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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540442002

商品编码：29867725331

丛书名： 贝多芬弦乐四重奏(G大调Op.182)全国音

开本：32开

出版时间：2008-10-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

产品目录

Ⅰ.Allegro

Ⅱ.Adagio cantabile-Allegro

Ⅲ.Scherzo.Allegro

Ⅳ.Allegro molto quasi Presto

内容简介

弦乐四重奏这一艺术形式，是由作为贝多芬老师的海顿以及在创作上曾给于贝多芬很大影响的莫扎特开创并形成的。贝多芬一生共写下了十六部弦乐四重奏，这个数字与海顿的八十四部或者莫扎特的近三十部相比虽然不算多，但这十六部中几乎每一部都有鲜明的特点，成为弦乐四重奏宝库中耀眼的明珠，占据非常重要的地位。在弦乐四重奏的发展史中成为前继海顿，莫扎特，又对后世作曲家有很大影响的里程碑。 本书介绍了其中的“G大调Op.182”部分。

 

 

Ⅰ.Allegro

Ⅱ.Adagio cantabile-Allegro

Ⅲ.Scherzo.Allegro

Ⅳ.Allegro molto quasi Presto

 

弦乐四重奏这一艺术形式，是由作为贝多芬老师的海顿以及在创作上曾给于贝多芬很大影响的莫扎特开创并形成的。贝多芬一生共写下了十六部弦乐四重奏，这个数字与海顿的八十四部或者莫扎特的近三十部相比虽然不算多，但这十六部中几乎每一部都有鲜明的特点，成为弦乐四重奏宝库中耀眼的明珠，占据非常重要的地位。在弦乐四重奏的发展史中成为前继海顿，莫扎特，又对后世作曲家有很大影响的里程碑。 本介绍了其中的“G大调Op.182”部分。

