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梁玖... 编

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出版社： 西南师大

ISBN：9787562184942

商品编码：29913298950

开本：16

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐表演艺术论(精)
• 作者：高拂晓|总主编:梁玖
• 定价：72
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562184942

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：273
• 字数：295千字

内容提要

高拂晓著的《音乐表演艺术论(精)》提出了音乐 表演研究的本质论、发展论、表现论、主体论、接受 论、人才论的系统理论框架，结合历史与现实的音乐 表演美学问题进行了深入论述，并有详细的例证。特 别在发展论、表现论、主体论和接受论中不仅对传统 表演实践和现象有所评价，对*新的表演形式和趋向 也有美学审视，进一步推进了该领域的理论建设和学 科发展，本书分别从“音乐表演的本质与差异”“音 乐表演的历史与发展”“音乐表演的呈现与力度”“ 音乐表演的主体与风格”“音乐表演的接纳与评价” “音乐表演的人才与希望”这六章论述了音乐表演艺 术，从理论的角度分析和解决表演实践中存在的问题 ，为评价表演艺术提供一定的依据和视野，为*多创 造性的艺术活动提供思想基础。对音乐表演理论的教 学和表演实践的发展具有重要参考意义。
    

作者简介

高拂晓，中央音乐学院副研究员，硕士研究生导师，《中央音乐学院学报》副主编，英国牛津大学访问学者。2004年毕业于西南师范大学音乐学院钢琴教学与表演艺术专业，获硕士学位；2007年毕业于中央音乐学院音乐学系音乐美学专业，获博士学位。主要研究方向：音乐美学及音乐表演美学。目前在中央音乐学院开设本科课程“音乐表演美学概论”和研究生课程“音乐表演研究”“学位论文写作”。出版专著《期待与风格：迈尔音乐美学思想研究》，在各类音乐核心期刊发表论文几十篇；入选***“新世纪**人才支持计划”，获霍英东教育基金会青年教师基金项目资助，主持并参与完成了多项***科研课题。

目录

导论
第一章 音乐表演的本质与差异
第一节 何为音乐表演
一、艺术学的讨论
二、音乐表演的定义
第二节 不只是音符
一、从作品到音响
二、现代技术条件对音乐表演的影响
第三节 边缘还是核心
一、音乐表演的重塑性
二、音乐表演的创造性
第四节 意义的类型与差异
一、三种表演形式
二、传播性、表现性和情景性
第二章 音乐表演的表现与力度
第一节 表现的哲学
一、表现理论的雏形
二、表现理论的发展
第二节 挑战经典概念
一、表现力概念的萌芽
二、表现力的基本原则
第三节 表现力的呈现方式和差异
一、共性表现力、个性表现力与多维表现力
二、表现力差异的几种情况
第四节 表演的力度和深度
一、舒曼《梦幻曲》的表现力剖析
二、表现的力度
第三章 音乐表演的主体与风格
第一节 一种身份的意义诠释
一、艺术家的形成
二、表演者的形成
三、音乐表演艺术家的当代职责与发展
第二节 表演者到艺术家的距离
一、表演心理技能
二、表演心理控制
第三节 众人瞩目的奥妙
一、音乐风格问题
二、表演风格问题
第四节 被“他(她)”震撼不是偶然
一、风格的纯正性
二、风格的必然要求
第四章 音乐表演的接纳与评价
第一节 一种知道和懂的条件
一、接受的美学基础
二、理解的想象力
第二节 复杂社会生态下的审美链条
一、审美接受的社会环境
二、音乐艺术市场的当今发展
三、时代观念与表演创作
第三节 批评的辩证法

