正版梁山伯与祝英台小提琴协奏曲附钢琴伴奏谱何占豪陈刚小提琴谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787805532639

商品编码：29867173926

丛书名： 小提琴协奏曲梁山伯与祝英台

开本：8开

出版时间：2007-04-01

 

235mm   4mm   305mm   0.28Kg 手工测量，均有误差

产品信息

名	梁山伯与祝英台小提琴协奏曲/钢琴伴奏曲	定 价	20.00元
作 者	何占豪	难 度	初中级
开 本	8开	属 性	小提琴曲谱
页 数	50页	光 盘	无
谱 号	五线谱	出版社	上海音乐出版社
数 量	1本	出版日期	2012年1月第21次印刷

 

 

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编辑推荐

这是以我国人民家喻户晓的民间故事《梁山伯与祝英台》为题材，以越剧里的部分曲调为素材写成的一首单乐章标题协奏曲。全曲以梁山伯与祝英台的故事较有代表性的三段剧情——相爱、抗婚、化蝶为主要内容，分为三个部分。 第 I 部分——呈示部：乐曲开始，在轻柔的弦乐震音背景上传来秀丽的笛声，接着双簧管奏出优美的旋律，呈现出一幅风和日丽、春光明媚、鸟语花香的图画。 第二部分——展开部：沉重的大锣和大提琴、大管的音响预示出不祥的徵兆，铜管奏出了凶暴的封建势力主题，独奏小提琴先用散板奏出祝英台的不安和痛苦的心情，按着用强烈的切分和弦奏出反抗的主题。这个由副题变化而来的抗婚音调和由引子发展而来年封建势力主题交替出现，逐渐形成第 I 个矛盾冲突的高潮——强烈的抗婚场面。 第三部分——再现部：长笛和竖琴将音乐带入了仙境，加上弱音器的小提琴重新奏出爱情主题，表现了人民的愿意和想象——梁祝化成蝴蝶，翩翩起舞。

 

 

 

