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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549535576

商品编码：29867459307

丛书名： 听不完的历史

开本：16开

出版时间：2013-05-01

 

• 版 次：1
• 页 数：395
• 字 数：390000
• 印刷时间：2013-5-1
• 开 本：16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

目录

第I章 早期录音的先驱
第二章 逝去的风格——浪漫派钢琴大师
第三章 德国现代钢琴学派
第四章 魔鬼的颤音——二十世纪诸多小提琴学派
第五章 中提琴和大提琴巨匠
第六章 德奥指挥学派的巨人们
第七章 欧美头牌指挥明星
第八章 意大利歌剧——从威尔第到真实主义
第九章 法国歌剧
第十章 瓦格纳王国

内容推荐

《听不完的历史》全面系统地介绍了从圆筒录音开始直至二十世纪的重要历史录音唱片。全书分为录音先驱、浪漫派钢琴大师、德国现代钢琴学派、二十世纪早期诸多小提琴学派、中提琴和大提琴巨匠、德奥指挥学派、欧美指挥明星、意大利歌剧——从威尔第到真实主义、法国歌剧、瓦格纳王国等。每一章都按照时间顺序对作曲家的生平、重要录音、演奏风格、历史地位等做了详尽阐述，并配以各CD唱片的封面、编号、年代和评级。
历史录音作为极珍贵的音乐文献，在音乐史的长河中占有非常重要的位置。在录音技术高度发达的，研究、赏析历史录音，好比人们离开林立的高楼大厦，回到故乡的旧宅，仔细探寻时光留下的原汁原味。历史录音不仅为人们提供一种回忆的途径，同时也蕴藏了特定时代的艺术气质和审美情趣，那些足以令后人肃然起敬的历史之声应当获得更多人的珍视和保护。
《听不完的历史》是一部讲述、探寻古典音乐传承之路的宝典，以翔实的史料、生动的描述，向广大爱乐者和专业人士展现了自留声机发明以来古典音乐世界的变化发展和录音技术的一系列沿革，是一本读来津津有味、令人爱不释手同时又很具专业水准的音乐读物。
《听不完的历史》里的两百多个名字，也许有些不是你熟悉的，但是他们是音乐史发展中不可或缺的人物。在这些古旧录音的出版背后，展现出的是一种对音乐风骨的探寻。
历史录音真实、自然地记录下了百年前大师们的艺术，在当今这个浮华的年代，我们更需要认真地欣赏学习这些大师们留下的无价之宝。

作者简介

邵鲁，毕业于上海音乐学院钢琴系，后留校任教。曾多次应邀赴欧洲、加拿大等地参加音乐节演出活动，与内外知名音乐家有着密切的合作。自幼酷爱音乐，尤其喜爱搜集各种版本的唱片

 

 

