正版歌剧音乐剧教材书籍 中国歌剧音乐剧唱段精粹 通俗唱法卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539647166

商品编码：29867723647

丛书名： 中国歌剧音乐剧通史 中国歌剧音乐剧唱段精粹通

开本：16开

出版时间：2014-01-01

丛书总序 本书序言
音乐剧《芳草心》 创演概况 入选唱段 小草 看窗外洒满五月的阳光
音乐剧《未来组合》 创演概况 人选唱段 星星 奇迹
音乐剧《中国蝴蝶》 创演概况 入选唱段 秋天里我们收获爱情 苦藤与苦瓜
音乐剧《四毛英雄传》 创演概况 人选唱段 雪花飘
音乐剧《白莲》 创演概况 入选唱段 并蒂白莲花开放
音乐剧《香格里拉》 创演概况 …… 音乐剧《五姑娘》 小剧场歌剧《再别康桥》 音乐剧《金沙》 音乐剧《蝶》 音乐剧《未来组合2008》 音乐剧《星》 歌剧《太阳雪》 音乐剧《茉莉花》   《中国歌剧音乐剧通史》以近百年来我国歌剧音乐剧不同体裁和风格的数百部剧目为研究重心，对剧本和音乐创作、理论与思潮、表导演艺术和演出历史、专业院团历史沿革和体制机制改革的现状和问题等做了系统梳理、深入分析和全面总结，并精选其中剧目的精彩唱段和场面编入唱段精粹和场面精粹，由此构成《中国歌剧音乐剧通史》4部学术专著、1部咨询报告书、3本乐谱和3张光碟的宏大结构与规模。  

 

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音乐剧鉴赏与理论探索：跨越时代的旋律与舞台艺术 本书聚焦于音乐剧艺术的深层结构、历史演变及其在当代文化中的地位。 它并非一部侧重于具体声乐技巧或特定唱段选取的教材，而是旨在为读者构建一个全面、系统的音乐剧知识框架，深入剖析这一综合性舞台艺术的魅力所在。 第一部分：音乐剧的起源、流派与美学基础 本书伊始，将带领读者追溯音乐剧的“前世今生”。它详细考察了音乐剧从欧洲轻歌剧、喜歌剧、民谣歌剧（Ballad Opera）以及19世纪末20世纪初的哑剧、滑稽剧中的歌舞片段中汲取养分的历程。重点分析了弗洛伊德·西克斯（F.S. Epps）等早期理论家对“戏剧与音乐的融合”的初步构想，并清晰界定了音乐剧区别于歌剧和传统戏剧的核心美学特征——即对“可理解性”和“时代精神”的强调。 历史脉络的梳理：从《黑美人的宝宝》到黄金时代 本书细致描绘了美国音乐剧发展史上的关键转折点。我们深入探讨了1920年代的“时代广场狂欢”对歌舞片式音乐剧的冲击，以及1940年代至1960年代“黄金时代”的形成。这一部分着重分析了奥斯卡·汉默斯坦二世（Oscar Hammerstein II）与理查德·罗杰斯（Richard Rodgers）如何通过《俄克拉荷马！》确立了“情节驱动的音乐剧”（Book Musical）的叙事范式，强调了歌词（Lyrics）在推动情节和塑造人物性格中的不可替代的作用。 此外，本书还专门辟章讨论了不同流派的演进： 社会写实流派： 分析了伯恩斯坦（Leonard Bernstein）的《西区故事》如何将严肃的社会议题（如种族冲突、青少年暴力）融入音乐剧结构，打破了其仅为“娱乐至上”的刻板印象。 概念音乐剧（Concept Musical）： 探讨了斯蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）对音乐剧形式的颠覆性贡献，尤其是在《伙伴们》（Company）和《畸形人》（Follies）中，如何运用非线性叙事和复杂的和声语言来探讨现代人的疏离感。 第二部分：音乐剧的结构分析与创作要素 不同于单纯的曲目赏析，本书的第二部分聚焦于音乐剧作为一种“综合艺术”的内部运作机制。 叙事与音乐的交织： 本章详细解析了“展示”（Showstopper）、“抒情独白”（I Want Song）和“复调音乐”（Counterpoint in Dialogue）在音乐剧中的功能。例如，分析了如何通过“莱特莫蒂夫”（Leitmotif）技术，将特定的音乐主题与人物的情感状态或核心冲突绑定，从而在不需言语的情况下深化戏剧张力。书中会涉及对休·马斯克尔（Hugh Massingale）音乐剧结构理论的引用，探讨场景划分与情绪曲线的构建。 文本与词作的雕琢： 音乐剧的歌词（Lyrics）是其与歌剧最显著的区别之一。本书深入剖析了优秀的音乐剧词作应具备的特质：贴合角色口吻、信息密度高、节奏感强且易于被演唱和记忆。我们将比较不同作词家（如阿兰·杰伊·勒纳、提姆·莱斯）在处理诗歌韵律与口语自然的平衡技巧。 舞台设计与技术革新： 音乐剧的视觉呈现同样是其核心要素。本书探讨了舞台设计师和灯光设计师如何与作曲家、编剧合作，共同创造沉浸式的戏剧环境。例如，分析乔尔·舒马赫（Joel Schumacher）和托尼·瓦茨（Tony Walton）等设计大师如何利用极简主义布景或巨型机械装置来象征角色的内心世界或宏大的历史背景。 第三部分：当代音乐剧的拓展与全球视野 随着全球化的推进，音乐剧的疆域不断拓展，本书的第三部分关注这些新近的发展趋势。 英美体系之外的探索： 我们将目光投向法国的“流行歌剧”（Opéra Comique Moderne，如《巴黎圣母院》）和德国的“摇滚歌剧”（Rockoper），分析它们在保持音乐剧核心特征的同时，如何融入本土的音乐语言和戏剧传统。 跨文化融合与改编： 本章着重探讨了经典文学作品或历史事件如何被“音乐剧化”。深入分析了改编过程中面临的文化语境差异、音乐风格的取舍，以及如何避免刻板印象和文化挪用，成功地将异质文化元素整合进音乐剧的叙事结构中。 音乐剧理论的未来走向： 最后，本书展望了数字化时代对音乐剧的影响，讨论了多媒体技术、虚拟现实等新技术可能如何改变观众的体验和创作的边界。同时，本书也对音乐剧在后现代语境下面临的挑战——如对经典叙事模式的解构与重构——进行了理论上的探讨，旨在激发读者对这一艺术形式更深层次的思考。 本书旨在提供一个全面的、学术性的音乐剧理论和鉴赏指南，帮助读者理解音乐剧为何能超越单纯的娱乐范畴，成为一种具有深刻社会洞察力和复杂艺术美学的舞台表演形式。它不涉及任何具体的声乐练习或特定曲目的演唱指导，而是专注于艺术的结构、历史与哲学内涵。

