单人舞编导小品集锦DVD教材 北京舞蹈学院编导系编舞技法系列教程 舞蹈音乐基础理论及其应用 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 舞蹈
• 编导
• 教学
• DVD
• 教材
• 舞蹈音乐
• 理论
• 北京舞蹈学院
• 舞蹈技法
• 小品集锦

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 中国经济出版社

ISBN：9787501794614

商品编码：29867332160

丛书名： 舞蹈音乐基础理论及其应用

开本：16开

出版时间：2009-09-01

DISC1:
01 第-组：以音乐为背景的形式结构小品
02 第二组：于音乐相融合的形式结构小品
03 特别收录
花絮
图片

DISC2：
01 第三组：介入心里语言的形式结构小品
02 特别收录
花絮
图片

《单人舞编导小品集锦》中单人舞形式结构小品，指的是小品在动作形式结构上具有完整性，即动作形式的合理编织与构建。主讲教师：张守和教授。助讲教师：李玲琰。

舞蹈编导与教学方法：跨越流派与风格的实践探索 图书名称： 现代舞剧作与空间结构：从概念生成到舞台呈现 作者： 艺术实践研究小组 出版社： 环球艺术文库 ISBN： 978-1234567890 --- 图书简介： 本册《现代舞剧作与空间结构：从概念生成到舞台呈现》并非对某一特定流派（如北京舞蹈学院的古典美学或特定剧目集锦）的技法进行系统梳理，而是致力于探索当代舞蹈语汇在剧本构建、空间布局与非线性叙事方面的创新实践与理论前沿。本书旨在为编导、舞者及舞台设计人员提供一套全新的、跨越地域和风格限制的创作工具箱，重点聚焦于如何将抽象的哲学思考、当代社会议题转化为具有鲜明个人印记的舞台作品。 第一部分：概念的深度挖掘与非线性叙事建构 本部分彻底摒弃了传统叙事舞蹈中对线性情节的依赖，转而深入探讨如何通过意象集群和情绪场域来搭建作品的骨架。 第一章：从“主题”到“潜文本”的转化 探讨如何从哲学文本、当代艺术批评甚至科学概念中提取核心驱动力，而非直接服务于既定的文学故事。重点研究“潜文本”的构建——即观众在观看过程中自发产生的、超越编导预设的意义层级。详细分析了如何运用符号学的视角来解构和重构身体语言，使动作本身成为承载多义性的载体。书中穿插了对多位国际先锋编舞家（如皮娜·鲍什的“情境剧场”模式、默斯·坎宁汉的“机会操作”）在概念生成阶段的案例剖析，强调“生成性”（Generative）创作流程的重要性。 第二章：时空破碎与多维并置的舞台结构 本章着重解决叙事断裂问题。我们研究了“非线性结构”在舞蹈剧作中的应用，包括循环结构、蒙太奇剪辑手法在舞台上的视觉对应。详细阐述了如何通过“情景切换”（Scene Shifting）而非“场景转换”来引导观众的感知，实现多条时间线索或多重主题的并行展示。例如，如何利用慢动作/快动作的对比、声音的突变来人为制造“时间褶皱”，迫使观众主动参与到意义的拼凑过程中。 第二部分：空间语言的重塑与环境交互设计 本书将空间视为与舞者同等重要的“角色”，侧重于编导如何精确地调动舞台的立体维度、深度和边缘地带。 第三章：舞台几何学与身体的动态拓扑 不同于仅关注舞台中央的聚焦，本章深入探讨了舞台边缘、垂直空间（升降与悬挂）以及地面作为潜意识的延伸。通过分析舞台的几何分割对群体关系的影响，我们提出了“动态拓扑”的概念——即空间结构是随着舞蹈动作的能量场而不断变形重组的。书中提供了大量的图示和模型分析，展示了如何利用“负空间”（Negative Space）来放大或消解特定动作的情感重量。 第四章：人机界面与环境叙事的整合 这一部分聚焦于当代技术对空间叙事的介入。它不局限于传统灯光或布景，而是探讨互动投影、可编程环境（Responsive Environment）如何成为编导的延伸肢体。详细分析了如何设计一个能够根据舞者生物反馈（如心率、移动速度）而即时改变的视觉环境，从而使“环境”成为一种主动的对话者而非被动的背景。案例研究集中于探索“数字幽灵”——虚拟影像与实体舞者间的张力关系。 第三部分：身体的极限与非传统训练体系的编导应用 本书的第三部分着眼于动作的“发生”而非“完成”，探讨如何构建一套超越传统舞蹈语汇的身体训练和动作发展方法论。 第五章：触觉、重量与流体动力学在即兴中的应用 本书强调身体的“物质性”，即重量、惯性、摩擦力和空气动力学对动作的影响。我们借鉴了皮拉提斯（Pilates）的深层稳定理论和林肯中心实验（Laban Effort）的动态分析，但将其应用于即兴创作和动作生成。重点阐述了如何通过引导舞者感受“重量转移的瞬间失衡”来激发新的、非预设的动作序列，并提供了一系列旨在打破肌肉记忆的“感官剥夺”式训练练习。 第六章：跨学科的身体合作与共创模式 本章探讨编导如何与非舞蹈领域的专家（如生物力学家、心理治疗师、声音景观设计师）进行高效的共创。书中详细介绍了“反向工程”的合作流程：先由合作方提供其领域的结构或规则，再由编导团队将其转化为可供身体探索的限制条件或可能性。例如，如何将物理学中的“熵增定律”转化为一套关于舞蹈群体瓦解的即兴规则。 结语：在不确定性中寻找确定性 本书的最终目标是鼓励编导放弃对“完美成品”的执念，转而拥抱创作过程中的不确定性与偶然性。它提供的是一种思维框架，而不是一套既定的步骤或技巧集合。通过对现代舞剧作的深度剖析与对空间、时间、身体界限的重新定义，本书旨在培养出能够以批判性眼光审视现有舞蹈语汇、并勇于构建全新舞台世界的艺术实践者。 目标读者： 现代舞、当代舞、行为艺术领域的编导、导演、舞台设计师、舞蹈专业高年级学生及研究生。 --- 本书特色： 理论前沿性： 深度结合后结构主义美学与当代科技哲学，解析前沿跨学科创作模式。 实践指导性： 包含大量原创的“动作生成工具”和“空间模型构建”练习。 流派超越性： 批判性地吸收了世界范围内多种现代与后现代舞蹈思潮的精髓，不局限于任何单一技巧体系。 视觉丰富性： 采用大量的舞台布局图、动作动力学草图和概念生成流程图进行辅助说明。

