原版引进名曲主题视唱练耳--全美受欢迎的高校视唱练耳教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552301106

商品编码：29867723674

丛书名： 名曲主题 视唱练耳

出版时间：2014-04-01

 

 

 

 

目录 前言悼念致谢
第-部分 旋律：自然音节奏：单位拍的均分——分拍
第-章 节奏：二分拍、单位拍及分拍 节奏读谱
第-节(R)以四分音符为单位拍

 

 

编辑推荐 教育部“新世纪人才支持计划（NCET）资助项目研究成果 内容推荐 本书由北德克萨斯州大学音乐学院教授罗伯特·欧特曼编著，中央音乐学院赵易山教授翻译，旨在用实际音乐作品培养学生的视唱练耳能力，使这类训练更有趣且有效。佛罗里达州立大学音乐学院的南希·罗杰斯是该书的新作者，她为这本教材注入了新的活力。该书适合在视唱练耳课或音乐理论课上使用。  

 

音乐的殿堂：欧美经典音乐赏析与鉴赏指南 本书特色： 深度解析，触及灵魂： 本书并非简单罗列曲目与作曲家生平，而是深入剖析西方音乐史上的关键时期、流派变革及其背后的文化思潮。从古老的教会音乐到浪漫主义的恢弘叙事，再到二十世纪的现代主义探索，每一页都蕴含着对音乐内核的深刻洞察。 聚焦大师的创作密码： 我们将目光投向巴赫的严谨对位、莫扎特的灵动旋律、贝多芬的英雄气概、瓦格纳的音乐戏剧，以及德彪西的印象主义色彩。通过对他们代表作的细致剖析，读者将理解这些不朽杰作是如何诞生的，其结构、和声语言及配器技巧有何独到之处。 跨越时空的聆听体验： 本书致力于引导读者构建一个立体的音乐世界观。我们不仅关注古典音乐的“正典”（Canon），也探讨了歌剧、交响乐、室内乐乃至早期爵士乐的演变轨迹，帮助听众建立起清晰的音乐脉络。 理论与感性的完美结合： 虽然内容翔实，但语言风格力求生动流畅，避免生涩的学术术语堆砌。我们用最直观的方式解释复杂的音乐术语（如奏鸣曲式、赋格结构、十二音体系），让非专业人士也能领略音乐的内在逻辑之美。 --- 第一部分：基石的奠定——中世纪、文艺复兴与巴洛克（约 450 - 1750 年） 第一章：信仰的颂歌与早期声乐的萌芽 西方音乐的源头深深扎根于欧洲的宗教生活之中。本章将追溯自公元五世纪罗马教会音乐的发展历程，重点解析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音特质、韵律结构及其在早期欧洲文化统一中的作用。我们将探讨“记谱法”的诞生如何使音乐得以保存和传播，以及早期复调音乐（如奥尔加农）的出现，标志着人类听觉开始从单一旋律转向多声部的探索。 第二章：人文主义的光芒与声部的解放 文艺复兴时期（约 1400-1600 年）是音乐从神权走向人本的关键转折点。本章细致考察了弗兰德斯乐派的精湛技巧，特别是若斯坎·德普雷如何将精妙的模仿手法与文本的清晰表达相结合。我们将深入赏析宗教合唱（如弥撒与经文歌）的精致平衡，并关注世俗音乐的兴起——牧歌（Madrigal）如何以其丰富的情感色彩和对歌词意境的精准捕捉，预示着未来歌剧的诞生。 第三章：巴洛克的辉煌与“情感的激动” 巴洛克时期（约 1600-1750 年）是音乐史上戏剧性最强烈的阶段之一。本章聚焦于“对位法”和“数字低音”两大支柱。我们将分析卡里西米和蒙特威尔第如何开创歌剧这一全新的艺术形式，探索“巴赫的音乐宇宙”，深入剖析《平均律键盘曲集》的结构意义及其对和声语汇的革命性影响。此外，对协奏曲体裁（尤其是维瓦尔第的贡献）以及赋格曲的精妙结构，也将进行详尽的解析。 --- 第二部分：古典的秩序与浪漫的激情（约 1730 - 1900 年） 第四章：古典主义的理性之光——奏鸣曲式的确立 在巴洛克时期的繁复装饰之后，音乐进入了追求清晰、平衡与典雅的古典时期。