正版嗓音遗训:世界声乐史上历代大师教学经验荟萃 上海音乐出版社 声乐教程教材书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 声乐
• 教学
• 教材
• 声乐教学
• 大师经验
• 声乐技巧
• 上海音乐出版社
• 嗓音训练
• 音乐教育
• 声乐教程

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806676844

商品编码：29867315584

丛书名： 嗓音遗训世界声乐史上历代大师教学经验荟萃

开本：32开

出版时间：2005-04-01

 

 

乐海拾贝：西方古典音乐史纲与声乐艺术漫谈 本书导言 本书旨在为对西方古典音乐发展脉络、声乐艺术历史变迁以及主要音乐流派有浓厚兴趣的读者，提供一部全面而深入的导览。我们不侧重于特定时期的教学技法总结，而是将目光投向更宏大的历史背景、音乐思潮的演变，以及那些塑造了西方音乐面貌的关键人物与作品。本书力求以清晰的叙事结构、详实的史料考证和富于启发性的分析，带领读者领略西方古典音乐的恢宏气象。 第一部分：中世纪的曙光与格里高利圣咏的奠基 西方音乐的历史，可以追溯到遥远的中世纪。本部分将首先探讨古典音乐的摇篮——教会音乐。我们将详细剖析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的起源、特点及其在早期音乐统一过程中的核心作用。内容将聚焦于圣咏的单音性、自由的节奏结构，以及它如何为后世复调音乐的诞生提供了精神与实践的基础。我们会分析早期的记谱法（纽姆谱）的演变，及其对后世乐谱传承的深远影响。 随后，我们将进入早期复调音乐的探索。重点讨论巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的意义，特别是莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在奥尔加农（Organum）发展中的贡献。这些早期的对位尝试，标志着西方音乐正式告别纯粹的单音时代，步入多声部的复杂结构之中。 第二部分：文艺复兴的复苏与人文主义的声乐光辉 文艺复兴时期是人类精神觉醒的时代，这一思潮深刻地影响了音乐的创作与审美。本部分将着重考察“纯净之声”的理想如何在合唱音乐中得到体现。 我们将深入研究弗兰德斯乐派（Franco-Flemish School）的几代大师，如杜菲（Dufay）、雅各布·奥布雷赫特（Obrecht）和若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）。他们的复调技艺达到了炉火纯青的地步，特别是对位法的精妙运用和文本与音乐的完美结合。我们将分析弥撒曲与经文歌在这一时期的形式演变，以及“模仿复调”如何成为这一时期最重要的技术特征。 此外，牧歌（Madrigal）作为世俗音乐的代表，其在意大利和英格兰的蓬勃发展是本部分不可或缺的一环。牧歌如何通过“文字表情”（Word Painting）来直接描绘歌词内容，体现了文艺复兴时期人文主义对情感表达的重视。 第三部分：巴洛克：激情、对比与歌剧的诞生 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上最具活力和戏剧性的阶段之一。本部分将以“情感的表达”和“戏剧的张力”为核心进行阐述。 首先，我们将追溯歌剧的起源，聚焦于佛罗伦萨卡梅拉塔（Florentine Camerata）的思想及其对“新音乐”的追求——即回归古希腊戏剧的理想，发展出宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）。我们会详细分析蒙特威尔第（Monteverdi）在早期歌剧，如《奥尔费奥》中的创新。 接着，我们将探讨巴洛克时期主要的器乐与声乐体裁：清唱剧（Oratorio）、康塔塔（Cantata）和受难曲（Passion）。我们会辨析这些体裁在宗教与世俗场合中的区别与联系。 巴赫（J.S. Bach）与亨德尔（G.F. Handel）作为巴洛克晚期的双子星，是本部分的重中之重。我们将分析巴赫对对位法的集大成，尤其体现在其复杂的赋格曲（Fugue）结构和声乐套曲中；同时，探讨亨德尔如何将意大利歌剧的宏大叙事技巧成功地移植到英语清唱剧领域，特别是《弥赛亚》的创作背景与影响。 第四部分：古典主义：清晰、平衡与奏鸣曲的理性 古典主义时期强调清晰的结构、平衡的比例和清晰可辨的旋律线条，是对巴洛克晚期繁复装饰的一种理性回归。 本部分将详细介绍奏鸣曲式（Sonata Form）的结构及其在协奏曲、交响曲乃至器乐独奏曲中的核心地位。我们将探讨交响曲如何从早期的序曲（Overture）形态发展成为具有四个乐章的宏大体裁。 在声乐领域，歌剧的发展转向了“改革歌剧”。格鲁克（Gluck）试图摆脱巴洛克晚期歌剧的程式化，回归到戏剧的本质。同时，我们将考察这一时期正歌剧（Opera Seria）和喜歌剧（Opera Buffa）的并存与相互渗透，分析莫扎特（Mozart）在《费加罗的婚礼》等作品中如何通过音乐语言的细微差别，塑造出复杂多维的人物形象。 