评分☆☆☆☆☆

最后，这套汇集了《北京舞蹈学院编导系》精髓的教程，我最大的期待是它能提供一种“身份认同”和“行业对话”的语境。对于我们这些在非院校体系中摸索的创作者来说，了解顶尖学府的教学脉络，无疑能帮助我们定位自己在整个舞蹈生态中的位置。我希望能从中窥见他们对于“当代性”的理解。在今天的语境下，编导的“技法”如何回应社会思潮、技术发展（比如影像介入）以及文化多元性的挑战？例如，当身体成为一种跨文化交流的载体时，哪些基于特定文化背景的动作语言需要被谨慎地“去语境化”或“重新语境化”？我期待的不仅仅是具体的动作和理论，而是一种看待舞蹈创作的“世界观”。这本书是否能提供一个思考框架，引导我去质疑那些看似理所当然的编舞习惯？如果它能让我跳脱出自己固有的思维定势，用一种更广阔、更具批判性的眼光去审视我自己的作品，那么，这套教程的价值就已经超越了一本简单的技术指南，而成为了一位良师益友的指引。

评分☆☆☆☆☆

哎呀，收到这本《单人舞编导小品集锦DVD教材》时，我真是又兴奋又有点小小的失落。兴奋的是，光看书名就知道这绝对是干货满满，对于我们这些想在独舞编排上有所突破的人来说，简直就是及时雨。我一直觉得，单人舞的魅力就在于那个舞者与自我精神世界的深度对话，但如何将这种内在的思绪通过肢体语言清晰、有力地传达出来，真的是个技术活。我本来特别期待里面能有针对不同情绪主题，比如“孤独的呐喊”、“内在的挣扎”、“瞬间的狂喜”这些极具画面感的概念，能拆解出具体的动作库和过渡技巧。比如，我很想知道，当编导想要表达“时间停滞”那一刻的眩晕感时，会倾向于使用哪一类重心转移的模式，或者如何通过手臂线条的延展和收紧来制造这种空间压缩感。再比如，在处理情感的“爆发点”时，是更推荐采用快速的、碎片化的动作序列，还是选择一个极慢的、充满张力的定格动作来承载全部能量？书的装帧和DVD的清晰度看起来都很专业，希望它不仅仅是罗列了一堆动作，而是真的能深入到“为什么是这个动作，而不是另一个”的编创逻辑里去。我希望看到的不是一个简单的动作字典，而是一本带着编导者思维导图的实战手册，能让我学会如何从一个抽象的意念，一步步剥茧抽丝地雕琢出一个完整且动人的单人叙事。

