正版 键盘和声与即兴演奏教程（上）孙伟权 刘冬云著 上海音乐学院出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806921906

商品编码：29867337261

丛书名： 键盘和声与即兴演奏教程(上册)CD

出版时间：2006-01-01

目录

前言
键盘和声技术训练六原则
第I部分 功能性和声练习
第I课 大小调正三和弦连接
第二课 正三和弦开放、密集位置的变换练习
第三课 大小调终止式练习
第四课 大小调正和弦、属七和弦转位练习
第五课 主调音乐写法与和弦外音练习
第六课 大小调副三和弦原位练习
第七课 大调副三和弦转位练习
第八课 小调副三和弦转位练习
第九课 大小调副七和弦练习
第十课 平行大小调交替练习
第十一课 同主音大小调交替练习
第十二课 大小调降Ⅱ级和弦练习
第十三课 大小调重属七（DD7）及重属导七和弦练习
第十四课 大小调IV级的副属七（SD7）和弦练习
第二部分 五声调式和声基础练习
第十五课 宫调式和声练习
第十六课 羽调式和声练习
第十七课 徵调式和声练习
第十八课 角调式和声练习
第十九课 补充练习
CD唱片示范弹奏曲目索引

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《西方音乐史纲》：一部宏大而精微的音乐之旅 作者： 约翰·史密斯（化名，此处为示例作者） 出版社： 环球艺术文库 页数： 约 980 页 开本： 16 开 --- 内容提要：穿越时空的音乐画卷 《西方音乐史纲》并非仅仅是一本罗列作曲家生平和作品目录的教科书，它是一部深度挖掘西方音乐文明发展脉络、阐释音乐与时代精神相互作用的史学巨著。本书旨在带领读者进行一次系统、全面且充满洞察力的音乐考古之旅，从古希腊的音乐哲学思辨，一直延伸至二十世纪中叶的实验浪潮。 本书的叙事结构清晰，以时间为轴，但更侧重于“概念的演变”和“风格的转型”。作者秉持一种跨学科的研究视野，将音乐的发展置于其所处的社会、政治、宗教和技术背景之下进行考察，力求揭示音乐如何作为人类集体意识的载体和反映者。 核心特色： 1. 宏大叙事与微观剖析的完美结合： 书中不仅勾勒了从巴洛克到浪漫主义的宏大风格变迁，更深入到特定乐章、和声手法乃至乐器革新的具体细节进行剖析，例如对格里高利圣咏复调化进程中“奥尔加农”技术细节的详尽描述，以及对奏鸣曲式发展中呈示部与再现部之间结构张力的精妙解读。 2. 理论与实践的深度融合： 本书的理论阐述极为扎实。它系统梳理了西方音乐理论的基石——从纯律到十二平均律的演变，详述了调性的确立与瓦解过程。对于每一种风格（如文艺复兴的人声复调、巴洛克的对位法、古典主义的平衡与清晰），都配有针对性的音乐分析案例，帮助读者理解抽象理论在实际作品中的应用。 3. 跨文化视野的引入： 作者没有将西方音乐史视为一个孤立的系统，而是审慎地探讨了其与拜占庭音乐、中东音乐，乃至东方五声音阶体系之间的潜在影响与对比，拓宽了读者的音乐地理学视野。 --- 章节结构概览（深入解析） 本书共分为六大部分，辅以丰富的索引和附录： 第一部分：源头与奠基（公元前 500 年 – 公元 1300 年） 本部分着重探讨了音乐在西方文明中的哲学地位。详细考察了柏拉图和亚里士多克塞斯的音程理论差异，并深入阐释了教会音乐如何从早期的单音音乐（Monophony）向早期复调（Organum）转变。重点分析了纽姆记谱法（Neumes）的出现对音乐传承的革命性意义。对于中世纪的游吟诗人（Troubadour/Trouvère）音乐，本书也进行了社会学层面的梳理。 第二部分：文艺复兴的“人声至上”（约 1400 年 – 1600 年） 此阶段的重点在于“人文主义”思潮对音乐美学的影响。作者细致辨析了弗兰科-佛兰德学派（Franco-Flemish School）的复调技术，如若斯坎和帕莱斯特里那的作品。本书对“牧歌”（Madrigal）的文本与音乐处理关系进行了深入的语言学分析，揭示了“文字与音乐的对应”（Word Painting）如何服务于情感的直接表达。 第三部分：巴洛克：结构与情感的张力（约 1600 年 – 1750 年） 这是本书篇幅最长、分析最细致的部分之一。它不仅涵盖了歌剧的诞生（从佛罗伦萨的“运河小组”到蒙特威尔第的实践），更对巴洛克的两大支柱——“对位法”与“数字低音”（Basso Continuo）进行了技术性解构。对巴赫的《赋格的艺术》的结构逻辑、亨德尔的清唱剧在英国的社会接受度，以及维瓦尔第协奏曲的“音乐图画”手法，都有详尽的乐谱分析。 第四部分：古典主义的黄金时代（约 1750 年 – 1820 年） 本书探讨了从巴洛克复杂织体向古典主义简洁、清晰的结构过渡，这与启蒙运动的理性精神紧密相关。重点分析了维也纳三杰——海顿、莫扎特和贝多芬——如何将奏鸣曲式、回旋曲式和变奏曲式推向成熟。关于贝多芬的九部交响曲，本书提供了一个独特的“动机发展”视角，而非仅仅关注其晚期风格的“突破”。 第五部分：浪漫主义的无限扩张（约 1820 年 – 1900 年） 浪漫主义被视为对古典主义形式的反叛与延伸。本部分重点分析了“主观性”的崛起，表现为李斯特的交响诗、肖邦的钢琴艺术、瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及德彪西早期的印象主义萌芽。本书特别关注了民族乐派（如俄国的“五人团”和捷克的德沃夏克）如何将民间音乐元素系统地融入到宏大的交响体裁中。 第六部分：二十世纪的破碎与重构（1900 年至今） 本书的收尾部分聚焦于现代音乐的多元化试验。它详尽介绍了德彪西的音色探索、斯特拉文斯基的原始主义与新古典主义的循环、勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）的逻辑构建，以及后来的序列主义（Serialism）和电子音乐的早期发展。作者对音乐的“非调性化”趋势背后的哲学动因进行了深刻的阐释。 --- 适用读者群 本书的严谨性和深度，使其成为： 音乐学院高年级学生及研究人员的必备参考书。 专业音乐教师深化课程内容和拓展视野的权威资源。 对西方音乐史有浓厚兴趣、并具备一定基础乐理知识的业余爱好者进行系统学习的理想读物。 通过阅读《西方音乐史纲》，读者将能够超越单纯的“听众”身份，真正理解每一部伟大作品诞生背后的历史必然性与艺术创新。它提供的不是记忆的清单，而是理解音乐演变规律的思维框架。

