正版小提琴经典名曲欣赏伴奏系列1 初级入门教程 6CD伴奏曲集教材与小泽征尔共度的午后音乐时光 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 南海出版公司

ISBN：9787544270366

商品编码：29867313707

丛书名： 与小泽征尔共度的午后音乐时光

出版时间：2014-05-01

演奏碟
片
01 引子与塔兰泰拉舞曲op.43
02 歌之翼
03 匈牙利舞曲第五号
04 美丽的罗斯玛琳
05 旋律
06 A大调波兰舞曲op.21
07 爱的欢乐
08 玛拉圭亚舞曲op.21
09 G大调加沃特舞曲
10 圣母颂
11 回忆曲
12 传奇 op.17
第二片
01 沉思
02 查尔达斯舞曲
03 安达露萨浪漫曲op.22
04 维也纳随想曲op.2
05 卡门华丽幻想曲
06 加沃特舞曲
07 第六变奏曲
08 辉煌的快板
09 西班牙小夜曲
10 小变奏曲
第三片
01 卡门主题幻想曲op.25
02 雷格泰姆
03 主题与变奏曲op.15
04 幽默曲op.87 No.1
05 G大调小步舞曲
06 g小调加沃特舞曲
07 云雀
08 挪威舞曲
09 金婚曲

伴奏碟
片
01 引子与塔兰泰拉舞曲op.43
02 歌之翼
03 匈牙利舞曲第五号
04 美丽的罗斯玛琳
05 旋律
06 A大调波兰舞曲op.21
07 爱的欢乐
08 玛拉圭亚舞曲op.21
09 G大调加沃特舞曲
10 圣母颂
11 回忆曲
12 传奇 op.17
第二片
01 沉思
02 查尔达斯舞曲
03 安达露萨浪漫曲op.22
04 维也纳随想曲op.2
05 卡门华丽幻想曲
06 加沃特舞曲
07 第六变奏曲
08 辉煌的快板
09 西班牙小夜曲
10 小变奏曲
第三片
01 卡门主题幻想曲op.25
02 雷格泰姆
03 主题与变奏曲op.15
04 幽默曲op.87 No.1
05 G大调小步舞曲
06 g小调加沃特舞曲
07 云雀
08 挪威舞曲
09 金婚曲

《小提琴经典名曲欣赏伴奏系列》小提琴（violin）是一种超擦奏管弦得鸣提乐器。它广泛流传于世界各国，是现代管弦乐队弦乐组中主要的乐器。它在器乐中占有极重要的位置，是现代交响乐队的支柱，也是具有高难度演奏技巧的独奏乐器。现代小提琴的出现已有300多年的历史，其制作本身是一门极小提琴为精致的工艺技术。小提琴音色优美，接近人声，音域宽广，表现力强，从它诞生那天起，就一直在乐器中占有显著的地位，为人们所宠爱。如果说钢琴是“乐器之王”，那么小提琴就是乐器的“王后”了。几个世纪以来，世界各国的作曲家写作了大量的小提琴经典作品，小提琴演奏家在这种乐器上发展了精湛的演奏艺术。小提琴既可以合奏，又可以进行独奏。

小提琴是一种四条弦的弓弦乐器，是提琴家族中的主要和高音成员（该族系中的其它成员是：中提琴，大提琴和低音提琴）。现代小提琴起源于意大利的克瑞莫纳，在1600-1750年间成为大的小提琴制作中心。的有：NicolaAmati（尼古拉·阿马蒂），AntonioStradivari（安东尼奥·斯特拉底瓦里），及GiuseppeGuarneri（吉塞浦·瓜奈里）；他们制造的乐器至今都是无价之宝。小提琴的五度定弦为：g，d1，a1，e2，音域超过3个半组，是所有管弦乐团必不可少的正规乐器，也是乐器之后。

