中国琵琶经典名曲演奏指导教程 正版琵琶曲谱教材 琵琶书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552305470

商品编码：29867637639

丛书名： 中国琵琶经典名曲演奏指导

出版时间：2014-07-01

  作者简介 周丽娟，上海音乐学院教授、硕士研究生导师，上海市非物质文化遗产项目"浦东派琵琶演奏技艺"代表性传承人，中国琵琶研究会长江流域联席会副主席，上海琵琶学会理事，上海市非物质文化遗产保护工作专家委员会委员。

目录 前言
1．阳春白雪
2．高山流水
3．赶花会
4．大浪淘沙
5．新翻羽调绿腰
6．天山之春
7．彝族舞曲
8．火把节之夜
9．渭水情
10．春雨
11．虚籁
12．春蚕
13．陈杏元和番
14．月儿高
15．草原小姐妹
16．诉一读唐诗《琵琶行》有感
17．天鹅
18．霸王卸甲
19．十面埋伏
20．狼牙山五壮士
常用符号说明

内容推荐 《中国琵琶经典名曲演奏指导》收编了琵琶经典曲目20首，有传统乐曲、民间乐器以及近现代作品，包括《阳春白雪》《高山流水》《十面埋伏》《霸王卸甲》等。作者周丽娟根据个人的研究经验和体会，对每首作品进行了详尽的音乐分析和演奏指导。有很强的实用性，供学习者参考。

20世纪后半叶中国音乐的宏大叙事：民族管弦乐的革新与发展 一部深入探究中国民族管弦乐在特定历史时期内如何实现艺术蜕变与民族精神彰显的学术专著。 本书以扎实的音乐学研究方法，系统梳理并剖析了自20世纪50年代至世纪末，中国民族管弦乐在创作、演奏实践、理论构建以及教育体系等方面所经历的深刻变革与艺术成就。它并非关注某一种特定乐器（如琵琶）的技巧训练或曲目精选，而是着眼于整个民族管弦乐队这一宏大艺术集合体的内部运作、外部环境影响及其审美范式的演变。 第一部分：时代洪流中的声音觉醒（1950s - 1960s） 本部分聚焦于新中国成立初期，民族音乐工作者如何响应时代号召，努力建立一支具有现代意义的民族管弦乐队。 1. 乐队编制的规范化尝试： 详细考察了早期对传统民间器乐编制（如丝竹乐、锣鼓乐）进行科学重组的过程。重点分析了如何引入西洋管弦乐的结构思维，对二胡、笛子、琵琶、古筝等主奏乐器进行声部划分、音域拓展和音色平衡的实验性工作。探讨了如何引入或改良中低音声部乐器（如低音二胡、革胡的早期原型）以弥补乐队低音声部的缺失。 2. 创作的“民族化”方向： 研究了这一时期涌现出的标志性作品，如早期的大型叙事性乐曲。分析了作曲家们如何将民间音乐素材（如戏曲板式、地方小调）融入到管弦乐复调写作的框架中。重点剖析了如何处理传统音乐的“意境”与现代“交响性”之间的张力，这与单纯的乐器独奏或小型合奏存在本质区别。 3. 理论与教学的初步构建： 描述了在缺乏成熟理论体系的情况下，音乐家们如何通过实践反哺理论。讨论了早期民族管弦乐配器法初步形成的经验总结，以及相关音乐学院内部关于“民族管弦乐学派”雏形的早期探讨。 第二部分：交响性实验与风格探索（1970s - 1980s） 随着社会环境的变动，民族管弦乐迎来了其艺术生命力集中爆发的时期。本部分着重分析了创作观念的解放和音乐语汇的极大丰富。 1. 宏大叙事与文学性主题的承载： 深入分析了大量以重大历史事件、革命史诗或山河壮丽为题材的作品。这些作品要求乐队具备强大的戏剧表现力和色彩对比能力，不再局限于小型室内乐的细腻描摹。探讨了如何运用“民族管弦乐的复调织体”来构建复杂的情感层次。 2. 创作技法的多元化： 详细分析了作曲家对民族乐器表现力的挖掘。例如，如何将传统演奏技巧（如揉弦、滑音、指法）与现代配器法相结合，创造出全新的听觉效果。对“速度的控制”、“音量的层次变化”以及“和声色彩的实验”进行了个案研究。 3. 乐器改革的驱动力： 探讨了在追求更宽音域和更强音响的背景下，对传统乐器进行的改良工作（如弓弦乐器的形制调整、键盘类乐器的标准化）。这些改革直接影响了后续作品的创作可能性。 第三部分：走向世界与艺术的成熟（1990s - 2000） 本部分着眼于民族管弦乐在国际舞台上的定位与内部艺术水准的最终确立。 1. 音乐语汇的国际对话： 分析了民族管弦乐如何开始吸收西方后浪漫主义、印象主义乃至现代主义的某些创作理念，同时保持其核心的民族音高和节奏特征。探讨了作品中对“空间感”、“模糊性”以及“纯音色组合”的运用，旨在形成一种具有中国特色的当代艺术声音。 2. 演奏技能的专业化提升： 记录了顶尖民族管弦乐团在演奏能力上达到的高度。这不仅包括对复杂配器和快速段落的精准控制，更重要的是对作品“内涵”的理解和诠释能力。对不同乐团在诠释同一部作品时所体现出的地域性或学派差异进行了比较分析。 3. 理论体系的深化与普及： 总结了这一时期民族管弦乐配器法、指挥法等领域的成熟理论成果，以及它们在高等音乐院校教学中的定型过程，标志着该领域从摸索阶段正式迈入成熟的学术研究阶段。 总结与展望：一种独特的交响实践 全书最后总结了中国民族管弦乐在特定半个世纪中所实现的核心价值：它成功地将中国深厚的传统音乐文化与20世纪世界管弦乐的交响思维进行了富有创造性的融合，形成了一种既根植于本土又面向世界的、具有强大生命力的艺术形式。 本书的价值在于，它提供了一个宏观的、技术性的和历史性的视角，来理解这一宏大音乐体裁的系统构建历程，而非仅仅停留在对单件乐器或单首曲目的浅层赏析。它关注的是“体系的建立”与“艺术的升华”。

