西方音乐1500年教材共两册 音乐史理论教程 乐理基础书籍附10CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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何萌 译

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• 西方音乐史
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• CD音轨
• 1500年音乐
• 音乐教程

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807518570

商品编码：29867328026

丛书名： 西方音乐1500年

开本：16开

出版时间：2011-12-01

• 版 次：1
• 页 数：全二册
• 字 数：
• 印刷时间：2011-12-1
• 开 本：大16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：盒装

 

目录 西方音乐史上的五个“年轮”
早期
1.中世纪
2.教会与音乐
3.世俗音乐
4.记谱法
5.乐器
6.进入文艺复兴时期
7.文艺复兴
8.文艺复兴时期的牧歌
9.欧洲分裂
10.欧洲统
引语出处

巴洛克时期 编辑推荐

10张高品质CD
175首西方音乐代表作品
带您聆听、感悟西方音乐发展史
大事记年青详细记录各时期在音乐、历史、艺术及建筑、文学方面的重要事件；术语表囊括西方音乐中具代表性的重要关键词及其释义，方便资料查询与使用。
25万字详尽阐释西方音乐发展历史：早期、马洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、二十世纪
一本附录囊括术语表与各时期的大事记年表（音乐、历史、艺术及建筑、文学）
10CD包含175首由各时期的重要作曲家所创作的富有代表性和独具特色的乐曲
赠送作曲家生卒年轴表

   

 

 

内容推荐

西方音乐历经了早期（包括中世纪、文艺复兴时期）、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、20世纪的重要发展，从“单调”的程式化逐步走向丰富多彩、颇具个性的“复调”式展示，为后人留下了宝贵的艺术财富。《西方音乐1500年（套装共2册）》共有25万字的文字叙述，配合所述内容同步提示CD赏析指南，使理性文字解读与感性音乐引导巧妙结合，让您从视觉和听觉上全面感受西方音乐，全方位领略西方音乐的历史发展脉络。

 