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好的，这是一份针对您提供的书名之外的图书内容所撰写的详细简介，旨在避免提及《正版梁山伯与祝英台小提琴协奏曲附钢琴伴奏谱何占豪陈刚小提琴谱》的任何信息，并力求自然流畅，符合专业书籍介绍的风格。 --- 《古今中外钢琴奏鸣曲精选与演奏技法探析》 导言：键盘艺术的宏伟史诗 本书《古今中外钢琴奏鸣曲精选与演奏技法探析》，是一部集学术研究、演奏实践指导与曲目赏析于一体的深度专业论著。它旨在为严肃的钢琴学习者、音乐院校师生以及所有对键盘艺术抱有深厚热情的音乐爱好者，提供一个系统、全面且富有洞察力的学习平台。钢琴奏鸣曲作为西方古典音乐史上最重要、最具表现力的体裁之一，其发展脉络清晰地勾勒出古典主义至浪漫主义乃至现代音乐的演进轨迹。本书将聚焦于这一宏大体裁的精髓，深入剖析不同历史时期作曲家的创作意图、结构布局及独特的演奏诠释之道。 第一编：巴洛克与古典主义先声——奏鸣曲的奠基 本篇将追溯钢琴奏鸣曲体裁的源头，探讨其如何从巴洛克时期的键盘组曲和奏鸣曲中汲取养分，最终在古典主义时期定型。 第一章：早期键盘作品对奏鸣曲的影响 深入分析多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的单乐章奏鸣曲，重点探讨其结构上的“拱桥式”布局，以及对快速技巧和节奏活力的独特运用。同时，简要回顾C.P.E.巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach）的“敏感风格”（Empfindsamer Stil）对早期奏鸣曲情感表达的启迪。 第二章：海顿——奏鸣曲之父的结构大师课 重点研习约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的成熟奏鸣曲，特别是那些已成为标准曲目的作品（如Hoboken XVI系列中的代表作）。解析海顿如何将奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）推向成熟，其对主题发展、对比手法的精妙处理，以及如何巧妙地在看似简洁的结构中蕴含幽默与智慧。本章将附带针对特定海顿奏鸣曲的指法标记与力度控制的演奏分析。 第三章：莫扎特——旋律的完美主义者 沃尔夫冈·阿玛德伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的奏鸣曲体现了古典美学的典范。本章将细致探讨莫扎特音乐中歌唱性旋律的构建、清晰的织体层次，以及如何在看似“轻盈”的表面下，隐藏着深刻的情感张力。我们将特别关注K.331（土耳其进行曲）和K.570等作品的结构对比与情感张力的控制。 第四章：贝多芬——结构与精神的巨人 贝多芬（Ludwig van Beethoven）的奏鸣曲是理解钢琴艺术的试金石。本篇将聚焦贝多芬早期（继承古典传统）、中期（英雄气概与个人精神的解放，如“热情”、“阿帕斯”奏鸣曲）以及晚期（深刻的内省与对传统结构的颠覆，如Op.109, 110, 111）三个阶段的演变。深入剖析其对奏鸣曲式的发展、变奏曲式在奏鸣曲中的创新应用，以及踏板运用在构建其宏大声场中的关键作用。 第二编：浪漫主义的澎湃与个人色彩 浪漫主义时期，奏鸣曲不再仅仅是结构形式的完美展示，而成为了作曲家表达个人情感、哲学思考和叙事愿景的载体。 第五章：舒伯特与肖邦——抒情与诗意的延伸 弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）的奏鸣曲往往篇幅宏大，充满了无尽的旋律灵感与忧郁的色彩。本章分析其多样的结构处理和对调性色彩的敏感把握。紧接着，探讨弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）的B小调奏鸣曲，重点研究其如何将钢琴独奏的特性发挥到极致，以及其对复调处理的独特浪漫主义诠释。 第六章：舒曼——“多面手”的内心独白 罗伯特·舒曼（Robert Schumann）的奏鸣曲（如A小调作品）往往带有强烈的自传色彩，融合了“弗洛雷斯坦”与“尤瑟比乌斯”两种人格的对话。本章侧重于其节奏的灵活性、和声的丰富性，以及如何通过标题或“场景描绘”来影响演奏者的情感投入。 第七章：李斯特的宏伟乐章 李斯特（Franz Liszt）的B小调奏鸣曲堪称浪漫主义的巅峰之作，其单乐章结构对听众的驾驭能力提出了极高要求。本章将详细拆解这部作品的“熔炉式”结构，分析主题的变形与再现，以及对演奏技巧的极限挑战。 第三编：民族主义与二十世纪的革新 随着民族主义思潮的兴起和对传统和声语言的突破，二十世纪的钢琴奏鸣曲展现出极大的多样性与实验性。 第八章：东欧的民族色彩 本章聚焦于斯拉夫地区作曲家对奏鸣曲体裁的贡献。例如，斯美塔那（Bedřich Smetana）对捷克民间音乐元素的融合，以及格里格（Edvard Grieg）对北欧田园风光的描绘。分析这些作品如何在外来体裁中注入本土的文化灵魂。 第九章：二十世纪的结构重塑与技法探索 进入现代，奏鸣曲的形式和内容都经历了深刻的变革。本章将考察德彪西（Claude Debussy）对印象主义和色彩的运用，如何通过模糊和声边界来重塑传统结构。同时，将引入如普罗科菲耶夫（Sergei Prokofiev）的奏鸣曲，分析其新古典主义的结构骨架与尖锐、对比鲜明的现代和声语言之间的张力。 第四编：演奏技法与诠释的深度实践 本篇是本书的实践核心，旨在提供具体的演奏指导，连接理论与舞台表现。 第十章：速度、力度与踏板的精确控制 深入探讨古典主义时期奏鸣曲中踏板使用的限制与准确性要求，对比浪漫主义时期对延音踏板的解放与滥用倾向。针对不同时期的作品，提出具体的“触键”要求，从古典的清晰颗粒感到浪漫的融化音色，进行系统化的练习建议。 第十一章：奏鸣曲的结构分析在诠释中的应用 强调理解奏鸣曲式（特别是展开部）的“冲突与解决”逻辑，是准确把握乐曲情绪走向的关键。通过对贝多芬Op.2, No.3和勃拉姆斯Op.1, No.1等范例的对比分析，阐释如何通过结构意识指导乐句的呼吸、高潮的预设和解决。 第十二章：录音与历史文献的参照 指导读者如何利用历史录音（如钢琴大师们的演绎）作为参考，辨别不同时代对同一作品的诠释差异，鼓励学习者在吸收前辈经验的基础上，形成自己独立、深入的演奏观点。 结语：永恒的对话 《古今中外钢琴奏鸣曲精选与演奏技法探析》不仅是一部教材，更是一份邀请函，邀请所有热爱钢琴艺术的人，走进键盘音乐的殿堂，通过对奏鸣曲这一经典形式的深入钻研，实现技艺的精进与精神世界的拓展。本书所涵盖的广阔历史视野与精微的演奏指导，将确保读者能够以最专业、最富于洞察力的方式，迎接每一次站在钢琴前的挑战与机遇。

