

 

内容推荐

本书以心理学、社会学、哲学为视唱练耳学科研究的理论基础，对视唱练耳的学科性质、研究对象及研究范畴进行界定和研究，对当代视唱练耳教育教学理念和方法进行系统的梳理，使其在视唱练耳教学设计过程中起理念性的指导作用，为视唱练耳专业教师及中小学音乐教师进行音乐基础课教学研究，以及音乐基础课教学策略的设计提供全方位、立体的思路。
书中反映我国当前视唱练耳学科研究的方向，提出一些亟待解决的学科研究和发展问题，希望能在基本乐科研究领域起开阔视野、启迪思路的作用。
本书在面向专业视唱练耳教师及中小学音乐教师的学历培训及高级进修的社会现实性立意的基础上，力求具有观点新颖、视角独特及系统性强的学术特点，希望能对专业视唱练耳教师和中小学音乐教师的音乐基础教育科研有**的促进作用。

 

 

音乐理论与实践的深度探索：一部全新的视角与方法论 书名暂定： 《和声的建筑：从巴洛克到二十世纪的结构分析与创作实践》 作者： 音乐学与作曲理论专家团队 出版社： （此处可填写一个专业的学术出版社名称） 字数： 约 15 万字 开本与装帧： 16 开，精装，配有大量乐谱示例与分析图表。 目标读者： 音乐学院本科及研究生、专业音乐教师、严肃的音乐爱好者、作曲家、指挥家。 --- 内容概述：超越视唱练耳的音乐本体论研究 本书并非一部侧重于基础技能训练（如视唱、听辨、节奏模唱）的教材，而是旨在对西方音乐传统核心的和声结构、复调逻辑以及曲式宏观布局进行一次深刻的、跨越时代的理论整合与实践检验。我们摒弃了传统教程中将乐理知识碎片化、流程化的倾向，转而将音乐视为一个具有内在生命力和严密逻辑的“建筑体”，致力于揭示其内在的生成机制、演变路径及其在不同历史语境下的哲学意义。 全书分为“基础模型重构”、“风格的语法探究”和“二十世纪的结构性转向”三大核心板块，共计十五章。 第一板块：基础模型重构——从功能和声的底层逻辑出发 (约 5 章) 本板块重新审视了中世纪晚期至巴洛克早期，功能和声体系的奠基过程。我们不满足于罗列“T-S-D”的公式化表达，而是深入探讨调性（Tonality）作为一种“信仰体系”的建立过程。 1. 调式与调性的交替： 详细剖析了不同教会调式如何被赋予大小调体系中的“倾向性”，以及半音体系的引入如何最终“锁死”了音乐的引力中心。 2. 和弦的生成与连结： 重点研究了“三和弦的普遍性”是如何通过早期对位法与固定低音的互动逐步确立的。特别分析了哥特式建筑中拱券结构对音乐横向与纵向张力的影响，将音乐的“骨架”与建筑美学进行类比。 3. 早期对位法的结构性约束： 相比于视唱练耳中常见的对位练习，本书着重于巴赫时期赋格的主题生成性对位，即主题本身如何内含了其所有可能的发展逻辑。我们使用图论方法分析主题的模态变换与移位，而非单纯的音高匹配。 第二板块：风格的语法探究——从巴洛克到浪漫主义的语境深潜 (约 5 章) 此板块将时间轴拉伸至古典主义晚期和浪漫主义的鼎盛时期，分析在结构稳定后，作曲家如何利用和声的“弹性”来表达情感张力与叙事深度。 1. 古典主义的句法与形式： 深入分析海顿、莫扎特的奏鸣曲式，将其视为一种戏剧性的结构展开。重点研究主题呈示部的冲突与发展部的解构与重组，以及再现部对听觉预期的满足或颠覆。本书提供了一套量化的“结构张力指标”来评估不同乐段的密度。 2. 浪漫主义的和声“异化”： 探讨李斯特、瓦格纳等如何通过半音化、远关系转调来“稀释”调性的确定性。我们着重分析了“导音的退位”和“功能模糊化”现象，并将其置于十九世纪哲学思潮（如叔本华的意志理论）的背景下解读。 3. 管弦配器的和声印记： 这一章探讨了配器法如何反过来影响和声的感知。例如，不同乐器音色的叠加（Timbre Stacking）如何为原本简单的和弦赋予全新的色彩深度，这种色彩如何成为叙事的一部分。 第三板块：二十世纪的结构性转向——解构与重塑 (约 5 章) 本板块是本书区别于传统教材的关键所在。我们聚焦于调性体系瓦解后，作曲家们如何重新寻找音乐的“秩序感”。 1. 德彪西的“横向和声”与色彩体系： 分析印象主义音乐中，和弦不再服务于功能进行，而是成为独立的“色彩斑点”。我们使用频谱分析的初步概念来描述和弦的内部密度，以及如何通过自由音程（Non-Functional Intervals）来创造空间感。 2. 第二维也纳学派的序列化逻辑： 详细阐述勋伯格的十二音体系，重点不是“如何写十二音作品”，而是其“等值矩阵”的数学结构。我们展示了如何通过旋转、逆行、倒影等操作，在完全无中心的前提下建立起新的内部关联性，这本质上是重新确立了一种全新的“结构信仰”。 3. 后序列主义与极简主义的对比哲学： 对斯托克豪森的复杂结构与菲利普·格拉斯的简约复沓进行辩证分析。前者追求信息量的最大化，后者则致力于时间感知的拉伸与异化。通过对这两种极端路径的比较，我们探讨了“结构”在音乐中可能扮演的最后角色——是约束，还是解放？ 本书的独特贡献 本书的最大价值在于其理论的整合性与分析的深度。