第五部分：浪漫主义的狂飙：个人情感的无限释放 进入19世纪，随着欧洲社会剧烈变革，音乐的重心从对形式的恪守转向了对个体情感的深度挖掘和对民族精神的探索。 我们将首先关注艺术歌曲（Lied）的兴起。舒伯特（Schubert）、舒曼（Schumann）等作曲家如何将诗歌的意境与钢琴伴奏融为一体，创造出一种高度私密而又充满象征意味的音乐形式。 歌剧在浪漫主义时期达到了新的巅峰。从威尔第（Verdi）对意大利民族情感的深刻描绘，到瓦格纳（Wagner）构建的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及他所发展的“主导动机”（Leitmotif）系统，都标志着声乐戏剧表达的巨大飞跃。我们将分析这些流派对后世音乐产生的决定性影响。 第六部分：20世纪的多元探索与声乐的边界拓展 20世纪的音乐是分裂而多元的。面对工业化和两次世界大战带来的冲击，作曲家们开始以前所未有的方式解构既有的音乐语言。 本部分将概述重要的音乐思潮，如印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）和无调性（Atonality）的出现。我们将探讨这些新的技术手段如何影响了声乐的表现力，例如“自由无调性”和后来的“十二音体系”（Dodecaphony）。 此外，我们将考察民族乐派（如捷克、俄罗斯）如何在民族传统中汲取养分，以及斯特拉文斯基（Stravinsky）等作曲家对原始主义和新古典主义的探索。最后，本书将简要展望当代音乐中对传统声乐技巧的挑战与重构，以及电子音乐与声乐的结合等前沿领域，为读者开启更广阔的思考空间。 结语 本书的旅程，是一次穿越千年声乐艺术长廊的漫步。我们所探讨的，不仅是音符的排列组合，更是特定时代背景下，人类情感、哲学思辨与精湛技艺的交织体现。通过理解这些历史脉络与思想源流，读者将能更深刻地体会到每一位音乐巨匠留下的宝贵遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本所谓的“嗓音遗训”简直是声乐学习者的救星！我之前试过好几本教材，要么过于理论化，读起来晦涩难懂，要么就是实践性不强，学了半天不知道怎么应用到自己的嗓子上。但这本书完全不一样，它就像一位经验丰富的老教授，手把手地教你如何科学地管理和运用你的声音。里面的内容编排得非常有条理，从基础的呼吸控制到复杂的共鸣运用，每一个环节都讲解得深入浅出。特别是它对不同时期声乐风格的把握，非常精准，让我这个古典声乐爱好者如获至宝。这本书的语言风格非常亲切自然，没有那种高高在上的学术腔调，读起来非常舒服，让人感觉自己不是在啃教材，而是在听一位大师的私房课。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对这种“大师荟萃”的书有点持怀疑态度，总觉得会不会是东拼西凑、缺乏系统性。结果翻开后，我彻底改观了。这本书的编辑工作做得太出色了，它不是简单地罗列各个大师的观点，而是巧妙地将这些经验融合成一个完整的、可操作的教学体系。我特别欣赏它在处理“技术”与“艺术”关系上的平衡。它没有一味强调技巧的雕琢，而是更注重如何用技术去服务于情感的表达，这一点非常打动我。对于那些在技术瓶颈期感到迷茫的学习者来说，这本书绝对是一剂强心针，它提供的视角非常多元，总能给你带来新的启发，让你重新审视自己的训练方法。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的深度和广度让我感到震撼。它覆盖的年代和流派非常全面，但奇怪的是，读起来一点也不累赘。它成功地做到了“博采众长而不失主见”，在梳理历代大师经验的同时，也融入了现代科学的发声理念，使得整体的教学框架非常稳固且具有前瞻性。我个人认为，这本书不仅适合在校学生作为核心教材，对于已经毕业但仍在不断探索的歌唱者，也具有极高的参考价值。它提供了一个可以反复咀嚼、常读常新的知识宝库，每次翻阅都会有新的领悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超一本普通的教材，它更像是一本声乐学习者的“武功秘籍”。我特别喜欢它对“个性化”训练的强调。它没有提供一个“万能公式”，而是引导读者去探索自己嗓音的独特潜能，并结合历史智慧去优化自己的训练路径。书中关于气息支撑和发声位置的描述，细致到了令人发指的地步，每一个描述都精准地对应了我在练习中遇到的问题。读完一个章节，我立刻就能应用到练习中去，并且能明显感受到进步，这种即时反馈的效果，是其他教材很难提供的。

评分☆☆☆☆☆

作为一个多年声乐爱好者，我一直在寻找一本能够真正连接历史与现代实践的教材，这本《正版嗓音遗训》恰恰填补了这个空白。书中引用的许多历史文献和教学案例，都让人对声乐艺术的传承有了更深刻的理解。它的排版设计也很人性化，图文并茂，很多技术要点都有清晰的示意图辅助理解，这对于我们这些需要视觉辅助来掌握身体感觉的学习者来说，简直太友好了。我感觉自己不仅仅是在学习歌唱技巧，更是在参与一场跨越时空的艺术对话，感受前辈们呕心沥血的成果。强烈推荐给所有严肃对待自己歌唱事业的人。