评分☆☆☆☆☆

我一直很痴迷于中国民族音乐与西方古典形式完美结合的魅力，《梁祝》无疑是其中的巅峰之作。拿到这本乐谱后，我立刻被那种浓郁的叙事感所吸引。虽然我还没有开始正式练习，但光是逐行阅读谱面，就能在脑海中浮现出梁山伯与祝英台那缠绵悱恻、荡气回肠的故事场景。不同于一些版本过于注重炫技的标记，这部乐谱似乎更侧重于情感的表达和音乐性的流动。例如，在著名的“化蝶”段落，我想象中它应该被标注出极其细腻的揉弦和弓法变化，以体现出那种超脱尘世的轻盈感。我对何占豪与陈刚这两位作曲家如何巧妙地运用小提琴的全部音域和表现力来描绘中国传统戏曲的意境，感到无比好奇。这本书的出现，无疑为我们提供了一个极佳的窗口，去体味和再现这份承载着民族记忆的音乐宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感非常考究，拿在手里沉甸甸的，一看就是用心制作的版本。从内页的排版来看，字体清晰易读，五线谱的间距处理得恰到好处，即便是练习时需要频繁翻页，也不会感到眼花缭乱。我特别注意到，在一些高难度技巧的段落旁，似乎还印有细微的演奏提示性文字，这对于自学者来说简直是雪中送炭。我之前买过一些盗版或影印版本，总觉得墨迹深浅不一，有些地方甚至模糊不清，严重影响了阅读体验，但这一本完全没有这个问题，完全是专业演奏级别的印刷水准。而且，附带的钢琴伴奏谱部分，声部之间的平衡感也处理得非常到位，可以看出制谱者对协奏曲的整体结构有着深刻的理解，而不是简单地将主奏旋律与伴奏和弦堆砌在一起。对于想要深入研究这部经典作品的演奏者而言，这样高质量的乐谱本身就是一种艺术享受和学习的保障。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体观感给我一种非常“经典、可靠”的感觉，就像是打开了一扇通往大师殿堂的门。我注意到，在封面设计上，它采用了相对内敛、注重文化底蕴的风格，没有使用那些花哨的、容易过时的设计元素，而是选择了一种能够经受住时间考验的美学。这种务实的态度也延续到了内页的细节处理上。比如，对于那些快速的跑动或大幅度的跳进，标记的符号清晰到几乎不用思考就能快速定位，这在实战演奏中能极大减轻心理负担，让演奏者能更专注于音乐本身的情感表达，而不是在找谱子上浪费精力。对于一位希望将这部作品纳入自己音乐库的演奏者来说，拥有这样一本清晰、准确、且具有收藏价值的乐谱是极其必要的。它不仅是一套练习工具，更是一份可以世代传承的音乐文献。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期与钢琴伴奏合作的琴童家长，我对协奏曲钢琴声部的完整性和易用性非常看重。很多时候，钢琴伴奏谱的编排要么过于单薄，缺乏管弦乐的厚重感，要么就是为了图方便而将复杂的配器压缩成一团乱麻的和弦，使得钢琴演奏者在‘伴奏’和‘演奏’之间难以找到平衡。然而，翻阅这本协奏曲的伴奏部分，我惊喜地发现它的配器层次感非常丰富。它似乎保留了原协奏曲中乐队的织体结构，让钢琴不仅仅是简单的和声支撑，而是真正扮演了“交响乐队”的角色。这对于指导学生进行协奏排练至关重要，因为学生必须学会与一个“完整的”声音进行对话，而不是对着一个简化的钢琴小品。我期待着孩子与钢琴老师一起合作时，能感受到这种饱满的音乐张力，让练习过程充满乐趣和挑战。

评分☆☆☆☆☆

购买任何学习材料，我都会习惯性地对比不同版本在“准确性”上的差异。尤其对于像《梁祝》这样流传甚广、被无数演奏家演绎过的作品，版本之间的细微差别可能直接影响到对原作意图的理解。这部乐谱的出版信息显示得非常明确，且标注了权威的创作者署名，这给了我极大的信心。我特意查找了几个关键技术点的记号，比如某些连弓的划分、换把位的处理，以及最重要的——力度记号（dynamic markings）。感觉这本谱子在对音色的要求上描述得尤为精准，它没有用过于笼统的“强”或“弱”，而是用了更具画面感的词汇来引导演奏者思考。这表明制谱方在整理和校对过程中，必定参考了多个权威的演奏版本或录音资料，力求还原作曲家最原始的构思，而不是随意增删改动，这一点对于追求学术严谨性的学习者来说，是无可替代的价值所在。