评分☆☆☆☆☆

我是一个已经学了十几年琵琶的演奏者，坦白说，市面上的很多教材都流于表面，对于我们这些已经有一定基础，但渴望在演奏细节上寻求突破的人来说，往往是不够“硬核”的。然而，这本《中国琵琶经典名曲演奏指导教程》却让我眼前一亮。它的深度和专业性是毋庸置疑的。我尤其关注它对“左手按竹”和“右手轮指变化”的论述部分。作者不仅给出了标准的技法要求，还列举了不同流派在处理这些技法时的细微差异，这对于我们进行风格化演绎至关重要。例如，在探讨“扫轮”与“十六弹”的转换时，书中用了大量的篇幅对比了它们在节奏稳定性和音色饱满度上的侧重点，并提供了针对性的训练方案，这比我过去翻阅的任何资料都要详尽和精准。更难得的是，它在解析名曲时，并非照本宣科，而是充满了个人深刻的理解和舞台实践经验的沉淀。读完对某些乐段的解读，我仿佛站在演奏厅里，感受到了作曲家或演奏大师当时的心境，这极大地丰富了我对音乐作品的诠释维度。对于进阶学习者来说，这本书无疑是一本可以反复研读、常读常新的宝典。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书的初衷主要是想给外婆的兴趣班找一些配套的曲谱，因为外婆她们那个年纪的人，对那种老式的、印刷模糊的谱子实在看不清。当我翻开这本《中国琵琶经典名曲演奏指导教程》时，我彻底被它的版式设计和印刷质量征服了。首先，字体清晰、行距适中，即便是光线不佳的环境下阅读，眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，它的“正版”保证了乐谱的准确性，这对于教学来说至关重要，任何一个音符或节奏的偏差，都可能误导学生。教程中穿插的那些老一辈艺术家的黑白照片，虽然不是高清彩印，却充满了历史的厚重感，让课堂氛围一下子变得庄重起来。另外，这本书在配套资源上做得也非常到位，虽然我这里无法直接听到配套音频，但从它的文字描述中就能感受到作者对“声”的极致追求。我给外婆她们试弹了几段，她们反馈说，这本书的曲目选择非常经典，都是她们年轻时耳熟能详的曲目，但讲解的角度却非常现代和清晰，完美地平衡了“怀旧”与“实用”。