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《西方古典音乐欣赏与赏析：从巴洛克到浪漫主义》 导言：跨越时空的旋律之旅 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，拥有跨越语言和文化的魔力。本书旨在引导读者进入西方古典音乐的宏伟殿堂，探索其从巴洛克时期严谨的对位法到浪漫主义时期奔放情感的演变历程。我们并非着眼于晦涩的音乐理论公式，而是聚焦于音乐作品本身所蕴含的历史背景、作曲家的内心世界以及其在艺术史上的独特地位。本书的编写初衷是为所有对古典音乐怀有好奇心，渴望深入了解其精髓的爱好者提供一份详实而富有启发性的指南。 第一部分：巴洛克曙光——秩序与激情的交织（约1600-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个极其重要的转折点。这一时期的音乐以其复杂的织体、强烈的对比和对情感的戏剧性表达而著称。我们将从早期的歌剧探索讲起，分析蒙特威尔第如何将戏剧语言与声乐艺术完美结合。 1.1 巴赫与亨德尔：宏伟的巅峰 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，这位音乐界的“集大成者”，其作品结构之严谨、对位技巧之精湛，至今仍是后世学习的典范。我们将详细剖析《平均律钢琴曲集》的结构逻辑，探讨赋格曲的内在秩序之美。通过分析《马太受难曲》，读者可以体会到巴赫如何将神圣的宗教主题与深沉的人性关怀融为一体。 乔治·弗里德里克·亨德尔的音乐则展现出更为宏大和面向公众的特质。重点在于解析《弥赛亚》中的“哈利路亚”合唱，理解其如何通过简单的和声进行营造出令人震撼的崇高感。此外，对《水上音乐》的分析将展示巴洛克时期器乐在宫廷庆典中的重要作用及其旋律的典雅流畅。 1.2 协奏曲的诞生与发展 巴洛克时期协奏曲形式的成熟，特别是维瓦尔第的贡献不容忽视。我们将细致解读《四季》，不仅是欣赏其炫技的独奏部分，更重要的是理解维瓦尔第如何巧妙地利用音乐描绘出四季的自然景象，这在当时是极具创意的“音乐文学”。同时，也会触及协奏曲在不同乐章之间的速度和情感对比所体现的艺术张力。 第二部分：古典主义的理性之光——清晰与平衡的追求（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美开始从巴洛克的复杂转向清晰、平衡和结构化的表达。古典主义时期确立了奏鸣曲式、交响曲和四重奏等核心体裁，奠定了此后两百年西方音乐发展的基础。 2.1 海顿：交响曲与奏鸣曲的奠基人 约瑟夫·海顿被誉为“交响曲之父”。本书将深入研究他如何系统化和规范化了四乐章交响曲的结构，并赋予其新的幽默感和戏剧性。通过分析他晚期的伦敦交响曲（如“惊愕”），读者可以领略到海顿在保持形式完美的同时，如何注入出人意料的音乐元素。 2.2 莫扎特：天赋与完美的化身 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特的天赋是音乐史上一个难以复制的奇迹。他的音乐以其旋律的纯净、和声的精妙和情感表达的得体而著称。在歌剧领域，我们将重点分析《费加罗的婚礼》和《唐璜》，探讨莫扎特如何通过音乐刻画出复杂、多面的人物性格，特别是女性角色的智慧与挣扎。对于其晚期的交响曲（如第41号“朱庇特”），我们将剖析其在结构收尾处的复调技巧如何将古典主义的理性推向极致。 2.3 贝多芬的桥梁作用 路德维希·范·贝多芬是古典主义向浪漫主义过渡的关键人物。他的音乐不仅继承了古典主义的严谨结构，更注入了前所未有的个人意志和英雄主义精神。我们将以“命运交响曲”（第五号）为例，解析其如何通过动机的反复发展和戏剧性的冲突，表达个体与命运抗争的主题。同时，对钢琴奏鸣曲（如“热情”、“月光”）的分析将揭示钢琴这一乐器在他手中所获得的巨大表现力。 第三部分：浪漫主义的激昂与沉思——主观情感的无限释放（约1820-1900年） 浪漫主义音乐强调个人情感、想象力、自然崇拜和对超自然事物的向往。音乐家们开始挣脱古典主义的框架，追求更广阔的音域、更丰富的配器和更自由的曲式结构。 3.1 舒伯特与舒曼：艺术歌曲的黄金时代 弗朗茨·舒伯特是艺术歌曲（Lied）的巨匠。本书将重点介绍他对诗歌文本的音乐化处理，探究《冬之旅》和《美丽的磨坊少女》中钢琴伴奏如何不再仅仅是和声的支撑，而是成为叙事和烘托气氛的关键角色。 罗伯特·舒曼则代表了浪漫主义中期内心世界的深度挖掘。我们将解析他的钢琴套曲，如《童年情景》，理解他如何通过细碎而充满象征意义的音乐片段，构建起一个充满诗意和内在矛盾的艺术世界。 3.2 肖邦与李斯特：钢琴诗篇的独奏家 弗雷德里克·肖邦将钢琴这一乐器推向了极致。他的作品，无论是玛祖卡、圆舞曲还是夜曲，都体现了波兰民族精神与细腻情感的完美结合。我们将分析夜曲中那种梦幻般的自由速度（Tempo Rubato）如何服务于旋律的抒情性。 弗朗茨·李斯特则以其炫技的演奏风格和宏大的音乐构思著称。对他的交响诗的分析将展示标题音乐（Program Music）如何通过单一乐章的形式，讲述复杂的故事或表达深刻的哲学观念。 3.3 晚期浪漫主义的宏大叙事 勃拉姆斯继承了贝多芬的衣钵，以其对位和形式的严谨，被视为古典主义精神在浪漫主义时期的坚守者。他的四部交响曲体现了深沉的德奥传统。 相较之下，瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）则代表了浪漫主义的另一极端——对戏剧和音乐的完全融合。我们将探讨他如何运用“主导动机”（Leitmotif）系统来构建其宏大的歌剧世界，并分析其对和声语言的革命性拓展。 结语：回响不绝的遗产 西方古典音乐的百年历程，是一部关于人类创造力、情感深度和技术革新的史诗。本书希望提供的不仅仅是知识点，更是一种聆听的视角和进入音乐内心世界的钥匙。通过对这些大师杰作的系统梳理与深入品鉴，读者将能更好地理解这些音乐如何塑造了我们今天的文化景观，并能更深层次地感受到那永恒的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