好的，这是一份针对您提供的书籍信息以外的其他音乐学习资源的书籍简介，力求详细、专业且自然流畅。 --- 音乐学习与鉴赏系列精选推荐 本系列精选旨在为不同阶段、不同兴趣层次的音乐学习者提供全面且深入的理论支持、实践指导和文化视野拓展。我们精选的这些读物，聚焦于音乐的创作实践、聆听技巧的提升、特定文化背景下的音乐现象，以及从宏观视角审视音乐发展脉络的独特路径，与传统的音乐史与乐理教材形成有效的互补。 一、 深度聚焦：20世纪至今的音乐思潮与实践 《二十世纪音乐的语法重构：从序列主义到极简主义的文本分析》 本书深入剖析了自德彪西晚期作品直至当代电子音乐兴起的关键转折点。它并非简单罗列作曲家，而是着重于分析特定时期内，作曲家如何挑战并重塑了传统的和声、节奏和复调概念。 核心内容板块： 1. 后调性体系的探寻： 详细解析了勋伯格、韦伯恩等在十二音体系构建中所依据的数学逻辑和哲学基础，对比了新瓦尔特主义在不同国家的发展路径。 2. 偶然性与不确定性： 对约翰·凯奇的“机遇音乐”理论进行了细致解读，不仅探讨了其在作曲技法上的应用（如对乐谱的开放性处理），更深入挖掘了其背后的禅宗思想影响。 3. 声音的拓扑学： 聚焦于具象音乐（Musique Concrète）与电子音乐的早期发展，分析了磁带技术如何从根本上改变了声音的采集、处理与结构化方式，为后来的声音设计奠定了基础。 4. 极简主义的回归与循环： 探讨了莱希、赖利等人在重复与微小变化中寻求沉浸式体验的哲学意图，以及这种风格如何反作用于后来的流行音乐结构。 本书的特点在于其高度的理论抽象性与严谨的乐谱分析相结合，是进阶学习者理解现代音乐“为何如此”的必备读物。 二、 演奏者与创作者的技艺精进指南 《键盘演奏的身体工程学与音乐表现力提升》 对于任何级别的键盘乐器学习者而言，技术与音乐性是双生关系。本书摒弃了晦涩的术语，以清晰的图解和案例，教授如何通过科学的身体运用来达成更流畅、更富情感深度的演奏。 内容侧重： 触键的物理学： 分析了手指、手腕、前臂和肩膀在不同力度和触感下的协同作用，特别针对巴赫赋格与浪漫主义炫技段落提出了针对性的姿态调整建议。 踏板的文学性运用： 不仅教授延音踏板的基本功能，更着重于半踏、止音踏板在特定作品（如德彪西的印象派作品）中如何创造空间感和色彩感。 克服演奏瓶颈的训练方案： 提供了针对性练习曲的选择和应用原则，强调效率而非盲目的重复。 内心听觉与指下实践的桥梁： 探讨如何将脑海中清晰的音乐想象转化为精确的物理动作，这是从“弹奏”到“演奏”的关键一步。 《配器法大师课：管弦乐队色彩的调配艺术》 本书是为有一定基础的作曲爱好者和指挥系学生准备的配器进阶指南。它超越了传统的乐器音域和性能描述，转而关注“声音的融合与分离”。 精要内容： 1. 弦乐组的“微观”处理： 深入探讨不同弓法（如Col Legno, Sul Ponticello）在不同把位上产生的独特音色，以及如何利用弱奏的组合来模仿人声。 2. 木管乐器的交错与穿透力： 分析双簧管、英国管以及单簧管、低音单簧管在交响织体中如何实现“无缝过渡”，避免生硬的组别划分。 3. 铜管的辉煌与限制： 讲解圆号如何作为“声音的胶水”连接高低声部，以及长号和低音号在制造宏大和声基础时的精确布局。 4. 打击乐的“情绪化”使用： 突破定音鼓和军鼓的传统角色，探索颤音琴、钢片琴等小型打击乐器如何用于烘托紧张感和营造异域色彩。 三、 跨文化视角下的音乐人类学与民族音乐学 《丝竹与弦音：东亚传统音乐的结构与哲学基础》 本书提供了一个宏大的框架，用以理解中国、日本、韩国等东亚国家传统音乐体系的内在逻辑，并将其与西方传统音乐的对位法进行对比。 关键研究领域： 五声体系的泛调性： 分析传统五声音阶在不同地域如何演化出独特的“八音”或“宫调”概念，以及其与自然哲学（如阴阳五行）的关联。 演奏中的“留白”艺术： 探讨东亚音乐中“空”或“间”的概念如何被视为音乐结构的一部分，而非单纯的停顿。这对于理解中国古琴音乐的韵味至关重要。 器乐的拟人化： 分析如古筝、琵琶等乐器在演奏中如何模仿自然声响或人类情感的表达方式，以及其在文人雅集中的仪式性功能。 口传与记谱的张力： 比较传统工尺谱、简谱与五线谱在记录音乐“活态”方面的优劣。 四、 音乐聆听的深度进阶 《如何聆听交响乐：结构、动机与叙事线索的追踪》 对于许多听众而言，交响乐可能显得冗长而难以把握。本书旨在将听众从被动的接受者转变为主动的聆听者。 提升聆听技巧的模块： 1. 动机的“侦查”： 教导听众如何快速识别核心音乐主题（Motif），并追踪其在不同声部间的变形、碎片化和重新组合。 2. 曲式的“导航”： 运用简化的图表，帮助听众在复杂的奏鸣曲式、回旋曲式或自由曲式中，定位到呈示部、发展部和再现部的关键节点。 3. 乐章间的对话： 分析不同乐章之间（例如快板第一乐章与慢板第二乐章）的情绪张力与逻辑承接关系。 4. 指挥家的角色解读： 通过对特定录音的分析，展示同一部作品在不同指挥家处理下的速度、力度和重音差异如何彻底改变作品的性格。 --- 这些书籍共同构成了一个多维度的学习系统，它注重理论的深度、实践的精细化，以及文化背景的理解，为求知者提供了超越基础教科书的广阔视野。