音乐表演的结构、技艺与精神：一部超越技巧的探索 图书名称： 声音的边界与意义：当代音乐表演的理论重构与实践指南 作者： [虚构作者姓名，如：林 远 哲] 出版社： [虚构出版社名称，如： 世纪之声文化] 装帧： 精装 页数： 约 680 页 --- 内容概述 本书旨在对当代音乐表演领域进行一次深刻而全面的理论梳理与实践指引。它并非仅仅聚焦于某一特定乐器或声乐技巧的细枝末节，而是将音乐表演视为一种复杂的、多维度的文化实践与人类交流的行动。全书的核心在于探讨“表演”这一行为的本质——它是如何从纯粹的机械再现演变为具有独特审美价值和思想深度的艺术创造过程的。 本书摒弃了将表演视为音乐作品附庸的传统观点，而是将其提升至与作曲同等重要的地位，强调表演者作为“第二创作者”的角色定位。通过融合美学哲学、认知科学、身体感知理论以及跨文化音乐学的前沿研究，本书为严肃音乐工作者、音乐教育者和研究者提供了一个宏大且精微的分析框架。 第一部分：表演的本体论：从符号到在场 第一章：表演的界定与历史演变 本章深入剖析了“表演”一词在不同历史时期的语义漂移。从早期宗教仪式中的即兴吟诵，到古典主义时期对“忠实再现”的推崇，再到二十世纪以来对“诠释自由”的极大开放。重点讨论了“文本性”与“在场性”之间的永恒张力。表演不再是单纯的“播放”乐谱，而是“在此时此地”对声音材料的即时组织与建构。我们考察了斯坦尼斯拉夫斯基体系对音乐剧表演的影响，以及“身体性”在器乐演奏中的觉醒。 第二章：符号学视野下的乐谱解读 详细解析了音乐记谱法作为一种不完全符号系统的局限性。乐谱仅是骨架，而表演则是血肉。本章运用皮尔斯和索绪尔的符号学理论，探讨了节奏、力度、音色标记背后的“指数性”与“象征性”意义。讨论了如何从“记号”过渡到“意向”，即如何将抽象的符号转化为可感知的、具有情感张力的声音事件。特别分析了断奏、连奏、装饰音等标记在不同时期演奏风格中的意义转换。 第三章：时间与空间：表演的场域构建 音乐表演是时间的艺术，但同时也是对特定空间的占有与改造。本章探讨了音乐家如何通过对节奏的微观控制（Rubato的哲学）来塑造“主观时间流”。同时，考察了音乐厅、剧院乃至非传统场域（如装置艺术、城市空间）对表演形态的制约与赋能。现场感（Liveness）的价值，以及录音技术如何重塑了听众对“完美”表演的期待，成为本章讨论的焦点。 第二部分：表演的技艺与认知科学 第四章：身体作为乐器：生物力学与精微控制 本部分转向对表演者生理机制的科学考察。不再局限于传统技巧训练的口号，而是深入探讨了演奏过程中肌肉群的协调、呼吸的力学原理以及运动记忆的形成。针对弦乐、键盘、管乐等不同器种，分析了如何通过优化人体工学设计和减少不必要的张力来提升演奏的效率与表现力。本章强调了“倾听”与“执行”之间的神经反馈回路，探讨了“肌肉记忆”的本质并非僵硬重复，而是灵活的适应性策略。 第五章：听觉的构建与内听觉（Inner Hearing） 表演的成功很大程度上取决于演奏者“内在听到”的声音与实际发出的声音之间的精确对齐。本章引入了认知心理学的研究成果，解释了“内听觉”是如何指导预判、修正和情感注入的。我们探讨了音准的相对性——“绝对音高”与“关系音高”在即兴与复杂和声中的相互作用。针对非西方音乐体系（如印度斯坦尼音乐的Raga概念），分析了其独特的听觉建构方式对西方演奏者的启发。 第六章：情感投射与共情机制 表演的终极目标是情感的传递。本章批判了十九世纪以来过度强调“个人情绪宣泄”的浪漫主义误区。通过研究共情理论（Empathy），我们提出“结构化情感”的概念：优秀的表演是将作曲家意图中的情感结构，通过表演者自身的认知框架，有效地“编码”并传递给听众的解码系统。