正版声乐教材 民族声乐学初级入门基础教程 民族声乐初学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552307658

商品编码：29867726980

丛书名： 民族声乐学

 

 

内容推荐 《民族声乐学》力求在学科理论构建的基础上，对民族声乐的发展规律进行全面的论述。全书以中国民族声乐发展为主线，并从民族学、社会学、艺术学、人类学、比较学等多学科的视野深入探讨民族声乐的发展特征、表现特征及民族特征。全书共分十三章对民族声乐艺术本体及其本体以外的相关内容进行了分析，揭示了中国民族声乐发展的内在规律，以及世界民族声乐发展的共性与差异性，为中国民族声乐体系的建立提供理论基础。

《西方古典音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义》 内容简介 本书旨在为音乐爱好者、专业学生及对西方古典音乐发展脉络感兴趣的读者，提供一部全面而深入的音乐史导论。我们聚焦于西方音乐史上最具变革性和影响力的三大时期——巴洛克（Baroque）、古典（Classical）与浪漫（Romantic）时期，系统梳理了自17世纪初至19世纪末近三百年的音乐演变历程、关键人物及其核心作品。 第一部分：巴洛克时代的辉煌（c. 1600 – c. 1750） 巴洛克时期是西方音乐史上一次意义深远的转型期，标志着主调音乐（Tonal Music）体系的最终确立，以及歌剧、协奏曲、奏鸣曲等重要体裁的成熟。 一、巴洛克早期与音乐的诞生： 我们首先考察音乐从文艺复兴复调向巴洛克单线旋律（Monody）过渡的背景。意大利佛罗伦萨的“新艺术”（Camerata）群体如何试图复兴古希腊戏剧，催生了早期歌剧的概念。早期歌剧（如佩里和蒙特威尔第的作品）的结构、情感表达与音乐语言的初步特征被详细剖析。 二、情感理论与对位法的巅峰： 本部分深入探讨巴洛克时期核心的美学理念——“情感理论”（Doctrine of the Affections），即音乐如何通过特定的音型、节奏和和声来描绘和唤起特定的人类情感。对位法（Counterpoint）在这一时期达到了结构上的极致复杂性，尤其体现在巴赫的赋格曲（Fugue）中。我们将分析巴赫如何将严谨的对位技巧与深刻的宗教情感完美结合。 三、体裁的成熟与发展： 歌剧： 从早期注重宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的平衡，到亨德尔时期“清唱剧”（Oratorio）在英国的兴盛，以及其在戏剧性、炫技性方面的显著发展。 协奏曲： 重点分析科雷利和维瓦尔第对“大协奏曲”（Concerto Grosso）和“独奏协奏曲”（Solo Concerto）的贡献，特别是快-慢-快的三乐章结构的确立，以及“返始”（Ritornello）结构在器乐中的应用。 键盘音乐： 介绍巴赫的《平均律钢琴曲集》在调性体系标准化上的历史意义，以及组曲、托卡塔和赋格等体裁的特征。 第二部分：古典主义的清晰与平衡（c. 1730 – c. 1820） 如果说巴洛克追求的是宏大、复杂和情感的深度，那么古典主义则转向了清晰、对称、平衡与形式的完美。 