精选古典音乐大师作品集：巴赫赋格与协奏曲深度解析 图书名称： 精选古典音乐大师作品集：巴赫赋格与协奏曲深度解析 内容简介： 本册精选集聚焦于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）在对位法和协奏曲创作领域登峰造极的代表作。本书旨在为具备一定音乐基础的演奏者、音乐学院学生以及严肃的古典音乐爱好者提供一套既具学术深度又富于实践指导的深入研究资料。我们摒弃泛泛而谈的概述，专注于巴赫音乐结构的核心逻辑及其在键盘和管弦乐作品中的具体体现。 第一部分：赋格的精妙结构与实践 本部分集中解析巴赫的《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）第一部和第二部中的精选赋格，以及《赋格的艺术》（The Art of Fugue）中的核心范例。 1. 结构解构：主题的诞生与演变 主题（Subject）的特性分析： 详细剖析了C大调、c小调等关键赋格主题的音程关系、节奏动机和轮廓特征。我们将使用图表和详细的音符分析，展示主题如何被设计成能够承受复杂的对位操作。 对位展开技术： 深入探讨了赋格的典型展开手法，包括： 映奏（Inversion）： 主题的上下反转，分析其对听觉印象的影响。 增值与减值（Augmentation and Diminution）： 节奏时值的放大与缩小，以及它们在建立紧张感或舒缓情绪中的作用。 逆行（Retrograde）： 主题从后向前演奏的技巧，并结合巴赫在《赋格的艺术》中的实践案例进行讲解。 多主题赋格的张力构建： 重点研究双赋格（Double Fugue）和三赋格（Triple Fugue）的结构布局。例如，如何在前一个主题的再现部或中段插入第二个主题，实现逻辑的严密性和音乐的丰富性。 2. 键盘实践指南：演奏中的逻辑与情感 对于钢琴演奏者而言，仅仅理解结构是不够的，更重要的是如何用触键和力度变化来“讲述”对位线。 声部清晰度训练： 提供专门的练习方案，帮助演奏者在多声部织体中明确区分主旋律声部（Dominant Voice）与陪衬声部（Subordinate Voices）。这包括不同手指的力度分配、触键深度的微调。 表情术语的巴洛克语境： 重新审视巴赫乐谱中常见的术语（如Allegro, Andante, Forte, Piano）在十八世纪的实际含义，避免用浪漫主义的过度装饰来诠释巴赫的清晰与平衡。 和声功能与进行： 即使是严谨的对位作品，其背后的和声逻辑依然至关重要。我们详细标注了赋格中关键的终止式（Cadences）和离调（Modulations），帮助演奏者把握乐段的起承转合。 第二部分：协奏曲中的器乐对话 本部分聚焦于巴赫的协奏曲创作，特别是《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburg Concertos）和《小提琴协奏曲》（Violin Concertos）中的器乐对话艺术。 1. 协奏曲的巴洛克形态：协奏与合奏的辩证 协奏曲的体裁划分： 清晰界定巴洛克时期Concerto Grosso（大协奏曲）与Solo Concerto（独奏协奏曲）的结构差异，并分析巴赫如何在这两种形式间进行巧妙的过渡。 利托尔内罗（Ritornello）结构的精妙运用： 详细分析乐队齐奏（Tutti）主题的反复出现与变奏。本研究特别关注了利托尔内罗主题在不同调性上的转调，以及它如何服务于整体的宏大结构。 独奏乐器的“展示”与“融入”： 以《D大调第三号勃兰登堡协奏曲》为例，探讨巴赫如何利用三把小提琴的统一性，与乐队其他声部进行复杂的交织，而非仅仅是炫技。对于需要独奏的乐章，我们将分析巴赫对独奏乐器音域和技巧的充分利用。 2. 管弦配器法的革新与应用 巴赫的配器法是其音乐的另一大支柱。 管乐器的角色设定： 分析巴赫如何使用双簧管、法国号和低音提琴等乐器。例如，在某些协奏曲中，管乐器并非仅作为和声填充，而是承担着重要的对位角色，甚至在独奏段落中接过主题的陈述。 “巴赫式”的乐队音响： 深入研究巴赫对弦乐组内部声部的处理，特别是中提琴声部的独立性与重要性，以及低音组（大提琴与羽管键琴/大键琴）如何提供坚实的和声与节奏基础。 羽管键琴的实际作用： 强调羽管键琴（Harpsichord）在巴洛克协奏曲中的持续低音（Basso Continuo）职能，以及演奏者如何在即兴发挥与服从总谱要求之间找到平衡。本书提供了基于历史演奏实践的持续低音填充示例。 总结： 本书是献给追求严谨音乐分析和深入演奏技巧的实践者。它不仅是理论的参考书，更是引导听者和演奏者领略巴赫音乐中逻辑之美、结构之宏伟以及内在精神力量的钥匙。通过对这些不朽作品的细致解剖，读者将能够更深刻地理解巴洛克音乐语言的精髓。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我翻开这本教材时，我主要的兴趣点在于它如何处理G大调这个相对明亮的主题，尤其是在贝多芬中晚期作品中，G大调常常带着一种克制而深沉的情感。我期望看到的是，这本教材不仅仅是机械地将A乐器的声部转移到B乐器上，而是真正体现了“钢琴教材”的教学价值。从排版上看，指法标注得相当详尽，这对于业余学习者或者想精进技巧的演奏者非常有帮助，起码在处理那些复杂的双音或分解和弦时，有了一个明确的参考方向。但是，我发现教材在对位处理的教学说明上略显单薄。例如，在某个赋格性段落，钢琴左手需要兼顾低音声部和中声部的部分线条，如何清晰地勾勒出每一条旋律线而不使整体听起来浑浊，教材的注释并没有给予足够深入的指导。这可能更倾向于面向已经有一定基础的钢琴家，而非初学者。我特别喜欢其中附带的几篇乐曲背景介绍，作者对G大调弦乐四重奏的历史地位和创作背景的梳理，使得演奏不仅仅是技术层面的练习，更是一种对作曲家心境的体悟。总的来说，它是一本优秀的演奏参考书，但在纯粹的“教学法”深度上，仍有提升空间，或许更适合进阶的乐理分析课堂使用。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的古典乐迷，我对任何形式的改编作品都抱持着一种审慎的态度，尤其是涉及到贝多芬这种“不容侵犯”的经典。这本G大调的改编版，给我的第一印象是“忠诚”与“妥协”的微妙平衡。忠诚在于，它尽可能保留了原曲的和声色彩和主要动机的轮廓；妥协则在于，钢琴的限制性使得某些由弓法和换气带来的细腻渐变无法完美呈现。比如，在慢板乐章中，原版四重奏中的声部交织常常能营造出一种呼吸般的起伏感，但钢琴的持续性声音使得这种“呼吸”必须依赖踏板和触键的精妙控制。这本书的编排者似乎深知这一点，他们通过增加一些强弱记号的变化，试图弥补这一缺失。不过，我不得不指出，教材在速度标记上显得有些统一化了，似乎没有充分考虑到钢琴演奏与弦乐演奏在速度弹性上的差异。我花了大量时间对比了其中一个快板乐章的节奏处理，钢琴版显得过于“方正”，缺少了提琴组演奏时那种微妙的“推拉感”。对于追求极致音乐表现力的演奏者而言，可能需要在这本教材的基础上进行大量的个人二度创作，才能真正挖掘出这部作品在钢琴上应有的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本关于贝多芬弦乐四重奏的钢琴改编曲集，确实让我眼前一亮，虽然我更偏爱原版的弦乐四重奏，但这种将室内乐经典转化为独奏钢琴作品的尝试，总是充满挑战与魅力。我首先被它精美的装帧设计所吸引，纸张的质感和印刷的清晰度都达到了专业水准，这对于长期练习者来说至关重要，毕竟长时间面对乐谱，眼睛的舒适度直接影响学习效率。试弹了其中几个乐章，我发现编者在保持贝多芬原作精神的基础上，做出了不少巧妙的钢琴化处理。例如，他们很好地平衡了和声的饱满度与织体的清晰度，这在钢琴上还原四声部的对位时是极大的考验。不过，我个人认为，在某些快速的段落中，钢琴的延音和力度变化似乎略显保守，未能完全捕捉到原乐队中弓弦摩擦带来的那种“呼吸感”。尽管如此，作为一本深入研究贝多芬晚期作品的钢琴教材，它无疑提供了一个全新的视角去剖析这些不朽的音乐结构。对于那些希望通过键盘深入理解弦乐四重奏语法的学习者来说，这本书无疑是一份宝贵的资源，它迫使你思考，原本由四件乐器完美分工的声部，如何在单件乐器上得到有效的再现和平衡。期待未来能看到更多此类跨界改编的精品出现。