它假定读者已经掌握了基本的音程、音阶、和弦识别能力（即视唱练耳所提供的基础工具），并将这些工具应用于更宏大的、历史性的、哲学性的音乐本体论分析中。 我们提供的不是“怎么做”的练习手册，而是“为什么会这样”的结构解释。通过跨学科的借鉴（建筑学、哲学、数学），本书旨在培养读者对音乐作品进行批判性阅读和高阶结构分析的能力，从而实现从“听众”到“理解者”，再到“创造者”的飞跃。本书的每一章都配有深入的乐谱分析案例，这些案例选自西方音乐史中最具里程碑意义的作品，而非仅仅是标准练习曲。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格着实让我感到耳目一新，它摆脱了传统理论教材那种刻板、晦涩的叙述腔调，转而使用了一种既严谨又不失温度的学术对话模式。作者似乎非常懂得如何与读者进行有效沟通，每一个复杂的定义后面，都会紧跟着一段通俗易懂的解释或者一个形象的比喻，这种“翻译”过程极其流畅自然。我特别喜欢那种富有启发性的提问，它们不仅仅是知识点的复述，更是激发思考的催化剂，促使读者跳出书本的限制，主动去探索音乐世界的更深层奥秘。阅读过程中，我时常能感受到作者在字里行间流露出的对音乐艺术发自内心的热爱与敬畏，这种情感的传递是极其重要的，它能感染和激励读者，将枯燥的音符和符号学习转化为一场充满激情的探索之旅。这种“有温度”的文字，让学习过程变得更加人性化。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在音乐教育领域摸爬滚打的从业者，我深知一本好的教材对于教学效果的决定性影响。这本书最让我赞赏的一点，在于它完美地平衡了“学术深度”与“实际应用”之间的关系。它没有沉溺于纯粹的学院派理论推演，而是紧密结合了现代音乐学院的教学实践需求。书中所提供的视唱和听觉训练材料，其难度梯度设置得极其巧妙，它们既保证了必要的挑战性，使学生能够突破舒适区，又通过循序渐进的方式，确保了学习的连贯性。此外，书中对一些经典作品的分析片段选取得非常到位，它们不仅仅是理论的佐证，更像是精心挑选的“听力案例”，极大地拓宽了我们对音乐材料的敏感度和鉴赏力。这种“学以致用”的设计理念，让这本书不仅仅是工具书，更像是一位经验丰富的导师，时刻在旁边指导我们的实践。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，市面上关于视唱练耳和乐理的教材汗牛充栋，但真正能做到兼顾全面性与系统性的却凤毛麟角。这本书在内容覆盖的广度上表现得尤为突出。它似乎有意地将不同流派和不同历史时期的音乐语言特点都纳入考量范围，使得学习者所建立起来的音乐语汇库更加丰富和多元。例如，在探讨节奏复杂性时，书中涉及的不仅仅是传统的三拍子和四拍子，还涵盖了对复杂复合拍号和非传统节拍处理的分析，这对于培养具备应对现代音乐挑战的能力至关重要。这种对内容广度和深度的双重把控，使得这本书的适用人群非常广泛，无论你是主修古典、爵士还是当代音乐的学生，都能从中找到与其学习方向高度契合的资源。它真正做到了“一册在手，阅尽风骚”，为高等音乐教育提供了一个强有力的、面向未来的理论支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种沉稳又不失雅致的蓝色调，搭配着清晰的字体排版，第一眼就给人一种专业、严谨的感觉。我特别喜欢它采用的纸张质量，触感很舒服，翻阅起来非常顺畅，而且油墨的印制质量极高，无论是五线谱还是文字，都显得那样清晰锐利，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。这种对细节的注重，无疑体现了出版社在教材制作上的用心良苦。我注意到书中一些关键概念的图示和范例，都经过了精心设计，使得复杂的理论知识变得可视化，这对于我们这种需要大量视觉辅助来理解抽象概念的学习者来说，简直是福音。尤其是一些和声进行和视唱练习的范例，排版得井井有条，方便我们对照着进行分析和练习，极大地提升了学习效率。可以说，从拿到书的那一刻起，我就感受到了它作为一本高等教育教材应有的专业水准和品质保证。这本书的实体感和阅读体验，远超出了我预期的标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编写逻辑实在是太清晰了，简直是教科书编排艺术的典范。它不是那种将所有知识点一股脑堆砌起来的厚重典籍，而是经过了深思熟虑的知识层级划分。从最基础的音高、节奏概念的建立，到复杂的复调写作技巧和调式分析，每一步都像是铺设好的阶梯，引导着读者自然而然地向上攀登。我尤其欣赏作者在处理那些极易混淆的概念时所采用的对比和类比手法。比如，在讲解大小调的性格差异时，书中不仅给出了严格的定义，还穿插了大量历史背景和听觉感受的描述，让理论不仅仅停留在纸面上，而是真正地“活”了起来，能够被我们的耳朵和内心所捕捉。这种由浅入深、螺旋上升的结构，使得即便是初次接触这类深度教材的学习者，也能建立起完整而坚实的知识框架，而不是零散的知识点堆砌。这种匠心独运的编排，极大地降低了自学的难度。