讨论了“技术自由”与“情感克制”之间的平衡点，以及如何避免“表演性焦虑”对音乐本体的干扰。 第三部分：诠释的多元性与当代挑战 第七章：风格的边界与历史的对话 本章聚焦于风格研究。不同历史时期的演奏规范（如巴洛克时期的速度感、十九世纪对延音踏板的滥用等）如何影响了我们今日对经典作品的理解。本书主张“历史知情性”（Historically Informed Performance, HIP）不应成为僵化的教条，而应是激活创造力的对话基础。通过对同一部作品（例如贝多芬奏鸣曲或德彪西前奏曲）不同录音版本的细致比对，展示了诠释的合法空间。 第八章：即兴与再创作：表演中的“意外性” 在古典音乐传统之外，即兴表演作为一种重要的表演模式，其理论价值不可忽视。本章考察了爵士乐、巴洛克数字低音即兴以及当代音乐中的“图示记谱法”（Graphic Notation）对传统表演的冲击。即兴被视为一种高度结构化的自由，是表演者在极短时间内完成作曲、演绎和自我评估的复杂认知活动。 第九章：数字时代下的表演未来 探讨了技术对表演艺术的介入，包括实时电子处理、动作捕捉技术（Motion Capture）在音乐剧和前卫音乐中的应用。更重要的是，本书审视了数字媒体如何改变了听众的注意力结构，以及表演者如何在碎片化信息时代中，重新确立表演现场的权威性和不可替代性。本书结尾提出了对未来音乐教育的展望：培养既能精通传统技艺，又能拥抱跨学科思维的“全景式音乐家”。 --- 本书特点： 理论深度与实践广度兼备： 融合了哲学、认知科学和音乐人类学的视角，避免了纯理论的空泛或纯技巧指南的肤浅。 批判性视角： 审视了长期被奉为圭臬的表演原则，鼓励读者建立自己的、基于深入理解的演奏哲学。 跨领域对话： 引入了诸多非音乐领域的概念模型（如复杂系统理论、身体感知学），以解释表演这一人类行为的复杂性。 结构严谨： 全书逻辑清晰，从本体论基础出发，深入技艺层面，最后延伸至时代挑战，层层递进。 适合读者群： 音乐学院高年级本科生、研究生、专业演奏家、音乐教育工作者以及对音乐审美哲学感兴趣的文化研究者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这会是一本枯燥的理论教材，但读完前几章后，完全颠覆了我的预期。作者的叙事方式极其流畅且富有画面感，仿佛引导我走进了一个又一个大师的排练室。我特别欣赏书中对“表演者主体性”的探讨。很多关于表演的书籍总强调服从作品原貌，但这本著作却大胆地提出了表演者在诠释过程中的能动性和创造性价值。它探讨了如何平衡尊重作曲家意图与实现个人艺术声音之间的微妙关系。书中引用的那些鲜活的案例，比如某位著名钢琴家在处理肖邦夜曲时，是如何通过对踏板和重音的细微调整，创造出独属于自己的情感色彩，这些细节的描摹极其精准到位，让人仿佛能亲耳聆听。这本书的结构安排也非常巧妙，从宏观的艺术哲学背景，逐步深入到微观的身体感知和舞台心理学，逻辑衔接自然而然，使得原本庞杂的理论知识变得清晰易懂。对于想要提升舞台表现力的演奏者来说，它提供的视角是颠覆性的，因为它教的不是“怎么弹好”，而是“为什么要那样弹”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我原以为涉及“艺术论”的专业书籍会高不可攀，但这本《音乐表演艺术论(精)》的行文风格却出乎意料地具有亲和力。虽然学术性毋庸置疑，但作者似乎时刻记得自己的读者群体中包含着大量的实践者。书中的语言虽然精准，但没有过多地使用学院派的套话和冗余的引证，更多的是一种娓娓道来的分享。