嗓音遗训(世界声乐史上历代大师教学经验荟萃) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李维渤... 编

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787806676844

商品编码：29704448899

开本：32

出版时间：2005-04-01

基本信息

• 商品名称：嗓音遗训(世界声乐**历代大师教学经验荟萃)
• 作者：(美)弗·兰皮尔蒂|译者:李维渤
• 定价：38
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787806676844

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2005-04-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：13
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：304
• 字数：198千字

内容提要

弗·兰皮尔蒂等著的《嗓音遗训（世界声乐** 历代大师教学经验荟萃）》堪称是世界声乐**的一 部“*品”、“奇书”。作者通观了世界声乐发展史 ，将“声乐**各发展阶段”的各“重要环节”上出 现的大师们的重要教学经验和嗓音训练的观点“熔于 一炉”，*终形成了目前这部书稿。正如译者李维渤 先生认定的：此书介绍的历代大师的“实践经验和传 统观点”，是每个声乐爱好者必须“借鉴的宝贵财富 ”。
    

目录

前言
歌唱艺术的衰落与复兴
弗·兰皮尔蒂简介
引言：关于歌唱艺术的衰落
论题-忠告
论题一：嗓音
论题二：嗓音的不同声区
论题三：身体、嘴和发声器官的位置
论题四：关于呼吸
论题五：关于嗓音的音质
论题六：关于嗓音的发出
论题七：嗓音的支持
论题八：关于练声和灵活性
论题九：关于表情滑音和连线
论题十：学习的一般法则
论题十一：关于发音
论题十二：嗓音支持法则的应用
论题十三：关于音符的起音
歌唱艺术与歌唱本质之间的关系
歌唱艺术的法则
威廉·莎士比亚简介
引言
气息处理
呼吸练习重述
嗓音器官
安置嗓音
舌头
在气息上的嗓音
下腭
软腭
嘴唇和面孔
眼睛
起音与连音
乐音
错误的发声
嗓音的声区
胸声区
中声区
头声区
嗓音力量与气息压力强度
不同声部的声区表以及它们不同的能量等级
表情
元音发音初论
结束语
文雅的歌唱艺术
引言
第一章
第二章
嗓音遗训
献辞

