正版勃拉姆斯圆舞曲:Op.39四手联弹(中外文对照)流行钢琴进阶曲谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 勃拉姆斯
• 圆舞曲
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• 四手联弹
• 进阶
• 中外文对照
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544435970

商品编码：29867627670

丛书名： 勃拉姆斯圆舞曲

出版时间：2011-09-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

正版勃拉姆斯圆舞曲:Op.39四手联弹(中外文对照)流行钢琴进阶曲谱

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《勃拉姆斯圆舞曲:Op.39四手联弹(中外文对照)》内容简介：“勃拉姆斯和圆舞曲：设计精美的封面上出现的这两个词似乎在惊愕中互相瞪着对方。严肃沉静的勃拉姆斯……是圆舞曲作曲家。个中奥秘就是一个名字：维也纳。这个帝国首府激励过贝多芬，如果不是去跳舞，至少写了舞曲音乐；他给舒曼以灵感，创作了“维也纳狂欢节”；而且他可能曾经诱惑过巴赫，以至于他犯下了用轻浮的*拍子写音乐的罪“勃拉姆斯生活在维也纳的岁月在他的圆舞曲中结出了果实一一异常甜美的果实。奥地利那令人心醉神迷、精力旺盛的空气，经过漫长的时间，注定要在他敏感的个性中留下印记，这些圆舞曲就是见证……多么令人愉悦、惬意的声音!……它们充满了出人意料的简朴和清新。这16首圆舞曲朴实无华：它们都是短小的，没有引子和尾声。每一首圆舞曲都有不同的性格，有些接近于轻快的维也纳圆舞曲风格，许多首更像是舞步较凝重的‘连德勒’舞曲。同时，常常听得出远处有舒伯特与舒曼的余韵。接近这本曲集的后部分，人们听到一种引人注意的音响：开始是悄悄的，几乎像试探，接着就越来越明确和绚丽——毫无疑问，我们已踏上了匈牙利的土地……在音乐语言的精致方面，这些曲子总的说肯定属于技巧高超的作品之列，虽然人们不会关注这些技巧，然而它们对听众造成的吸引力却是不可抗拒的“勃拉姆斯的圆舞曲并不给演奏者造成任何压力，也不需要精湛的技术，不过它们确实要求演奏者有音乐洞察力……”。