《音乐之旅：古典与现代的交汇点》 本书旨在带领读者踏上一段跨越时空的音乐旅程，深入探索古典音乐的深邃内涵与现代音乐的无限可能。我们聚焦于那些在历史长河中留下深刻印记的作曲家及其作品，同时也关注当代音乐人在不同领域进行的创新与实践。全书结构清晰，内容涵盖音乐理论的严谨分析、不同时期音乐风格的演变，以及音乐在当代社会中的多元化呈现。 第一部：古典的殿堂——从巴洛克到浪漫主义的辉煌 本部分将从巴洛克时期（1600-1750年）的宏大叙事开始。我们将深入剖析巴赫、亨德尔等巨匠的作品结构与和声语言。重点探讨赋格曲、协奏曲以及清唱剧的艺术特征。例如，巴赫的《平均律钢琴曲集》如何奠定了西方音乐的十二平均律基础，以及亨德尔的清唱剧《弥赛亚》在宗教音乐史上的地位。我们不只是罗列作品，更会探讨这些音乐如何反映了当时欧洲的社会思潮与宗教信仰。 随后，我们将步入古典主义时期（1750-1820年）。海顿、莫扎特和贝多芬是这一时期的核心。我们将详细分析奏鸣曲式、交响曲和弦乐四重奏的规范化发展。莫扎特的歌剧如《费加罗的婚礼》如何在幽默中揭示社会矛盾，而贝多芬的九部交响曲则标志着音乐如何从宫廷走向个人情感的表达。我们将通过对乐谱细节的细致解读，展现海顿“交响曲之父”的贡献，以及贝多芬后期作品中蕴含的革命性精神。 浪漫主义时期（1820-1910年）是个人情感喷薄而出的时代。肖邦的钢琴独奏曲、舒曼的艺术歌曲、李斯特的炫技作品，以及瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，都将作为重点讨论对象。我们不仅关注其旋律的优美和情感的浓烈，更探讨了民族主义在音乐中的体现，例如德彪西对印象主义的探索，以及马勒宏大交响曲中对存在主义的叩问。 第二部：二十世纪的变革——现代音乐的探索与突破 二十世纪是音乐史上最动荡、最具创造力的时期之一。本部分将聚焦于对传统调性体系的颠覆与重建。德彪西和拉威尔的印象派音乐，如何通过音色和模糊的和声，描绘光影与氛围。 接下来，我们将进入无调性音乐的世界。勋伯格创立的十二音体系（Dodecaphony）是音乐史上一次重大的哲学转向，我们将在技术层面分析其严密的矩阵结构，并探讨其对听觉体验的挑战。斯特拉文斯基的《春之祭》首演引发的骚动，将作为现代节奏与原始力量碰撞的经典案例进行分析。 同时，我们也关注那些在传统框架内寻求创新的作曲家，如肖斯塔科维奇，他如何在极权主义的压力下，用音乐进行隐晦的社会批判。 第三部：电子与实验——当代音乐的疆界拓展 步入后半叶，音乐的载体和表现形式发生了根本性的变化。本章将探讨电子音乐的兴起。从早期的磁带音乐、声音景观（Musique concrète）到合成器的普及，探讨技术如何成为作曲家的新工具。布列兹、卡格尔等人的实验音乐，挑战了音乐的定义本身，探讨了机会性（Indeterminacy）在音乐创作中的角色。 我们还将讨论极简主义（Minimalism）的复兴。赖希、菲利普·格拉斯等人的音乐，通过重复和微妙的相位变化，引导听众进入冥想式的听觉状态，这与早期的冗长叙事形成了鲜明对比。 第四部：音乐的文化语境——跨界与传播 音乐从来不是孤立存在的艺术，它深深植根于文化土壤之中。本部分将讨论音乐在不同文化间的交流与融合。我们将考察二十世纪中叶以来，世界音乐（World Music）对西方古典音乐的影响，以及爵士乐、布鲁斯等非裔美国人音乐传统如何反哺了古典作曲家的创作。 此外，本书还将专门辟出章节，探讨音乐欣赏的现代途径。如何利用新技术手段进行深度学习，如何培养批判性的听觉习惯，以及音乐在电影、戏剧、甚至现代舞蹈中的不可替代的作用。 结语：未来的和弦 最后的总结将展望音乐的未来走向。随着人工智能和算法作曲的兴起，人类创作的本质将被重新审视。我们鼓励读者不仅要做知识的接受者，更要做积极的探索者，在历史的基石上，去聆听和发现属于我们这个时代的声音。本书旨在提供一个全面而深刻的视角，让读者能够以更丰富的知识结构和更敏锐的感官，去体验音乐这一最抽象却又最具力量的艺术形式。全书配有大量乐理图示、历史图片和关键作品的结构分析，确保内容既具有学术深度，又便于自学和深入研究。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于《世界经典圆舞曲精选与演奏技巧提升》。这本书的定位非常明确，就是针对那些喜欢在社交场合或小型聚会中演奏轻快乐曲的学习者。它的曲目选择非常贴合实际需求，从维也纳的施特劳斯家族到东欧的民间舞曲，种类丰富，但难度控制得恰到好处。我特别欣赏它对“节奏感和律动”的强调。圆舞曲最难的就是那种恰到好处的“摇摆感”，这本书专门用一整章的篇幅，通过不同的节拍标记和呼吸提示，来指导演奏者如何把握三拍子的轻重缓急。它不像那些严肃的教材那样拘泥于每一个细节的指法，而是更注重整体的氛围营造。我已经用里面的曲目成功“惊艳”了几次朋友的下午茶聚会，那种音乐带来的即时互动和愉悦感，是学习艰深技巧之外的另一种巨大收获。这本书，是通往音乐社交圈的敲门砖。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我被《解析浪漫主义：从李斯特到拉赫玛尼诺夫的情感表达》的封面设计深深吸引了，但真正让我爱不释手的是它对演奏情感的挖掘深度。市面上很多钢琴教材都侧重于指法和节奏的精准度，但这本书的重点完全放在了“如何表达”上。它不仅仅告诉你音符该怎么按，更重要的是告诉你“为什么”要那样按。书里详细分析了作曲家在创作时的心境，比如在讲解拉赫玛尼诺夫第二钢琴协奏曲的慢板乐章时，作者引用了当时作曲家在疗养院的日记片段，那种深沉的忧郁和对生命的热爱，通过文字直观地传递给了读者。我尝试着按照书中的建议去处理那些大型的琶音和歌唱性的旋律，感觉自己的演奏瞬间有了灵魂，不再是机械的重复。对于那些希望从“技术流”迈向“艺术流”的进阶学习者来说，这本书绝对是不可多得的指路明灯，它教会我们，真正的音乐是心与心之间的对话。