我最头疼的一点是，这本书似乎认为读者已经具备了非常扎实的音乐基础，所以它经常在没有铺垫的情况下直接抛出高阶的分析方法。比如，在介绍和声功能分析时，它假设读者已经熟练掌握了四部和声的写作规则，甚至直接跳到了十二音体系的矩阵构建，中间的逻辑断层大到让人怀疑是不是误拿了不同难度的书籍拼凑在一起。书中对于“如何聆听”的指导也过于依赖高深的学术术语，比如不断使用“张力释放”、“动态模糊”这类词汇，却极少用通俗易懂的语言去描述这些听觉体验究竟意味着什么。这使得初学者在尝试“应用”书中学到的理论指导自己去欣赏音乐时，感到无从下手，完全无法将书本知识转化为实际的听觉洞察力。这本书更像是为那些已经有多年学习经验的乐迷准备的“进阶阅读”，而非一个可靠的入门向导。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在理论部分的阐述上存在着明显的厚此薄彼现象。对于某些被作者青睐的时期和流派，比如浪漫主义晚期的某些特定作曲家，理论分析深入到近乎偏执的程度，各种复杂的数学公式和抽象概念充斥其中，初学者根本无从下手。然而，对于占世界音乐版图很大一部分的非西方音乐传统或者二十世纪中后期涌现的先锋音乐，往往只是简单地用一两页草草带过，甚至连最基本的音阶结构和节奏特点都没有讲清楚。这种严重失衡的比例，使得“世界音乐”这个宏大的概念在书中被极大地窄化和扭曲了。作为一本声称要全面介绍理论的教材，这种取舍标准令人费解，它没有提供一个平衡的视角去理解音乐的多元性，反而固化了某种狭隘的西方中心主义的理论框架。如果要系统学习，我还是得去寻找专门针对特定文化音乐体系的著作，这本书显然无法满足这个需求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“教材”属性也令人质疑，因为它在互动性和辅助学习资源上几乎是零投入。在数字时代，一本好的音乐理论书理应提供配套的音频链接、可交互的乐谱示例或者至少是明确的指引去哪里找到这些听力材料。然而，这本书几乎完全依赖读者自行去搜集和匹配那些“听不完”的音乐。这对于时间宝贵、需要高效学习路径的读者来说，是一个巨大的障碍。很多时候，理论讲完了，我根本不确定自己听到的那个段落是否就是作者所指的范例，光靠想象力去脑补复杂的复调结构，简直是天方夜谭。如果它只是一本供专家参考的学术专著也就罢了，但它明摆着是一本面向学习者的教程，却完全不提供现代教学所必需的整合性支持，显得过于脱节和不负责任。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版简直是灾难性的，打开的第一页我就被密密麻麻的文字和缺乏逻辑的章节划分弄得晕头转向。它试图涵盖“世界音乐大师”的生平与“音乐理论”的深度解析，但实际上，它更像是一本杂乱无章的笔记合集。比如，讲到巴赫的对位法时，突然跳跃到二十世纪爵士乐的和声分析，中间的过渡生硬得让人措手不及。更要命的是，许多关键概念的解释含糊不清，术语的定义前后矛盾。我不得不反复查阅其他专业书籍来厘清这些混乱的知识点，这完全违背了使用一本“教程”的初衷。如果一个初学者想通过这本书建立起系统的音乐认知框架，恐怕只会收获满脑子的问号和挫败感。我对其中某些章节的插图质量也深感失望，那些乐谱示例模糊不清，甚至有些地方的五线谱标记都出现了错误，这在学习基础理论时是绝对不能容忍的。这本书在内容组织和细节校对上的疏忽，极大地影响了阅读体验和学习效率，真希望作者能在再版时对结构和准确性进行彻底的重构。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书是冲着“听不完的历史”这个噱头来的，以为能找到一些新颖的、与聆听体验紧密结合的音乐史视角。然而，内容呈现的方式却异常古板和学院派。它罗列了大量的人名、日期和作品标题，但缺乏对音乐作品内在精神和文化背景的深入挖掘。例如，在讨论莫扎特的歌剧时，它只是机械地描述了情节结构和调性安排，却没有真正引导我去思考，在那个时代背景下，这些音乐如何震撼了当时的听众，或是它对后世产生了怎样的情感共鸣。整本书读起来就像在看一本厚厚的“百科全书”的索引，干巴巴的，缺乏灵魂。我期待的“教程”应该是能激发我主动去探索音乐、去聆听的动力，而不是仅仅提供一堆需要背诵的事实。它的叙述口吻过于干燥，像是在宣读一份官方报告，完全没有一个引导者该有的热情和洞察力，让人感觉作者只是一个信息搬运工，而非一个真正的音乐教育家。