正版车尔尼钢琴流畅练习曲作品849教学与弹奏指导书籍 钢琴教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103034965

商品编码：29867168010

丛书名： 车尔尼钢琴流畅练习曲作品849 教学与弹奏指

开本：32开

出版时间：2008-10-01

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价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

车尔尼钢琴流畅练习曲作品849教学与弹奏指导》内容简介：车尔尼是贝多芬得意的学生，又是李斯特的老师。由于他所处的时代，使得他的作品既继承了古典主义的传统，又和浪漫主义有密切的联系。车尔尼的有些练习曲，甚至可以说是为学习浪漫派作品做准备的练习曲。因此，学习车尔尼练习曲，不论对演奏古典主义的还是浪漫主义时期的钢琴作品，都有很大的帮助。 《车尔尼钢琴流畅练习曲》(作品849)是一本钢琴学习的初级教材，它有一个很重要的特点，即每一首练习曲都有一个明确的技术课题，所以教材的系统性比较强。

 

深入探索钢琴演奏的奥秘：精选教材与技巧提升指南 本套图书旨在为不同阶段的钢琴学习者提供全面、系统且富有洞察力的指导，专注于钢琴演奏技巧的精进、音乐理解的深化以及舞台表现力的培养。我们精选了一系列经典与现代的教学资源，辅以详尽的演奏分析和练习方法，助您突破瓶颈，实现演奏水平的质的飞跃。 第一部分：基础技法精要与专项突破 本部分汇集了钢琴学习初期至中级阶段所需掌握的核心技术。我们摒弃了简单罗列音阶和琶音的传统模式，转而采用更注重“效率”和“音乐性”的训练方法。 一、手指独立性与均匀性强化训练： 我们引入了基于“微动能”原理的指法训练体系。这套体系着重于提升单个手指在跨越不同重量和阻力时的稳定性与控制力。书中包含了大量由专业演奏家和教育家改编的“非对称性”练习，这些练习并非传统的等时值练习，而是模拟真实音乐片段中常见的、需要极高手指独立性的不均匀力度分配场景。例如，针对三对指（2-3-4）的交替和弦连接，我们提供了“阻尼触键法”的详细图解和视频参考（此处指书籍中包含的配套资源），旨在解决手指僵硬和音色颗粒感不足的问题。此外，对指和穿指的练习不再是简单的速度挑战，而是聚焦于“平稳过渡”，强调在快速跑动中保持音高位置的精确性和触键深度的统一性。 二、手腕与手臂的协调运用： 钢琴演奏的力度和色彩变化，根源在于手臂的放松与传导。本书深入剖析了“重力释放”与“弹性支撑”两大核心概念。通过对“垂直落键”和“水平移动”的精细区分，指导学习者如何利用手臂的自然重量而非蛮力去驱动手指。书中详尽介绍了“八度连奏中的手腕旋转技巧”，特别是针对浪漫主义时期作品中频繁出现的宽广八度，我们提供了“仿生学”角度分析的手腕活动轨迹，确保连奏的流畅性与音色的饱满度，避免因手腕锁定导致的噪音和疲劳。 三、触键的维度分析： 触键不仅仅是按下去，更是一种与琴弦的对话。本部分细致划分了五种主要的触键类型：“深埋式（Staccato Profundo）”、“悬浮式（Legato Aereo）”、“击打式（Percussivo）”、“揉搓式（Friction Touch）”。针对每一种触键，我们详细描述了指尖的形态、触键的角度、以及与键盘的接触时间。例如，在演奏德彪西或拉威尔的作品时，如何运用“指尖的微小摩擦”来制造出“珍珠般”的透明音色，而非简单的快速敲击。 --- 第二部分：古典、浪漫与现代作品的演奏解析 本部分着眼于拓宽学习者的曲目视野，并提供深入的音乐学与演奏实践结合的指导。 一、巴赫作品的结构与织体处理： 我们摒弃了将巴赫视为纯粹技巧练习的观点，强调其“复调的逻辑性”。书中对《平均律键盘曲集》和《法国组曲》进行了细致的织体分离训练。核心在于“声部线条的独立呼吸”。我们提供了一种“听觉分层法”，即要求学习者在弹奏时，将注意力在不同的声部之间进行有意识的切换，以确保高声部、中声部和低声部的对比度与清晰度。对于对位法的处理，我们重点探讨了“主题再现时的动态标记”，强调如何在不破坏整体结构的前提下，突出主题的“个性”。 二、奏鸣曲的结构思维与戏剧性表达： 针对海顿、莫扎特、贝多芬的奏鸣曲，本书强调“建筑感”和“叙事性”。我们提供了针对奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的“结构导向练习法”，帮助演奏者理解为什么在某个特定的调性转折点需要施加特定的力度或速度变化。例如，在贝多芬的奏鸣曲中，我们详细分析了“突变和弦（Sudden Chord Shifts）”的处理，这要求演奏者在极短的时间内完成情感的急剧转变，对心理控制和指力瞬间释放的要求极高。 三、肖邦与李斯特：情感的自由与节奏的精确： 浪漫主义的魅力在于其情感的广阔性，但这种自由必须建立在坚实的技术基础之上。在肖邦的夜曲和圆舞曲中，我们重点探讨“旋律的歌唱性（Cantabile）”与“伴奏的流动性”之间的平衡。我们引入了“弹性速度标记（Tempo Rubato Reinterpretato）”，指导学习者如何实现“左手节奏的稳定”与“右手旋律的自由”之间的完美张力。对于李斯特的炫技作品，我们关注的焦点是“技术为音乐服务的原则”，提供了克服颤音、快速琶音和和弦分解中手部紧张的独特放松技巧。 --- 第三部分：高效练习策略与演奏心理调适 成功的演奏不仅依赖于练习时长，更依赖于练习的质量与方法。 一、碎片化练习的效能最大化： 本书系统地介绍了“微循环练习法”，即如何将一个难以攻克的乐句分解成若干个2-4拍的“微单元”，并在不同的节奏、力度下反复练习，直到每个单元都形成肌肉记忆。我们强调“反向练习法”（从乐句末尾向前推导）在解决技术难点时的奇效。同时，书中详细指导了如何利用录音和回放来客观地自我诊断，“听觉监控”是提升演奏准确性的关键步骤。 二、节奏的精确定位与内化： 节奏的模糊是许多中高级学习者的通病。我们提供了“节拍器多点定位法”，要求学习者不仅在强拍上对准节拍器，更要在弱拍和弱起处也进行校准，从而建立起精确的内部时钟。对于复节奏（如3对2、4对3），我们提供了“交替强调法”，通过交替强调不同声部的拍点来确保其并行不悖。 三、舞台焦虑的管理与能量转化： 演奏前的紧张感是普遍存在的。本部分侧重于“认知行为重塑（CBR）”在音乐演奏中的应用。我们提供了一套完整的“赛前仪式”指南，包括视觉化排练、呼吸控制技巧（特别是腹式呼吸在舞台上的应用），以及如何将肾上腺素驱动的紧张感转化为集中的表演能量。书中还探讨了“非完美主义者的心态建立”，鼓励学习者将舞台视为一个展示学习成果而非接受审判的场所，从而减轻心理负担，实现更自然、更具感染力的演奏。 这套书籍是为追求卓越的钢琴学习者量身打造的工具箱，它不仅提供了“弹什么”，更深入地阐释了“如何弹得更好”、“如何理解音乐的深层含义”以及“如何成为一个更加成熟的音乐家”。