音乐殿堂的宏伟画卷：探寻世界音乐史的辉煌篇章 一、序章：穿越时空的旋律之旅 这是一部旨在全面梳理世界音乐发展脉络的巨著，它如同一个精心编织的挂毯，将不同地域、不同时代的音乐思潮、风格流变与杰出人物紧密地缝合在一起。全书摒弃了碎片化的叙述方式，力求构建一个宏大而又细腻的音乐历史全景图，带领读者进行一场穿越时空的旋律之旅。 本书的叙事起点可以追溯到遥远的人类文明曙光时期，探讨早期音乐的社会功能、仪式意义，以及其与自然环境的互动。我们将审视史前人类如何通过敲击、呼喊、模仿自然之声，孕育出最早的音乐萌芽。随后，笔触将迅速转向古代文明的辉煌——从尼罗河畔的赞美诗，到美索不达米亚的楔形文字乐谱残片，再到古希腊哲学体系中对音乐（Mousike）的理性思辨，揭示音乐在早期社会结构和精神生活中的核心地位。 二、中世纪的圣歌与世俗的低语 在中世纪的漫长岁月中，欧洲的音乐发展主要被天主教会所主导。本书将详尽阐述格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、发展及其在西方记谱法历史中的奠基作用。我们将深入分析早期复调音乐（Organum）的出现，探讨如佩罗坦（Pérotin）等早期作曲家的创新，以及巴黎圣母院乐派如何为后世的对位法奠定基础。 与此同时，本书并未忽视世俗音乐的力量。吟游诗人（Troubadours）、行吟诗人（Trouvères）和中世纪晚期的“游唱诗人”（Minnesänger）所传唱的爱情叙事诗、英雄史诗，构成了与宗教音乐相呼应的另一重要声部。我们将考察这些音乐形式如何反映骑士精神、贵族生活以及民间情感，并分析其对文艺复兴早期音乐的影响。 三、文艺复兴：人文主义的光辉与复调的成熟 文艺复兴时期，是人类思想解放和艺术繁荣的黄金时代。本书将着重剖析“复兴古典精神”的思潮如何渗透到音乐创作中。重点关注佛兰德斯乐派（如约斯坎·德·普雷、帕莱斯特里那）如何将复杂的复调技巧推向登峰造极的境界，尤其是弥撒曲和经文歌（Motet）的结构美学。 此外，世俗音乐的地位空前提高。牧歌（Madrigal）作为一种高度精致的、体现“文字与音乐完美结合”的艺术形式，将得到深入研究。我们将对比意大利、法国和英国牧歌的不同风格特点，考察早期印刷术对音乐传播产生的革命性影响。 四、巴洛克：情感的张力与音乐的“装饰”艺术 巴洛克时期，音乐进入了一个充满戏剧性、炫技性和情感强度表达的新阶段。本书将以聚焦的方式，剖析“歌剧”（Opera）这一全新艺术体裁的诞生及其在佛罗伦萨的早期探索。蒙特威尔第（Monteverdi）的改革，特别是其对“第二道歌唱法”（Seconda Prattica）的倡导，标志着音乐叙事方式的重大转折。 随后的章节将系统介绍巴洛克音乐的几大支柱： 1. 协奏曲的形成：从科雷利到维瓦尔第，对大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的结构演变进行细致描绘。 2. 键盘音乐的革新：巴赫的赋格艺术、布克斯特胡德的托卡塔，以及他们在和声语言上的深远贡献。 3. 清唱剧与受难曲：亨德尔的史诗叙事能力与戏剧性把握。 本书将通过对这些大师作品的深度解析，展示巴洛克时期如何确立了严格的和声体系和对位思维，为后世的音乐创作奠定了不可动摇的理论基础。 五、古典主义：清晰、平衡与结构的典范 古典主义时期是音乐形式结构臻于完美的时代。海顿、莫扎特和贝多芬这“维也纳三杰”的创作活动构成了本章的核心。本书将详细阐释奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与发展，分析交响曲、室内乐（尤其是弦乐四重奏）如何成为体现理性美学和清晰结构的最佳载体。 我们将探讨海顿在交响曲中的“幽默感”和结构实验；莫扎特在旋律线条上的精妙平衡与歌剧改革（如《费加罗的婚礼》）中的社会洞察；以及贝多芬如何以其革命性的创作手法，将古典主义的框架推向极限，为浪漫主义的爆发积蓄能量。本书将侧重于分析这一时期音乐中对“普世价值”和“人性光辉”的追求。 六、浪漫主义的狂飙突进：个体情感的无限释放 浪漫主义的兴起标志着音乐从服务于宫廷和教会转向表达作曲家强烈的、个性化的内心世界。本书将从舒伯特、肖邦、舒曼等人的艺术歌曲（Lied）和钢琴独奏曲入手，探讨“主观性”如何成为创作的核心驱动力。 随后，我们将深入探究以下关键领域： 民族主义音乐的兴起：斯美塔那、德沃夏克等人在本国民间音乐元素中汲取灵感，构建独特的民族音乐身份。 大型管弦乐的拓展：李斯特的交响诗如何打破传统曲式限制，实现音乐与文学叙事的深度融合。 歌剧的巅峰对决：威尔第的宏大戏剧性与瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其对和声的激进探索。 七、二十世纪的破碎与重塑：多元化的探索 二十世纪的音乐史是一部关于“打破一切既有规则”的历史。本书将以严谨的梳理，展现现代主义音乐的复杂图景： 印象主义与象征主义：德彪西和拉威尔如何通过色彩、氛围和模糊的音响效果，挑战传统的调性结构。 第二维也纳乐派的革命：勋伯格对无调性、十二音体系（Dodecaphony）的构建，以及韦伯恩的序列主义，标志着西方音乐核心思维的断裂与重建。 新古典主义的回归：斯特拉文斯基在早期原始主义（如《春之祭》）的震撼后，如何转向对古典形式的借鉴与重塑。 此外，本书还将关注美国音乐家如艾夫斯、格什温等如何将欧洲传统与本土元素（如爵士乐）相结合，以及战后先锋派（如梅西安、布列兹）在电子音乐、偶然音乐等领域的激进尝试。 八、结语：连接过去与未来的共鸣 最后，本书将回归到当代音乐的多元景观，探讨极简主义（如赖希、格拉斯）对重复与时间感知的重构，以及电子技术和全球化背景对音乐边界的消融。通过对世界音乐史的全面回顾，本书旨在揭示音乐作为一种跨越文化、历久弥新的表达媒介的强大生命力，引导读者以更广阔的视野去聆听和理解人类文明的宏伟旋律。