《二十世纪室内乐的革新与回响：从勋伯格到斯托科夫斯基的探索》 导言：时代的交响与技艺的边界 二十世纪，音乐领域经历了一场史无前例的结构性重塑。如果说浪漫主义的余晖仍在烘托着勃拉姆斯那充满温情的和声，那么新的世纪则以其工业化的速度和前所未有的思想冲击，彻底打破了既有的音乐范式。本书聚焦于二十世纪上半叶，特别是两次世界大战前后，室内乐这一传统体裁如何被那些富有远见卓识的作曲家们推向了技艺与哲思的全新边界。我们不关注那些基于既有美学体系的成熟作品，而是深入剖析那些挑战听觉习惯、拓展乐器潜能、并预示了未来音乐发展方向的先锋实践。 第一章：维也纳的十二音体系与和声的解放 1.1 勋伯格的“自由无调性”与结构重塑 本章将详尽分析阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）如何从瓦格纳式的晚期浪漫主义转向彻底的无调性。重点在于考察其早期的无调性作品，如《夜晚》（Nacht）和《月之小丑》（Pierrot Lunaire，尽管后者更偏向“宣叙调”与歌曲的结合），分析这些作品中如何通过极度的不协和音程和非传统的音高组织，来表达内心的焦虑与精神困境。我们将特别关注其对传统调性中心的刻意回避，以及如何通过对位法技巧来维持结构上的连贯性。 1.2 韦伯恩的“抽象的精确”与音色作为组织原则 安东·韦伯恩（Anton Webern）的工作是理解二十世纪室内乐转向的关键。不同于勋伯格的表达性驱动，韦伯恩追求的是一种高度凝练、几近透明的音乐语言。本书将深入剖析其运用“音色序列”（Klangfarbenmelodie）的早期尝试。我们不涉及他成熟的十二音体系作品，而是聚焦于他如何将音高、节奏、力度和音色视为同等重要的“元素”，以构建精微且极度稀疏的室内乐织体。例如，早期作品中对单个乐器发音瞬间的极端放大，以及乐句的片段化处理，如何共同营造出一种“悬浮”于时间之上的美学体验。 1.3 贝尔格与情感张力的内在化 阿尔班·贝尔格（Alban Berg）是三位“新维也纳乐派”作曲家中，与传统听众联系最为紧密的一位。本章分析其室内乐创作中，如何在无调性或十二音结构（此处仅探讨其早期如何运用和声探索，而非成熟的序列技巧）的骨架下，依然保持了强大的戏剧张力和抒情性。重点在于其对位法处理中的“幽灵调性”——即在看似无调性的和声中，依然能感知到潜藏的、被压抑的调性倾向，这种张力如何服务于其作品的内在心理刻画。 第二章：斯特拉文斯基的“新古典主义”：对巴洛克语法的解构与重构 本章避开斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的俄国时期作品，转而关注他二十年代中期开始的“新古典主义”转向，特别是其在室内乐中的运用。 2.1 节奏的机械化与“非表情化” 斯特拉文斯基对室内乐的贡献在于引入了一种全新的节奏处理方式，即“机械化”的、去个人情感色彩的律动。我们将分析他如何借鉴巴赫和亨德尔的对位手法，但却用高度不规则和非对称的节拍和重音来“扭曲”这些古典形式。例如，在某些倾向于室内乐编制的作品中，如何通过快速的、重复的动机和突然的力度对比，创造出一种类似钟表般精确、却又充满内在冲突的音乐效果。 2.2 乐器组合的实验性 斯特拉文斯基对传统室内乐编制的挑战，体现在他对乐器音色纯粹性的要求。本章将考察他如何利用如单簧管、小提琴与钢琴的特定组合（非传统的弦乐四重奏），并要求演奏者以一种“客观”、“毫不煽情”的方式演奏，从而凸显音符之间的纯粹关系，而非声音本身的渲染力。 第三章：美国先驱者的声音景观：从伊夫斯到哥伦比亚大学学派 3.1 查尔斯·伊夫斯的复调纹理与时间感 查尔斯·伊夫斯（Charles Ives）的工作，虽然在很大程度上独立于欧洲主流，但其对室内乐的影响深远。我们聚焦于他如何在他的室内乐作品中，实验性地运用“复调音乐”（Polytonality）和“复节奏”（Polyphony of Time）。分析其作品中如何将两个或多个完全独立且速度不同的声部并置，从而创造出一种“声音的景观”，模拟现实生活中的听觉经验，而非传统乐章的线性发展。 3.2 亨利·考威尔与乐器技法的拓宽 亨利·考威尔（Henry Cowell）对室内乐的贡献，在于积极拓展了传统乐器的发声潜力。本章将探讨他如何推广“键盘敲击法”（String Piano/Tone Cluster），以及在弦乐作品中，如何要求演奏者直接在琴弦上拨奏或敲击。这些技法直接挑战了演奏者对音色和音高的传统概念，为后来的实验音乐奠定了基础。 第四章：导体与诠释的革命：斯托科夫斯基与大型室内乐的模糊边界 本章关注室内乐体裁在大型管弦乐队中的“放大效应”，以及斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）在这一过程中的角色，尽管他主要以指挥闻名，但他对声音组织的理解深刻影响了二十世纪的室内乐编配思潮。 4.1 斯托科夫斯基对“音响织体”的迷恋 斯托科夫斯基作为一位声音魔术师，其对管弦乐的改编和对新音乐的推广，体现了一种对“音响织体”（Sound Fabric）的极端关注。本章分析其如何在改编中，利用室内乐声部清晰的逻辑，去试验不同乐器群的音色叠加，模糊了传统室内乐的清晰界限。这种对“声音密度”的关注，反过来启发了室内乐作曲家如何用更少的乐器创造出更丰富的音响层次。 4.2 室内乐的“管弦化”趋势的早期萌芽 在这一时期，许多作曲家开始寻求一种既具备室内乐的清晰度和对位密度，又拥有管弦乐的丰富音色潜力的音乐体裁。本章考察那些以“小型合奏”名义创作，却在织体上明显倾向于管弦乐配器的作品，分析它们如何在规模与复杂性之间寻求新的平衡点。 结语：通往未来的声音试验场 二十世纪上半叶的室内乐创作，是一系列勇敢且充满风险的“声音试验”。这些作品往往不追求即时的悦耳感，而是致力于揭示音乐语言的内在潜力与结构的可能性。它们是作曲家们对传统进行解构、并试图在瓦解中建立新秩序的伟大努力。本书旨在为研究者和高级学习者提供一个聚焦于这些“非主流”路径的深入视角，理解这些前卫实践如何为我们今日所熟知的现代室内乐铺平了道路。

