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张漪 译

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806679623

商品编码：29867334541

丛书名： 音乐小百科大提琴

开本：32开

出版时间：2012-04-01

章 想成为大提琴手吗？

第二章 快速浏览
第三章 学习演奏
第四章 购买还是租借？
第五章 一把好琴
第六章 优质的琴弦
第七章 琴弓与松香
第八章 配件
第九章 调音
第十章 大提琴的保养
第十一章 追根溯源
第十二章 提琴家族
第十三章 如何制作
第十四章 品牌与制琴师
术语表和索引
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刚开始学习演奏大提琴吗？想购置一把大提琴吗？希望深入了解自己的大提琴吗？假若如此，雨果·平克斯特波尔编著的《大提琴(原版引进)》将告诉你欲知的**：有关乐器购置和租赁，有关拉弦板、弦轴、琴马、指板，有关琴弓、琴弦、调音，还有大提琴保养的**方法、大提琴的历史、提琴家族…… 阅读《大提琴(原版引进)》后，你就能**地使用乐器，尽量买到**的大提琴，也更易于理解杂志、书籍、网络出版物上的相关读物。 假如你还是初学者或门外汉，需仔细阅读前四章。假如学琴已顺利上轨，可跳过前四章直接阅读第五章。请注意，其中提及的价格皆根据美国市场的行情估价。 全书涉及的多数大提琴术语，将在书尾的术语表中作简要解释。为方便起见，也兼作索引。