评分☆☆☆☆☆

这本汇集了世界声乐史上历代大师教学精髓的厚重之作，简直是声乐学习者和爱好者的“武林秘籍”。我花了很长时间才啃完第一遍，但每一次翻阅都有新的领悟。它不像那种空泛地谈理论的书，而是实实在在地剖析了从文艺复兴到近现代，那些声乐巨匠们是如何构建发声系统、如何处理情感表达，甚至是他们独有的“嗓音哲学”。最让我震撼的是，书中对不同声部特点的细致区分和针对性训练方法的阐述，这远超出了我之前接触过的任何教材。比如，对于抒情男高音的特定共鸣腔体的构建，它提供了一套极为精细的图解和步骤，配合历史上的案例分析，让人仿佛身临其境，理解了为什么某些声音可以跨越时代流传。这本书的价值在于它的兼容并蓄，它没有强迫你只遵循某一种流派，而是让你在充分理解了各个流派的精髓后，找到最适合自己的那条道路。对于渴望突破瓶颈的演唱者来说，这本书提供的不是答案，而是通往答案的一整套科学且系统的思考框架。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的编纂工作极其用心，阅读体验堪比欣赏一场跨越数百年的声乐大师课。我特别喜欢它在引用历史文献和教学手稿时的严谨态度，很多内容是以前从未被系统整理出版过的珍贵资料，光是这些一手材料的价值就足以让它在声乐学界占有一席之地。书中对“气息控制”的阐述，突破了传统意义上“深吸气”的简单概念，而是将其视为一个动态的、与共鸣和发力深度耦合的复杂生理过程。书中对美声唱法中“圆润度”的追求，也进行了深入的物理学和生理学层面的探讨，让我对过去认为的“玄学”有了更清晰的物理认知。每次读到某一章节，都会引发我对自己目前演唱状态的深刻反思，迫使我去重新审视那些我习以为常却可能存在偏差的发声习惯。这不仅仅是一本教学书，更是一本关于声乐生理美学和历史演变的深度研究报告，对舞台表演的心理建设也有潜移默化的指导作用。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在歌剧院后台工作的乐团成员，我一直对歌唱家们声音的“穿透力”和“持久性”感到好奇。这本书恰好解答了我的大部分疑问。它没有过多纠缠于抽象的艺术概念，而是聚焦于实实在在的“技术迁移”。书中对不同历史时期对嗓音功能需求的演变，如从巴洛克时期的对花腔技巧的极致要求，到浪漫主义时期对音量的极大扩展，提供了非常清晰的技术路径图。我尤其欣赏它对“换声区”处理的细致描述，不同的导师给出了截然不同但都行之有效的方法，这极大地拓宽了我的视野，让我理解到声乐技术并非铁板一块，而是充满适应性和创造性的。读完后，我对舞台上那些看似毫不费力的辉煌高音，有了更深的敬意，因为我知道，那背后是无数代大师积累下来的，对人声极限的精确把控和对科学原理的灵活运用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计也值得称赞，它成功地将学术的严谨性与阅读的愉悦性结合了起来。内容上，它最大的亮点在于对“情感与技巧的统一”这一永恒命题的探讨。书中详细记录了某几位大师如何通过特定的声乐练习来唤醒和释放演员内心深处的情感储备，从而让声音不再是冰冷的技巧堆砌，而是鲜活的情感载体。其中提到的一些“冥想式”的发声引导练习，虽然听起来有些“玄乎”，但实际操作起来却能迅速达到一种身心合一的状态，极大地改善了演唱时的紧张感。对我个人而言，它帮助我理解了“歌唱”的真正含义：它不是单纯的发出高音，而是通过声音这个媒介，完成一次深刻的自我表达和与听众的灵魂沟通。这本书就像一位和蔼的、知识渊博的老教授，在你迷茫时为你指引方向，在你得意时提醒你保持谦逊和探索。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的体量和深度足以让初学者感到一定的压力，但正因如此，它才显得如此珍贵。它要求读者不仅要动手去练，更要动脑去想，去对比、去辨析。其中对不同地域声乐流派（比如意大利学派、法德学派等）在音色偏好和咬字处理上的细微差异的剖析，非常精准到位，揭示了文化背景对声音塑造的深远影响。我发现，许多我过去在模仿和练习中遇到的“瓶颈”，在这本书里都能找到对应的历史根源和技术解释，这就像是给我的训练过程打上了一个强大的“理论底座”。阅读过程中，我常常需要停下来，对着镜子反复练习书中所描述的那些细微的口型和面部肌肉调整，那种将历史智慧融入当下实践的成就感是无与伦比的。这本书无疑是为那些真正热爱并致力于精进声乐技艺的人们准备的，它的价值将随着时间的推移而愈发凸显。