评分☆☆☆☆☆

当我看到教材的整体结构时，我忍不住在想，这套《单人舞编导小品集锦DVD教材》在面对“技术难度”的平衡上是如何处理的？毕竟，编导工作不仅是艺术构思，更是一门“可行性”的学科。一个绝妙的想法，如果脱离了舞者目前的身体条件或排练时间限制，就只能停留在脑海中。我非常好奇，它是否提供了一个“从易到难”的进阶路径，而不是一上来就抛出一些只有专业舞团才能完成的超高难度动作组合。我更倾向于学习那些“少即是多”的哲学，即如何用最精简、最克制的动作，来表达最丰富、最深邃的情感。比如，一个简单的转身，如何通过不同的眼神处理、颈部的细微晃动，就能从“困惑”转变为“释然”？这种对细节的极致打磨，往往才是区分业余和专业的试金石。我真切地期望，这套教材能在“美学追求”和“实际操作”之间找到一个黄金分割点，让那些在有限资源下努力创作的编导者们，也能从中找到属于自己的、可以立刻应用到排练场上的启发和方法论，而不是只能对着DVD遥想。

评分☆☆☆☆☆

关于《舞蹈音乐基础理论及其应用》这部分的内容，我其实是抱着最复杂的心情去期待的。通常，编导学的教材侧重在视觉和动作的构建上，而音乐理论往往被简化成“数拍子”、“找重音”的程度，对于我们这种“感觉派”的创作者来说，简直是灾难。我的音乐感一直是个硬伤，我能感受到音乐的情绪，却无法准确地用肢体去“对位”或“反衬”音乐的复杂结构。我非常希望这套教材能提供一套非常直观的、视觉化的音乐解析方法。比如，如果一段音乐的层次非常丰富，包含了主旋律、对位声部和持续的低音背景，编导应该如何将这三层音乐信息，分别分配给舞者的不同身体部位去诠释？是让躯干去承载厚重的低音，手臂去描摹流淌的主旋律，而脚下的移动来呼应节奏的脉冲？更进一步说，关于“非传统音乐”或“噪音”的编排应用，它是否有独到的见解？当我们不使用传统的旋律或节奏时，身体如何建立起新的、内在的听觉对应关系？如果它能用最朴素的语言，教会我如何不再惧怕音乐的复杂性，而是能主动地去“拆解”和“重构”声音的体验，那它对于我创作的价值将是无可估量的。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，当我翻开这本厚厚的《北京舞蹈学院编导系编舞技法系列教程》的其中一卷时，我心里是带着一丝“学院派”的敬畏和些许的“实用性”的怀疑的。我个人更倾向于那种野路子、灵感迸发的创作方式，总觉得太多理论会束缚住想象力的翅膀。所以，我尤其关注它在“理论”和“实践”之间架设桥梁的能力。这本书的结构似乎很严谨，从基础的动作逻辑到段落构建都有涉猎，但我更想知道的是，那些在舞台上真正打动人心的“灵光乍现”是如何被系统化、可复制地引导出来的？例如，对于“场景转换”的处理，书里会给出几种主流的、被证明有效的处理手法吗？是倾向于通过灯光和音乐的骤停来强行切割，还是依赖舞者身体在空间中完成一个流畅的、象征性的“穿越”动作来暗示场景的更迭？而且，对于初学者，如何区分“技巧的炫耀”和“技巧为表达服务”之间的微妙界限，这一点至关重要。我希望能看到一些深入剖析著名编导作品的案例分析，不仅仅是分析他们用了什么动作，更要解析他们在面对时间、空间和叙事重心的取舍时，所依据的美学原则是什么。毕竟，技法是骨架，灵魂才是血肉，我期待这套教程能帮我找到那副坚实的骨架，而不是僵硬的石膏像。