评分☆☆☆☆☆

不得不提《探索中国钢琴作品的文化意蕴》。这本书的出版对于我们这一代学习西方乐器，却渴望根植于本土文化的演奏者来说，意义非凡。它没有简单地罗列中国风格的钢琴曲，而是深入挖掘了从贺绿汀到陈培 अंगों等一代代作曲家，是如何将民族的五声音阶、戏曲的腔调和意境融入到钢琴这种西方体裁中的。书中对一些标志性作品的分析，比如对《彩云追月》的意境还原，让我明白了“中国味”是如何在和声进行和旋律线条中体现出来的。更重要的是，它提供了一种看待音乐的新视角——音乐语言的跨文化转换。阅读这本书，不仅是学习演奏技巧，更是一次深入的文化之旅。它激发了我创作的欲望，让我思考如何用钢琴讲述我们自己的故事。这本书成功地弥合了我的文化身份与音乐实践之间的鸿沟。

评分☆☆☆☆☆

这本《指尖上的建筑学：赋格与奏鸣曲式结构探索》是我在整理旧书架时发现的一本“被低估的杰作”。说实话，一开始我对这种偏向理论和结构的探讨类书籍是有些抗拒的，总觉得太“硬核”了。然而，这本书的独特之处在于，它用一种近乎于“侦探小说”的叙事方式，把复杂的复调结构解构得清晰明了。作者仿佛是一位建筑大师，带着我们一步步拆解巴赫赋格的每一根柱子和拱顶，解释了主题如何变形、模仿和交织，最终构建起宏伟的音乐殿堂。最棒的是，书中提供了大量具体的乐谱节选，并配有图示化的线条分析，让你能一眼看出声部之间的“追逐游戏”。通过这本书，我终于明白了为什么有些音乐听起来如此严谨而又充满逻辑美感。它极大地提升了我对古典音乐作品的分析能力，现在听任何复调作品，我都能下意识地跟上各个声部的线条，这种智力上的满足感是其他娱乐活动无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这套《交响诗篇：从巴赫到肖邦的钢琴之旅》简直是为我这种业余爱好者量身打造的宝藏！首先，它的曲目编排简直是教科书级别的，从巴洛克的严谨到浪漫主义的奔放，过渡得天衣无缝。我以前总觉得古典音乐的学习过程枯燥乏味，但这本书的讲解方式非常生活化，作者似乎坐在我身边，用最亲切的语言剖析了每一首曲子的历史背景和技术难点。特别是对和声的解释部分，完全没有那种高高在上的理论腔调，而是用了很多生动的比喻，让我一下子就抓住了核心。我记得有一段讲到德彪西的色彩和声时，作者把它比作“午后阳光透过彩色玻璃洒在地板上的光影”，瞬间醍醐灌顶。而且，附带的音频资源也极其丰富，不仅有示范演奏，还有不同速度和力度下的练习版本，我光是跟着那些慢速版本练习就感觉自己的触键清晰度提高了一大截。这本书真的让我对钢琴产生了新的热情，不再是单纯的“弹奏”，而是真正开始“理解”音乐的语言了。