我非常欣赏它对“表演焦虑”与“心流体验”之间辩证关系的探讨。书中提供了一些非常实用的心理解构方法，帮助理解如何在压力巨大的现场环境中保持艺术的纯粹性。它没有提供速成的秘诀，而是提供了一套认识问题、解决问题的工具箱。特别是当涉及到对“完美”的追求时，这本书提出了一个极具启发性的观点：真正的艺术成就往往诞生于对技术限制的超越性回应，而非对技术的绝对掌控。这种将技术置于更高维度审视的态度，让人在面对自身不足时，能够保持一种更为积极和富有创造性的心态。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，坦白说，是它的一个加分项，但其内容的深刻性才是真正让我震撼的地方。我尤其关注到其中关于“非语言沟通”的章节，这部分内容对于跨文化交流背景下的音乐家来说，简直是宝典。它详细分析了眼神、肢体语言，乃至舞台上的呼吸节奏，如何共同构成了一个复杂的叙事系统，这些都是教科书上通常不会深入提及的“潜文本”。作者似乎对舞台艺术的每一个细节都有着近乎偏执的观察力，并将这些观察系统地归纳、提炼成可供分析的模型。例如，书中对比了德奥传统与俄罗斯学派在处理同一部协奏曲时，舞台调度和情感张力释放上的本质区别，这种深层次的文化人类学视角，极大地拓宽了我的视野。读罢此书，我再去看任何一场音乐会，都会不自觉地去解码舞台上正在发生的“表演行为”，而不仅仅是沉溺于旋律本身。它教会我如何“看”一场音乐会，而不是仅仅“听”一场音乐会。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐表演艺术论(精)》的精装版本，拿到手上就能感受到一种沉甸甸的质感，纸张的厚实和印刷的清晰度都体现了出版方的用心。我一直对音乐表演背后的理论体系充满了好奇，这本书似乎正是我所需要的。它不像市面上那些专注于技巧指导的书籍，而是深入探讨了表演的本质、美学价值以及与观众的互动关系。比如，书中对“瞬间的永恒”这一概念的阐释，让我对舞台上的即兴发挥有了全新的理解。作者并非简单地罗列历史事件，而是用一种近乎哲学的思辨方式，去解构每一个音符如何被赋予情感的重量，以及表演者如何在技术之上构建起一种超越时空的艺术体验。特别是关于不同文化背景下表演范式的比较分析，资料翔实且论证严密，读起来非常过瘾，感觉像是进行了一次跨越时空的学术漫游。尽管有些章节的术语略显晦涩，但正是这种深度，才让这本书脱离了通俗读物的范畴，成为了一部值得反复研读的案头必备之作。它不仅仅是知识的堆砌，更是一种思维方式的引导，让人开始用一种更宏大、更立体的视角去审视音乐现场。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在于它成功地构建了一座连接“理论殿堂”与“舞台实践”的坚实桥梁。它没有止步于对表演的宏大叙事，而是深入到每一个细节的微观分析之中，达到了理论与实践的完美统一。例如，书中对不同历史时期对“真诚性”的定义演变的梳理，让我重新审视了当代音乐会中那种追求“自然流露”的倾向，并思考这种“自然”背后的巨大功力。作者的文笔中透露出一种深厚的修养，使得阅读过程本身就是一种审美享受，充满了对艺术生命力的敬畏。我发现，很多我曾经模糊感受到的、说不出的舞台魅力，在这本书里都被精准地捕捉并赋予了名称和清晰的逻辑框架。它强迫读者去思考，你的每一次登台，每一次发声，究竟是为了什么？如果说很多音乐书籍告诉你“应该做什么”，那么这本书则是在告诉你“为什么这样做才是有意义的”。对于任何严肃对待音乐表演的人来说，这本书提供的思考维度是不可或缺的，它是一部能改变你对舞台理解的指南。