《弦歌的魅力：古典大提琴演奏艺术进阶指南》 本书简介 这是一本深度剖析古典大提琴演奏技巧与音乐理解的专业教材，专为已具备基础演奏能力，渴望在技术层面和艺术表现力上获得全面提升的中高级学习者设计。本书摒弃了初级教程中对乐器构造和基础指法的冗余介绍，直击核心——如何将机械的音符转化为富有情感和生命力的音乐语言。 第一部分：精深技艺的打磨——超越“正确”的演奏 本章深入探讨了决定大提琴音色美学与演奏效率的关键要素，着重于将理论知识转化为直观的身体感受与听觉反馈。 一、弓法的雕琢与控制的艺术 音色是小提琴家族的灵魂，而弓法是塑造灵魂的刻刀。我们不满足于“均匀运弓”，而是细致剖析： 接触点（Contact Point）的动态调控： 探讨不同速度、不同力度下，琴弦接触点（靠近指板、中央、靠近琴码）对音色（从柔和的绒面音到强劲的穿透力）的决定性影响。提供具体练习，旨在训练演奏者形成“听觉驱动”的接触点选择，而非固定的位置。 弓杆的重量与“呼吸”： 详细阐述如何运用身体重量（而非手臂蛮力）通过虎口和手指精准施压。引入“弓杆的呼吸”概念，模拟人声的渐强与渐弱，尤其关注在换弓瞬间的平滑过渡，消除换弓处的“疙瘩”声。 连弓与分弓的音乐性： 针对复杂乐段，提供处理长连弓时如何保持音头清晰、气息连贯的训练方法。分弓练习则侧重于短促、清晰、富有节奏感的颗粒性音符的独立性训练，尤其适用于巴赫或早期奏鸣曲中的清晰度要求。 颤音与揉弦的深度融合： 揉弦不再是简单的手腕运动。本书分析了不同速度和幅度揉弦（如舒缓的宽幅揉弦、快速的窄幅揉弦）对不同作曲家作品（如勃拉姆斯与德彪西）情感表达的差异化需求。 二、左手的精准与敏捷 在基础指法掌握后，左手面临的挑战是如何在高难度把位和快速换把中保持音准的绝对稳定性与指尖的反应速度。 把位转换的“无缝衔接”： 提出“预判性换把”理论，强调在进入新把位前，大臂、小臂、手腕应提前建立空间感知。提供针对性练习，旨在消除换把时因过度犹豫或用力过猛导致的音准偏移或噪音。 换把音的消除： 重点解决快速经过音或跨越把位时产生的滑音干扰。提供“空中定位”练习，要求手指在离开指板瞬间，即刻在空中预设新指位的空间坐标，以极快的速度完成接触。 指尖力量与音准的平衡： 探讨如何在使用较轻指尖力量（保持音色灵活性）的同时，维持绝对的音高精确性，特别是在高把位的泛音和轻奏段落。 第二部分：音乐理解与风格演绎 掌握技术是基础，将技术服务于音乐思想才是演奏的终极目标。本部分引导学习者深入探究不同历史时期和风格的作品对演奏者的特定要求。 三、不同时期的演奏风格解析 巴洛克时期（如巴赫无伴奏组曲）： 强调线条的独立性与清晰的对位关系。重点指导如何使用更少的、更精确的揉弦，以突出旋律线的清晰流动性，以及对装饰音的准确把握与即兴色彩的体现。 古典主义时期（如海顿、早期贝多芬）： 聚焦于结构的美感与平衡。探讨如何处理清晰的分句（Phrasing）和重音的逻辑性，避免浪漫主义的过度情感渲染，追求结构上的典雅与平衡。 浪漫主义时期（如勃拉姆斯、舒曼）： 深入解析如何运用色彩变化来表达内心的激情与沉思。指导学生在大型乐章中如何构建宏大的声音层次，并有效运用渐强/渐弱来塑造戏剧性的张力。 20世纪及当代作品： 探讨非常规技巧的应用，如非传统揉弦、特殊音色（如弓杆敲击琴体）的运用，以及对节奏自由度的理解。 四、乐谱的深度解码 演奏者必须是乐谱的“第一解读人”。本书引导学习者超越表面音符，理解作曲家的意图。 速度标记的弹性解读： 探讨如 Allegro 或 Adagio 背后所蕴含的“情感速度”，而非机械的节拍器数字。例如，如何让一个 Andante 带有行进的内在动力，而不是缓慢的停滞。 力度记号（Dynamics）的层次构建： 介绍如何建立一个比标准标记更细致的力度梯度，例如，在 piano 内部划分出 pp 到 mp 之间的微妙过渡，使音乐的起伏富有深度。 分句与呼吸的匹配： 分析乐谱上的连线（Phrasing Slurs）不仅仅是弓法指示，更是音乐呼吸的蓝图。训练学生将长乐句的呼吸点与演奏者的生理呼吸自然结合，确保乐句的完整性和连贯性。 第三部分：舞台实践与心理调适 五、协奏曲的合作艺术 大提琴协奏曲是演奏者与乐队之间“对话”的典范。 与指挥的沟通： 探讨在排练中如何快速理解指挥对速度、重音和整体色彩的特定要求，并将这些要求转化为个人演奏的调整。 声部平衡的艺术： 学习如何在与管弦乐队的宏大音响中，既保持大提琴旋律的突出性，又不显得突兀。特别针对高音区与低音区的穿透力进行专门训练。 六、舞台上的稳定表现 技术上的准备只是成功的一半。本书提供实用的心理训练方法，帮助演奏者在高压环境下稳定发挥。 “过程导向”的思维转换： 引导学生将注意力从“不要出错”转移到“此刻正在演奏的音符”上，从而打破因恐惧失误而产生的过度紧张循环。 适应性练习： 模拟不同声学环境（大厅、小房间）的练习方法，训练演奏者在音响反射不理想的环境中，依然能保持准确的听觉判断。 《弦歌的魅力：古典大提琴演奏艺术进阶指南》致力于成为演奏者案头的“技术参谋”和“艺术导师”，引导学习者将目光投向更广阔的音乐世界，实现从“能拉响”到“能歌唱”的质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种刚入门的小提琴手量身定做的“天书”！我一直苦于找不到一本既能系统讲解基础知识，又不至于太枯燥的教材。市面上很多教材要么过于注重理论，让人望而生畏，要么就是简单粗暴地堆砌音阶，缺乏连贯性。但这本书不同，它仿佛一位经验丰富的老教授，循循善诱地引导你进入音乐的世界。一开始的持弓和按弦的细节，讲得细致入微，图文并茂的示范让我这个“手残党”都能迅速领悟要领。最让我惊喜的是，它并没有急于求成，而是用非常科学的编排，让每一个新知识点都建立在扎实的基础之上。比如，在学习一个新的把位时，它会先用非常简单的练习让你熟悉指尖的触感和音准的相对位置，然后再逐步过渡到复杂的乐句。我感觉自己不是在“学习”一门技术，而是在“探索”一种美妙的语言。即便是那些看似简单的练习曲，作者也巧妙地融入了对音乐性表达的提示，让你在练习技巧的同时，不忘思考“我要如何让这段音乐动听”。这种注重音乐内涵的教学方式，对我建立正确的音乐审美观至关重要，让我的练习充满了乐趣和目标感，而不是机械地重复。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对乐理知识一直是个“无能为力”的挑战者，一看到那些五线谱和复杂的术语就头疼。然而，这本书在处理乐理概念时，简直是化腐朽为神奇的典范。它没有把乐理当作一个独立的、令人畏惧的学科来讲解，而是将其自然地融入到小提琴的演奏实践中去。比如，当引入一个新的调性时，作者会立即用一个非常短小、优美的旋律片段来展示这个调性听起来是怎样的感觉，而不是先抛出一堆升降号的规则。这种“先体验，后解析”的方式，极大地降低了我的学习门槛。我发现，当我真正能用乐器“唱出”那个和弦或那个音程时，对应的乐理规则自然而然地就被大脑接收了。此外，书中的排版设计也极其出色，大量的空白和清晰的字体结构，让阅读过程非常放松。即便是那些需要反复对照的图示，也标注得一目了然，不会让人在查找信息时感到眼花缭乱。这种对读者学习体验的尊重，是很多传统教材所欠缺的，它真正做到了把复杂的知识“翻译”成易于吸收的形式。