评分☆☆☆☆☆

对于一个自学者来说，找到一本结构清晰、逻辑严密的教材是多么重要，简直是决定性的因素。这本书的章节划分非常科学，从基础的乐句分析，到特定技巧的专项训练，再到完整唱段的整合运用，每一步都循序渐进，毫不跳跃。我最喜欢它在每首曲目后面附带的“难点攻克”部分，它不是简单地指出哪个高音难唱，而是详细拆解了造成难点的生理原因和解决思路。例如，某个快速的琶音，书里就从口腔形态到舌位变化进行了多维度的指导，这比我对着镜子瞎琢磨效率高了不止一个档次。它有效避免了学习者在遇到瓶颈时因找不到方向而产生的挫败感，整个学习路径被规划得非常人性化。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常有心思，封面采用了经典的深蓝色调，烫金的书名在灯光下显得格外典雅，一看就是那种可以收藏的艺术品级别。内页的纸张质量也令人惊喜，触感细腻，油墨印刷清晰锐利，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。排版上，作者的用心体现在字里行间，那些复杂的乐理符号和歌词，都处理得井井有条，阅读起来非常流畅。虽然我这次主要关注的是学习内容，但不得不说，光是翻阅这本书，就有一种置身于专业剧院的感觉，那种对艺术的尊重感扑面而来。很多教材往往只注重内容的堆砌，却忽略了载体的质感，这本书在这方面做得非常出色，让人愿意一遍又一遍地拿起它来翻阅和品味，从视觉到触觉都是一种享受。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心制作的工艺品，体现了出版方对音乐艺术的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

从音乐史和文化传承的角度来看，这本书的价值也远超一本普通的演唱指南。它精选的中国歌剧音乐剧唱段，本身就是一段宝贵的艺术记忆。在研习这些唱段时，我不仅是在学习技巧，更是在重新体验那个时代创作者想要表达的情感和社会图景。书中对这些作品创作背景的简要介绍，极大地丰富了我对音乐的理解维度。当我真正理解了人物在特定历史情境下的矛盾和挣扎时，我的演唱自然而然地就带上了一种厚重的质感，不再是空洞的技巧展示。这种将技术训练与人文素养相结合的编撰理念，使得这本书在众多实用性的教材中脱颖而出，成为了我案头必备的“精神食粮”。

评分☆☆☆☆☆

我最近在琢磨如何提升我的舞台表现力，尤其是那些需要情感深度和技巧支撑的段落。这本书的选曲角度非常独到，它没有完全拘泥于最常见的那些“大路货”，而是深入挖掘了一些既有历史厚重感，又非常适合现代声乐技巧去诠释的稀有珍品。比如，其中对某个特定时代背景下人物内心挣扎的刻画，通过曲谱和详细的注释，让我立刻找到了切入点。它不像某些教材那样只是机械地给出音高和节奏，而是融入了对角色心理动机的深度剖析。这对于我这种需要在舞台上“演”出故事的演唱者来说，简直是如虎添翼。我尤其欣赏它在处理气息控制与情感释放之间的平衡点上的建议，那种高低音之间的平滑过渡，不再是空泛的口诀，而是结合了具体的音乐语汇来阐释的，让人茅塞顿开。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前接触过不少关于“通俗唱法”的指导材料，很多要么过于侧重美声的规范，要么又过于偏向流行乐的随意性，导致在两者之间找不到一个合理的支点。然而，这本书真正做到了“融汇贯通”。它非常巧妙地将学院派对音准、共鸣的严谨要求，与通俗唱法所需的那种更贴近生活、更具亲和力的叙事感结合起来。我发现，以往我演唱某些段落时，总感觉声音“飘”或者“用力过猛”，但在书中针对这些选段的示范和解析中，找到了一个更自然、更具穿透力的发声方法。它教会的不是如何模仿某位大师，而是如何找到自己声音的“中道”，既有力量，又不失细腻，这对于拓宽我未来的演唱风格边界非常有帮助。