评分☆☆☆☆☆

从教材设计和编排的角度来看，这本书的结构无疑是清晰的，每一章都有明确的教学目标和知识点划分，这对于课堂教学来说是极大的便利。然而，作为自主学习者，我发现其连贯性和叙事性有待加强。历史的演进不应该是孤立的片段，而是一条河流。当我读完文艺复兴的对位法，再跳到浪漫主义的主题发展时，中间那条连接音乐审美和技术变革的“红线”有时显得模糊不清。例如，对于“什么是‘进步’？”这个问题，书中给出的解答更多是技术层面的积累，而非审美观念的迭代。此外，教材中对于非德奥中心主义的探讨似乎有所欠缺，虽然西方音乐史的主体自然是欧洲，但面对全球化的今天，对其他文化影响或被影响的简要提及，能让这部“西方音乐史”的视野更加开阔和立体，现在的版本给我的感觉还是有点“关起门来”的意味。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的“百科全书”倾向十分明显，它试图涵盖的领域太广，导致在每一个细分领域都显得有些力不从心，或者说，缺乏独到的洞察。比如，在探讨20世纪的现代主义浪潮时，我希望能看到作者对序列主义、偶然音乐等流派之间微妙差异的精妙剖析，或者能更深入地挖掘这些流派背后的哲学基础。然而，书中给出的解释相对比较公式化，更像是一种对各种“主义”的名词解释集合，而不是一种思想的碰撞和论证。我总感觉，如果能把篇幅集中于其中两三个关键转折点进行深度挖掘，效果可能会比这种大而全的叙事要好得多。这种广度上的追求，牺牲了深度上的锐度。我更倾向于一本敢于提出鲜明观点、带着作者个人深刻理解的书籍，而不是一本力求面面俱到的“标准答案”手册。阅读过程中，我时常需要在脑中补全“所以呢？”这个问号，因为书本似乎只完成了陈述任务，而忽略了引导读者进行批判性思考的环节。

评分☆☆☆☆☆

我手里这套书，给我的直观感受是内容扎实，但阅读体验有些“硬核”。它更像是一本为音乐专业学生准备的案头参考资料，而不是一本面向广大爱好者、试图用生动笔触描绘音乐画卷的通俗读物。尤其是乐理基础部分，内容密度非常高，对于我这种半路出家、和声学基础不算特别牢固的人来说，理解起来颇有压力。很多概念的阐述是直接给出的定义和规则，缺乏必要的情境化解释。例如，当讲到调性体系的瓦解时，我期待能看到更多关于当时社会思潮如何影响作曲家打破传统束缚的探讨，但书里更侧重于技术层面的分析，这让音乐史的演进似乎脱离了其诞生的土壤。另外，配套的CD资源，我尝试听了几段，虽然提供了范例，但有时范例的选择似乎过于偏向那些学术上公认的“重要”作品，而忽略了一些能更直观展示某种风格特点的“金曲”，这在一定程度上降低了非专业读者深入探索的兴趣。总的来说，它是一把瑞士军刀，功能齐全，但用起来需要一定的专业技巧和耐心去磨合。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这套书的纸质和装帧设计，尤其是对于一个需要频繁翻阅和做笔记的工具书而言，并不算特别友好。纸张略薄，在标记和勾画重点时，墨水容易洇到背面，影响阅读体验。更重要的是，作为一套包含理论和乐理的书籍，插图和谱例的清晰度至关重要。虽然配有大量的乐谱片段，但有些复杂的和声进行图示或曲式结构图，在缩小印刷后，细节辨识度偏低，我需要借助放大镜才能看清那些细小的连线或标记，这在快速学习时无疑是效率的杀手。理论知识本身我已经花了时间去理解，不希望在物理媒介上再遭遇额外的障碍。一本好的工具书，其载体本身也应该是为知识服务的，而不是成为知识吸收过程中的绊脚石。整体来看，它更像是努力想成为一本“大部头”，但在细节处理上，尤其是作为一本实用性极强的教材时，显得不够精雕细琢。

评分☆☆☆☆☆

这套书，说实话，我抱着挺大的期待入手的，毕竟是“西方音乐1500年”这么宏大的主题，还配了教材、理论教程和乐理基础，想着这一套能帮我系统地梳理清楚从文艺复兴到近现代的脉络。但实际阅读下来，感受颇为复杂。首先，它的时间跨度确实惊人，试图在一个有限的篇幅内涵盖五百年的风云变幻，这本身就是一个巨大的挑战。然而，在处理具体的时期划分和风格演变时，我总觉得有些地方像是走马观花。比如，巴洛克时期的细节铺陈，在涉及具体作曲家及其创新点时，虽然有所提及，但深度上总感觉差了一层，没有真正让我体会到那种“范式转移”的震撼。更让我感到困惑的是，理论与史实的结合点处理得略显生硬。教材部分讲到曲式结构，理论部分又跳到和声进行，中间似乎少了一个润滑剂，读者需要自己在大脑里搭建起音乐史的河流与音乐理论这座堤坝之间的联系。初学者可能会被这种并列式的结构搞得有点晕头转向，期待的是一个能引人入胜的故事，而不是一堆井井有条但略显孤立的知识点堆砌。希望后续的阅读能给我带来更多的豁然开朗，目前为止，感觉更像是在搭建一个骨架，血肉还需自己去填充。