本章核心是奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与完善。我们将以海顿的“交响乐之父”身份为引子，详细拆解奏鸣曲式呈示部、发展部与再现部的内在逻辑。莫扎特的音乐如何以其无可匹敌的旋律天赋，将古典的平衡推向极致，是本章的重点讨论对象。 第五章：贝多芬：连接古典与浪漫的桥梁 贝多芬是音乐史上无法绕开的巨人。本章不仅回顾了他的九部交响曲，更着重分析他如何在既有的古典框架内，注入前所未有的个人意志、冲突与英雄主义的叙事。他的晚期弦乐四重奏如何突破了当时听众的理解极限，预示了后世音乐发展的方向。 第六章：浪漫主义的全面爆发与个体情感的颂扬 浪漫主义（约 1820-1900 年）是一场对绝对理性的大反叛。本章探讨音乐如何成为表达“我”——诗人、梦想家和反叛者的工具。舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与钢琴伴奏融为一体，成为微观情感的载体；肖邦如何将民族精神注入键盘艺术；李斯特的交响诗如何将文学叙事“音乐化”。 第七章：歌剧的鼎盛与民族乐派的崛起 本部分将分别考察德奥歌剧体系的巅峰——瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及威尔第在意大利歌剧中对人道主义主题的深刻描绘。同时，我们会关注俄国“五人强力集团”、捷克的德沃夏克、斯美塔那等作曲家，如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，为欧洲音乐版图增添了鲜明的地域色彩。 --- 第三部分：现代性的冲击与音乐的边界拓展（1900 年至今） 第八章：世纪之交的审美转向——印象主义与象征主义 进入二十世纪，德彪西和拉威尔开始质疑瓦格纳所建立的宏大结构。本章解析“印象主义”如何运用模糊的音色、全音阶与五声音阶，创造出光影斑驳的听觉画面。我们将对比分析这种对“氛围”的追求与勃拉姆斯的后浪漫主义遗风。 第九章：二十世纪的革命：和声的瓦解与节奏的爆炸 本章是全书最具挑战性也最引人入胜的部分。斯特拉文斯基的《春之祭》如何以其原始的节奏暴力震撼了巴黎乐坛，标志着现代主义的正式登场。勋伯格及其追随者如何发展出无调性音乐，并最终系统化为“十二音体系”（Dodecaphony），这代表着音乐逻辑的一次彻底重构。我们将清晰阐释这些复杂理论的听觉效果。 第十卷：多元化的声音景观 二十世纪中叶以后，音乐的走向变得极其分散。本书将概述序列音乐（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇的哲学思考）、极简主义音乐（Minimalism）的回归朴素与重复，以及电子音乐的兴起。最后，本书将简要探讨当代音乐家如何在继承传统的坚实基础上，探索新的听觉美学与技术可能性。 --- 结论：倾听的力量 本书旨在提供一把钥匙，打开通往西方音乐深层结构与情感世界的门扉。掌握了这些历史脉络与技法分析，每一次聆听都将不再是偶然的感官刺激，而是与作曲家进行的一场深刻、有准备的对话。通过理解“如何创作”，读者将更深切地体会到“为何动听”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计真是让人眼前一亮。初次拿到手里，我就被它那沉稳又不失活泼的封面设计所吸引。纸张的质感也相当不错，印刷清晰，即便是那些复杂的五线谱，看起来也一点不费劲。我特别欣赏它在排版上的用心，每一页的布局都非常合理，阅读起来一点也不觉得拥挤或混乱。