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这本《正版勃拉姆斯圆舞曲:Op.39四手联弹(中外文对照)流行钢琴进阶曲谱》的封面设计真是深得我心，那种典雅中带着一丝现代感的排版，立刻就抓住了我的注意力。我一直对古典音乐改编的流行乐谱情有独钟，因为总觉得古典的严谨结构能让流行旋律焕发出不一样的光彩。拿到手后，我迫不及待地翻开，首先映入眼帘的是清晰的印刷质量，谱号和音符的线条都非常锐利，这对于我们这些需要精确辨识每一个细节的演奏者来说，简直是福音。更别提那中外文对照的排版，对于我这种需要时不时对照原文来理解作曲家意图的人来说，简直是救命稻草。它不仅仅是一本练习曲集，更像是一本精心装帧的艺术品，摆在我的钢琴边，都能提升整个房间的格调。那种沉甸甸的纸张质感，也让人感觉物有所值，而不是那种一翻就烂的廉价纸张。我能感受到出版方在选材和制作上的用心良苦，这绝不是随便印印就拿出来糊弄人的产物。

评分☆☆☆☆☆

我最近刚完成了一套挺有难度的肖邦练习曲，正愁下一本该选什么来放松一下，同时又不失技巧提升的曲目。在朋友的推荐下，我选择了这本关于勃拉姆斯圆舞曲的四手联弹谱。说实话，勃拉姆斯对我来说一直带着一种恰到好处的距离感，既有德奥体系的深度，又不至于像巴赫那样让人望而生畏。而四手联弹的编制，更是为我打开了一个全新的音乐世界。我立刻拉上我的琴伴试弹了几首，发现编排的难度梯度非常合理，从第一首相对平缓的入门曲到后面几首需要精确配合与灵活性处理的段落，过渡得非常自然流畅。我们俩一边弹，一边忍不住对视微笑，那种四只手在同一个键盘上交织出和谐乐章的体验，是独奏时无法比拟的默契考验和情感共鸣。这本书的价值，就在于它提供了一个绝佳的平台，让音乐不再是孤立的个体表达，而成为一种深入的对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余钢琴爱好者，我最大的痛点之一就是乐谱的“可操作性”。很多所谓的“进阶曲谱”，其实难度曲线陡峭得吓人，要么就是排版拥挤到让人分不清上下行声部，要么就是指法建议含糊不清。然而，这本书在这一点上做得非常出色。首先，它的开本尺寸掌握得恰到好处，既能容纳完整的五线谱，又方便放在钢琴架上阅读，不至于频繁翻页中断演奏的连贯性。更让我惊喜的是，它对一些技术难点部分的注释，虽然是中外文对照，但重点突出了演奏时的呼吸感和重音处理，而非仅仅是枯燥的指位标记。这对于我们这些“自学成才”的群体来说，无疑是找到了一个高水平的“隐形导师”。它教会的不仅是“如何弹对音符”，更是“如何将音乐弹活”。我特别喜欢其中几首曲目中对踏板使用的细致说明，那简直就是神来之笔，让原本略显厚重的和声变得轻盈起来。

评分☆☆☆☆☆

我对曲谱的“收藏价值”也有一定的要求。毕竟，好的音乐作品值得被以最好的形式保存。这本书的装帧设计，尤其是封面材质，给人一种非常耐用且典雅的感觉，即使是经常翻阅，也不会轻易出现折痕或脱页的风险。从内容深度来说，Op.39本身就是勃拉姆斯室内乐作品中的经典片段，用四手联弹的形式呈现，极大地拓宽了它的应用场景。我注意到，乐谱中对一些历史背景和创作意图的简短介绍，虽然篇幅不长，但信息密度很高，为演奏者提供了理解音乐深层情感的钥匙。我常常在弹奏之前，花几分钟时间阅读这些文字，然后再回到乐谱上，会发现自己对旋律的处理方式都有了微妙的改变——那不再是机械的复制，而是一种有意识的情感投射。这种“乐谱+背景知识”的结合方式，是很多普通教材所欠缺的。

评分☆☆☆☆☆

购买这本《正版勃拉姆斯圆舞曲:Op.39四手联弹(中外文对照)流行钢琴进阶曲谱》的过程，更像是一次充满期待的寻宝之旅。我之前尝试过网络上流传的一些非官方版本，结果不是缺页就是音符模糊不清，弹起来体验极差。这次选择正版，真的是做了正确的决定。它所带来的稳定感和权威性，是任何盗版资源都无法比拟的。特别是四手联弹的声部平衡处理上，这本书的编辑显然下足了功夫，确保了两位演奏者都能在各自的声部中找到清晰的旋律线，避免了以往合奏时经常出现的“声部打架”现象。我个人认为，对于想要从初级独奏迈向高阶合作学习的琴友们，这本书是一个完美的桥梁。它既保持了勃拉姆斯作品原有的浪漫主义色彩和德奥式的精致，又通过四手联弹的形式，赋予了流行钢琴学习者一种全新的、富有社交性和互动性的音乐体验，让人在提升技艺的同时，收获了更多演奏的乐趣和成就感。