评分☆☆☆☆☆

我之前用过几本声称是“进阶”的教材，结果发现它们要么是给专业音乐学院的学生准备的，练习的难度曲线陡峭得像珠穆朗玛峰，要么就是内容陈旧，曲目选择非常保守，听起来总像是上个世纪的风格。这本书的曲目选择则完全抓住了我的心！它巧妙地平衡了经典与现代，古典的奏鸣曲练习穿插着一些改编自民谣或现代室内乐的片段。这让我保持了极高的学习热情，因为我能不断接触到不同风格的音乐语言。更值得称赞的是，它对那些“技术难点”的处理方式，简直是教科书级别的范例。例如，在处理快速换把的段落时，它不会直接给出一个魔鬼练习，而是设计了一系列关于“身体重心转移”和“手指预位”的微小练习，让你从物理层面上去解决问题，而不是单纯依赖肌肉记忆的碰运气。这种深入到演奏生理学层面的指导，让我对自己的演奏有了更深刻的理解和控制力，感觉自己不再是机器式地拉琴，而是真正学会了如何“驾驭”乐器。

评分☆☆☆☆☆

对于一个自学者来说，最大的障碍往往是缺乏及时的反馈和纠错机制。这本书虽然不能像老师那样直接指出我的错误，但它通过极其详尽的“常见问题与解决方案”部分，极大地弥补了这一空白。这部分内容做得非常实在，它不是那种空泛的建议，而是直接针对演奏中可能出现的具体问题进行“对症下药”。比如，它会列出“如果拉出的声音发虚、没有穿透力，请检查你的弓毛压力和接触点是否正确”，并配上对比图，这简直是我的“私人诊断师”。更让我感到贴心的是，书中还穿插了一些关于“如何有效练习”的心法。它教我如何做高质量的慢速练习，如何利用录音来检验音准，甚至是如何安排每天的练习时间表来达到最佳效率。这些“软技能”的指导，对于那些需要平衡工作、学习和爱好的人来说，价值无可估量。它教会我的不仅是如何拉好一个音符，更是如何成为一个高效的学习者和演奏者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计感，是市面上少有的能让人感到愉悦的。要知道，乐谱和教材这种东西，常常是黑白灰的沉闷组合，但拿到这本后，我立刻被它细腻的色彩搭配和清晰的视觉层级吸引了。纸张的质感非常好，即便是大量使用，也不会有那种廉价的、容易损坏的感觉，这对于需要经常翻阅和标记的教材来说至关重要。而且，它在提供标准指法和运弓标记的同时，也留出了大量的空白区域供我书写自己的记号、感悟和教练的批注，这体现了设计者对演奏者个性化需求的充分尊重。我尤其欣赏它对不同演奏技巧术语的解释，不仅给出了标准的意大利文或德文名称，还附带了非常简洁明了的中文解释，并用小图标直观地表示了该技巧的难度或适用范围。这使得我在查阅特定技巧时，能迅速定位所需信息，大大提高了阅读效率。总的来说，这是一本在内容深度、教学科学性和产品设计美学上都达到极高水准的杰作，物超所值。