一、风格的转变与启蒙思想的影响： 本章探讨“洛可可”风格的轻盈、敏感，以及“前古典时期”（如“喜歌风格”Sturm und Drang）对僵化巴洛克风格的反叛。启蒙运动对理性、自然与普适性的追求，如何深刻影响了音乐的结构和表达方式。 二、奏鸣曲式与交响乐的统治地位： 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义音乐的基石。本书将详尽解析其呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）的内在逻辑与戏剧性冲突。海顿、莫扎特和贝多芬如何将交响曲（Symphony）从早期四乐章的轻快形式，发展为结构宏大、情感丰富的器乐戏剧。 三、维也纳三杰的贡献： 海顿： “交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”，他如何确立了古典器乐的基本框架和幽默感。 莫扎特： 在歌剧、协奏曲和室内乐中展现的无与伦比的旋律天赋与情感深度，特别是他对歌剧人物心理刻画的革新。 贝多芬的过渡角色： 分析贝多芬如何继承并“打破”了古典主义的藩篱，尤其是在晚期作品中引入的个人意志的表达和宏大的结构布局，为浪漫主义的到来铺平了道路。 第三部分：浪漫主义的激情与个性（c. 1800 – c. 1910） 浪漫主义时期是音乐史上个性解放和主观情感表达的时代，音乐成为个人内心世界的直接投射。 一、浪漫主义的美学内核： 探讨文学、诗歌、哲学（如黑格尔、叔本华）对音乐的影响。对自然、中世纪、异域风情、梦境和超自然事物的迷恋，构成了浪漫主义音乐的主要题材。对“无限的渴望”和个人英雄主义的颂扬是核心主题。 二、器乐的拓展与革新： 钢琴音乐的黄金时代： 肖邦、舒曼如何将钢琴的描绘能力推向极致，发展出夜曲、即兴曲、叙事曲等新的浪漫体裁。 交响诗的诞生： 介绍李斯特如何创造了“交响诗”（Symphonic Poem）这一单乐章的标题音乐形式，标志着器乐对文学故事的直接模仿与阐释。 标题音乐与乐队的膨胀： 乐队规模的扩大，管弦乐配器技术的革命性发展，以及瓦格纳在歌剧领域对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求。 三、民族主义的兴起： 在德奥传统之外，欧洲各地音乐家如何利用民间音乐、民间传说和本国历史来构建独特的民族音乐语言。我们将审视俄罗斯五人组、捷克作曲家（如德沃夏克）以及北欧作曲家（如格里格）的贡献。 结论：迈向现代 本书最后概述了浪漫主义晚期（如马勒、理查·施特劳斯）的过度扩张，以及这种极度个人化和复杂化的趋势如何不可避免地导致了20世纪初的风格解体与现代音乐的诞生，为读者理解20世纪音乐的复杂性提供了坚实的基础。 本书特点： 结构清晰： 采用“时间轴+体裁分析+美学思潮”相结合的方式，确保对历史脉络的把握。 强调语境： 不仅分析音乐本身，更将其置于当时的社会、哲学和艺术背景中进行解读。 核心作品聚焦： 对每个时期最具代表性的曲目进行深入赏析，而非泛泛而谈。 本书适合作为高等音乐院校西方音乐史课程的教材或参考书，同时也是所有渴望系统了解西方古典音乐精髓的严肃听众的理想读物。