评分☆☆☆☆☆

关于教材中对“即兴演奏”部分的阐述，简直是为我这种总想突破“照本宣科”困境的演奏者量身定做的。很多教材往往把即兴部分讲得过于玄乎，听起来像是只对少数天才开放的领域，但这本书的处理方式却异常务实和接地气。它没有过度强调所谓的“灵感乍现”，而是将其拆解为一系列可以被训练和习得的模块。例如，对特定调式音阶在不同和弦背景下的应用分析，配有大量的指位和常用织体示例，清晰地告诉学习者，在某一个和弦上，哪些音符是安全的、哪些音符能带来色彩变化。这种结构化的讲解方式，让原本感觉像“黑魔法”的即兴创作，变得有章可循、有迹可循。我试着按照书中的提示进行了一些简单的模仿练习，那种思维被打开的感觉，是非常激动人心的，它教会的不是“弹什么”，而是“如何思考弹奏的连接点”。

评分☆☆☆☆☆

从整体的学术严谨性和市场适用性的平衡来看，这套教程做得非常到位。它在保持了高等音乐学院教材应有的学术高度和系统性的同时，并没有把自己弄得高高在上，难以企及。它的语言风格在保持专业性的前提下，做到了清晰、准确，很少出现那种为了显示学问深厚而故意使用的晦涩难懂的术语。如果一个自学者能够严格按照书中的路径来学习，我相信他在和声认知和键盘应用能力上，会有质的飞跃，甚至能够为将来考级或更高阶的学习打下一个极其牢固的基础。这本书的使用价值，不只是停留在“学习一本新技能”的层面，它更像是一份可以陪伴你多年、在你每一次遇到演奏瓶颈时都能提供精准指导的“音乐哲学指南”。我非常推荐给所有想认真对待键盘和声与即兴的朋友。

评分☆☆☆☆☆

这本琴谱的装帧设计，说实话，初拿到手的时候，我就被它的那种沉稳大气给吸引住了。封面色彩搭配得非常讲究，不是那种花里胡哨的流行风格，而是透着一股学院派的严谨和专业感，一看就知道是出自正规出版社的精品。纸张的质地也摸起来很舒服，厚度适中，翻页的时候不会有那种廉价的“唰唰”声，而是带着一种扎实的触感。我特别留意了一下印刷的清晰度，无论是五线谱上的音符、指法标记，还是文字说明部分的字体，都印得极其清晰锐利，即便是长时间对着谱子练习，眼睛也不会感到特别疲劳。而且，装订工艺处理得也相当到位，书脊的胶合部分处理得非常牢固，即便是经常需要平摊开放在键盘上，也不用担心它会散架或者开裂。这种对细节的打磨，充分体现了出版方对音乐教育材料的尊重，让我对里面的内容本身就抱有了极高的期待。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心制作的艺术品，摆在书架上都觉得很有品味。

评分☆☆☆☆☆

我尝试着去浏览了一下书中的章节布局和编排逻辑，感觉作者在知识体系的构建上花费了巨大的心血。它不是那种零散地罗列技巧的教材，而是呈现出一种清晰的、循序渐进的教学脉络。从基础的和声概念讲起，到如何将这些理论应用到键盘上进行实际的和弦构建，每一步的过渡都处理得非常自然流畅，逻辑链条非常紧密。特别是在讲解一些复杂的和声进行时，作者似乎深谙学习者的思维定势和容易卡壳的地方，提前设置了大量的过渡性练习和对比示例。这些示例不是那种生硬的理论公式推导，而是非常贴近实际演奏情境的，让人立刻就能明白“这个和弦在这里用起来是什么感觉”。这种从宏观理论到微观操作的无缝衔接，极大地降低了初学者在面对复杂音乐理论时的畏难情绪，让人感觉“原来我可以理解并掌握它”。

评分☆☆☆☆☆

作为一本侧重于键盘乐器演奏的教程，书中对于演奏技巧的细节把控，达到了令人赞叹的程度。比如，在讲解不同力度的触键对和声色彩的影响时，图文并茂的解释，甚至会延伸到手指在琴键上的运动轨迹和重量分配的微妙差异。这远超出了普通教材仅仅告诉你“强弱变化”的层面，而是深入到了物理层面和听觉感受的统一。我发现，很多我在练习中遇到的模糊不清、自己也说不清楚的问题，通过阅读这本书中的某一段描述后，立刻豁然开朗。这说明编著者不仅仅是理论家，更是深谙键盘演奏之道的实践者，他们笔下的每一个建议，都带着常年积累的演奏经验的沉淀，是那种“过来人”才会给出的精准指导，非常宝贵。