作者在章节划分上也做得非常细致，逻辑性很强，让你能很清晰地追踪学习的脉络。比如，在基础概念的引入部分，他们用了大量的图示和对比来解释，对于初学者来说简直是福音。而且，书中的字体选择也很考究，既保证了专业性，又不会让人产生阅读疲劳。我甚至花了不少时间去研究那些边角的装饰性图案，它们似乎也在不经意间烘托着音乐的氛围。总的来说，这本书在视觉呈现和实体质感上，绝对是同类教材中的佼佼者，光是看着它摆在书架上，都觉得心情舒畅。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容体系的构建上展现了一种极高的专业素养和前瞻性。它很巧妙地平衡了东西方音乐理论的差异，使得教材内容既能满足古典音乐训练的基础要求，又兼容了当代流行音乐听觉训练的特点。我特别留意了它在和声分析部分的拓展，它不仅仅停留在传统的“功能和声”，还融入了对“色彩和声”的探讨，这对于提升演奏者或创作者的听觉敏感度至关重要。教材中的练习设计也体现了这一点，它们不是孤立的个体，而是层层递进，相互关联，形成了一个完整的知识网络。每完成一个小单元，都能感觉到自己的音乐感知力在悄然提升，好像给自己的耳朵安装了一个新的“滤波器”。这种体系化的、有目标导向的编排，让学习者能够清晰地看到自己能力提升的轨迹，极大地增强了持续学习的内在动力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年音乐学习经历的人，我深知教材的生命力在于其配套资源的丰富性。这本书在这方面做得非常出色。我惊喜地发现，它附带的在线资源库内容极其庞大，而且更新频率很高。我尝试着去使用那些音频素材进行跟唱和听辨练习，那效果简直是立竿见影。高质量的录音文件，清晰地分离了伴奏和旋律线，这对于自学尤其重要。更棒的是，它不仅仅提供了标准的示范，还内置了一些难度渐进的互动练习工具，可以实时反馈我的准确度。这种“即时纠错”的机制，极大地提高了我的练习效率，省去了我找人陪练的麻烦。比起那些只有文字和谱子的传统教材，这本书真正做到了理论与实践的无缝对接，让学习过程充满了现代科技的便利感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格非常独特，完全没有传统教材那种严肃刻板的腔调。作者的语言充满了亲切感和激励性，读起来更像是一位经验丰富的导师在耳边细心地指导，而不是一本冷冰冰的教科书。它懂得如何与读者建立情感连接。比如，在讲解一些看似难以掌握的转调技巧时，作者会分享一些自己早年的“血泪史”和心得，这种坦诚让人倍感放松。它会用一些非常形象的比喻来描述抽象的音高关系，比如将调式比作不同颜色的光芒，将和声进行比作一场精心编排的对话。这种富有想象力的描述，让原本枯燥的练习变得生动有趣，也更容易被大脑吸收和记忆。我发现自己不再抗拒那些难度较高的章节，反而充满了探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度真的超出了我的预期。我本来以为它会集中在一些非常传统的视唱练耳技巧上，但深入阅读后发现，它巧妙地融合了许多现代音乐的元素和思维方式。它不仅仅是枯燥的音阶和和弦练习，更像是带你走进一个音乐思维的迷宫。我尤其喜欢它在节奏训练部分的处理方式，不再是单纯的数拍子，而是鼓励你去感受音乐的“律动感”。书中的案例选择也非常贴近实际，很多例子都是我曾经在其他地方听过，但从未真正理解过的旋律片段。这种“似曾相识”的感觉，极大地激发了我的学习热情。它不是简单地告诉你“怎么做”，而是深入地解释“为什么这样做”，这种对原理的深挖，让我对视唱练耳这项技能的理解上升到了一个新的高度，感觉自己不再是机械地模仿，而是真正开始“听懂”音乐了。