评分☆☆☆☆☆

我收藏了许多不同作曲家改编的弦乐四重奏钢琴版乐谱，但很少有像这本教材一样，在学术严谨性和实用性之间找到一个相对舒适的平衡点。我最欣赏的是它在乐曲选择上的用心。G大调通常被认为是贝多芬相对“阳光”的时期作品，但其内在蕴含的深刻哲思是贯穿始终的。这本书通过钢琴这一媒介，迫使我们重新审视这些早已耳熟能详的旋律。我个人尝试了一下其中一个充满戏剧性转折的段落，发现钢琴版带来的冲击力是完全不同的——它更集中、更聚焦，少了乐队的延展性，却多了敲击瞬间的爆发力。不过，作为“钢琴教材教程”的一部分，我期待看到更多关于如何平衡左右手音量分配的详细指导，因为在弦乐四重奏中，各个声部的音量平衡是自然形成的，而在钢琴上，它完全依赖于演奏者的控制。如果教材能提供一些关于“如何用触键模拟第一小提琴的辉煌”或者“如何用力度控制模拟大提琴的厚重”的练习片段，那么它的教学价值将得到质的飞跃。目前的版本更像是一本面向专业演奏者的高端演奏版本，而非普适性的教程。

评分☆☆☆☆☆

说真的，我买这本书主要是想找一些练习视奏和提升阅读复杂对位乐谱能力的材料。这本关于贝多芬G大调四重奏的钢琴谱，在复杂性上完全达到了我的预期，甚至略有超出。乐谱的清晰度是我最看重的一点，幸好，这本教材在这方面做得非常出色，即便是面对多声部快速交织的段落，每一个音符和连线都清晰可辨，这极大地降低了阅读的难度。我在练习时，特意关注了其对位声部的线条感——这是钢琴演奏室内乐时最容易丢失的部分。这本书的排版巧妙地利用了字体粗细和声部间的空间距离，帮助演奏者的大脑在第一时间区分主次声部，这一点设计得非常人性化。然而，我发现教材中对于“踏板使用建议”的部分几乎是空白的，这对于一首由如此精细的对位构成的作品来说，是个不小的遗憾。正确的踏板使用是连接声部、保持织体纯净的关键，缺乏这方面的指导，初学者很容易将原本清晰的对位演奏得模糊不清。因此，这本书更像是一份高质量的“乐谱文本”，而不是一份完整的“教学方案”。它提供了原材料，但如何将这些原材料塑造成艺术品，还需要演奏者自己摸索。