评分☆☆☆☆☆

我过去学过好几年美声，后来想跨界试试民族，结果发现很多民族声乐书都默认你已经有了扎实的美声基础，上来就谈“哭腔”、“花腔”这些高阶技巧，根本不理会我的换气和共鸣点还没调整过来。这本《民族声乐学初级入门基础教程》简直是我的“救星”。它完全是从一个“白纸”的状态开始构建知识体系的。它的结构设计得非常像一个循序渐进的语言学习过程，先学字母（基础发音），再学单词（单音练习），最后才组合成句子（乐句和歌曲）。书中对于民族声乐特有的“字头、字腹、字尾”的处理，我以前总觉得很玄乎，这本书用具体的口腔肌肉运动来解释，让我豁然开朗。最让我惊喜的是，它在基础阶段就非常重视“听辨能力”的培养，提供了一些对比练习，让你能清晰地分辨出自己发出的声音和标准民族音色之间的差距，这种自我纠错机制的建立，对于自学者来说，是无价的。它让我感觉，原来学习民族声乐并没有我想象中那么遥不可及，只要跟对了方法，进步是看得见摸得着的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的时候有点犹豫，因为市面上太多“万金油”式的声乐教材了，什么流派都想沾点边，结果什么都不精。这本书给我的最大惊喜就是它的“纯粹性”和“系统性”。它坚定地扎根于民族声乐的根基，没有被现代流行唱法的一些技巧所干扰。每一课的衔接都像是一环扣一环的精密链条，你必须先把A练好了，才能顺利进入B的难度。我尤其喜欢它在“曲目选择”上的用心。它推荐的初学曲目都不是那种流传度极广、大家一听就知道底细的“大路货”，而是选取了一些更侧重基本功训练的小调或者民歌片段，这些片段的难度设置非常科学，刚好能帮你把前一课学到的气息控制、字腔的靠贴感运用到实践中去。比如，书中关于“打挺”和“立音”的练习，我以前一直不得要领，但对照书上的口型图和发音示范，竟然很快就找到了感觉。对于那些追求“地道”和“专业”的严肃学习者来说，这本书的专业度是毋庸置疑的，它拒绝浮躁，专注于打磨声音的“骨架”。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版声乐教材 民族声乐学初级入门基础教程 民族声乐初学》简直是为我这种零基础的小白量身定做的！说实话，我以前对民族声乐一窍不通，总觉得这东西离我很遥远，要么就是觉得特别高深难懂。结果翻开这本书，我的顾虑立马烟消云散了。它不是那种干巴巴的理论堆砌，而是用非常亲切、生活化的语言，一步步引导你进入民族声乐的世界。特别是开篇对于气息的讲解，简直是醍醐灌顶。我以前唱歌总觉得声音飘，气不够用，这本书里关于丹田的运用、气息的支撑，讲得细致入微，还配上了大量清晰的图示，让我一下子就明白了“气沉丹田”到底是个什么感觉。而且它并没有急着让你去唱那些高难度的曲子，而是从最基本的发声位置、音准训练开始，每一个练习都设计得非常巧妙，既能锻炼肌肉记忆，又不会让人感到枯燥。我用了它里面的几个基础练习法，才坚持了两周，就能明显感觉到自己的声音比以前更扎实、更集中了。这本书的编排逻辑性太强了，感觉作者对初学者真是太友好了，简直是把一本厚厚的理论书，拆解成了每天都能轻松完成的小任务。我强烈推荐给所有想学民族声乐却又怕“入门难”的朋友们，这本书绝对能帮你迈出最关键的第一步。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书纯粹是出于对传统文化的热爱，但坦白讲，我更偏爱古典美声的训练体系，对民族唱法的“韵味”和“地域特色”一直比较模糊。然而，这本书的视角却非常独特且具有前瞻性。它不仅仅是教授“怎么唱”，更深层次地探讨了“为什么这么唱”。书中对于不同声区在民族声乐中的处理方式，以及如何结合地方戏曲的润腔技巧，进行了深入浅出的分析。我特别欣赏它对“真假声转换”的论述，这部分内容在很多教材中往往被简单带过，但在这里却花了大量的篇幅，图文并茂地讲解了民族声乐对音色纯净度和转音流畅性的高要求。读完这部分，我才意识到，原来我们常说的民族调子的那种“悠扬感”，很多时候就体现在对这些细微转换的处理上。再者，这本书还涉及了一些声乐心理学的内容，教我们如何在舞台上快速进入角色，如何通过声音去表达出作品深层次的情感内核，这对于一个有一定基础想提升表现力的学习者来说，价值极高。它提供的不仅仅是技术指导，更是一种艺术视野的拓宽。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育工作者，我对教材的实用性和可操作性要求非常高。这本书在“教学工具”层面做得非常出色。首先，它的排版清晰大气，不像有些教材那样把文字挤得满满当当，留出了足够的空间供学生在书页上记录自己的心得和修改意见。其次，书中的练习部分不仅仅是文字描述，还附带了大量的呼吸练习的简易图表，这些图表非常直观，老师在课堂上讲解时可以作为一个很好的辅助工具，学生也能在家自行对照练习。更重要的是，它在“民族发声特点”的解析上，融入了现代声学和生理学的知识，这使得教学内容既有传统美学的深度，又不失现代科学的严谨性。我用这本书来带我的几个研究生新生，效果非常好，特别是对于他们理解民族声乐中“圆润度”和“穿透力”的平衡关系，起到了决定性的作用。这不仅仅是一本学生用书，更是一本非常优秀的教师参考手册。