评分☆☆☆☆☆

我是一位音乐学院的学生，对于学习资料的要求自然是极其严苛的。很多教材在学术严谨性上存在漏洞，或者说，它们更偏向于“应试教育”，只求“弹对”，不求“弹好”。但《中国琵琶经典名曲演奏指导教程》在理论支撑方面做得非常出色。它不仅仅是告诉你“怎么做”，更是告诉你“为什么这么做”。例如，在讨论快速的琶音和扫弦技巧时，书中引用了人体工程学和物理学的原理来解释指甲与弦接触的最佳角度和时机，这在其他教材中是极少见的深度探讨。书中对于不同调式在琵琶上如何实现最佳音响效果的分析也极具启发性。它教会我如何从一个演奏者的角度去理解和重构乐曲，而不是被动地模仿书本上的标记。我发现，仅仅是研究这本书中对于“揉弦”力度变化的图示，我就对自己的演奏有了全新的认识。它真正地提升了我的音乐理解力和自我纠错能力，对于准备专业考级的我来说，这是一份无可替代的学术参考资料。

评分☆☆☆☆☆

对于一个零基础的成年人学习者来说，最大的障碍永远是“枯燥”和“挫败感”。我之前尝试过好几次学习乐器，最终都因为无法坚持而半途而废。但自从开始使用这本《中国琵琶经典名曲演奏指导教程》后，我的学习体验得到了质的飞跃。这本书的魅力在于它的“陪伴感”。它没有一上来就给我那些听起来高深莫测的曲子，而是用非常温柔且循序渐进的方式引导我进入琵琶的世界。比如，第一课的“弹挑”练习，作者就用了近十页的篇幅来确保你的基本功扎实，但讲解的方式非常生活化，读起来毫无压力。书中的插图清晰地展示了如何放松手腕，避免“弹奏疲劳”，这对于我们这些“电脑族”来说太重要了。更让我坚持下去的是，教程很快就让我能够成功演奏一些耳熟能详的小片段，那种即时的成就感是最好的激励。它就像一位耐心且专业的私人教师，始终在我身边，用最清晰的语言，告诉我下一步该怎么走，让我真切地感受到，原来学习一门古典乐器，也可以如此充满乐趣和希望。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国琵琶经典名曲演奏指导教程》简直是琵琶学习者的一盏明灯！我从小就对中国传统乐器抱有浓厚的兴趣，尤其被琵琶那拨弦的清脆和扫弦的磅礴所吸引。但自学过程中，总感觉缺乏系统性的指导，尤其在一些高难度技巧的处理上，常常力不从心。这本书的出现，仿佛为我打开了一扇通往专业殿堂的大门。它的编排非常科学合理，从最基础的指法练习到复杂的乐曲解析，层层递进，让人学起来毫不费力。我特别欣赏它对每一首经典名曲背后的文化背景和演奏意境的深入阐述，这不仅仅是一本技巧书，更是一部浓缩的中国音乐史。比如在讲解《十面埋伏》时，作者细致地分析了不同段落应如何通过力度和音色变化来烘托战争的氛围，而不是简单地标注“强”或“弱”。这使得我在练习过程中，更能体会到音乐的灵魂所在。那些详细到毫米级的指位图和运指示范，即便是没有老师在旁指导，我也能大致掌握正确的发力点和手型，极大地避免了初学者常见的“僵硬”和“力度不均”的问题。可以说，这本书的价值远超其定价，它是我书架上最常被翻阅的“老朋友”了。