评分☆☆☆☆☆

从一个音乐教育者的角度来看待这本教材，我发现它在技术训练体系的构建上，有着非常扎实的古典音乐功底。它没有盲目追求炫技，而是将大量的精力放在了解决“技术障碍”的根本原因上，而不是仅仅停留在“解决表象问题”。例如，它在探讨手指的“独立性”时，不仅要求指尖触键有力，还深入讲解了掌关节和腕关节的协同运动，甚至还引入了如何利用身体的重量来辅助发力，这在许多普通的练习曲教材中是极其罕见的深入探讨。我特别欣赏它在处理一些连续快速的音程跳跃时提供的预备练习，那些练习看似简单，实则是在训练大脑对空间位置的精准预判，这对于提升演奏的“预见性”至关重要。我将书中的一些练习融入到了我给其他学生上的课中，反馈都非常好，学生们普遍反映，通过这些专门设计的片段练习，他们发现自己对曲目中更复杂的技巧部分也更有把握了。这本书无疑是近年来钢琴教材领域中，一本非常具有深度和前瞻性的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也让我非常满意，这对于需要反复翻阅和长时间使用的教材来说太重要了。很多教材用几次就觉得书页快要散架了，但这本的骑马钉装订非常牢固，即便是经常摊开在琴凳上，也丝毫没有松动。更重要的是，纸张的颜色处理得非常好，不是那种刺眼的亮白，而是略微偏黄的米白色，长时间对着谱子看下来，眼睛不容易干涩和疲劳，这对那些需要长时间练习的演奏者来说，是一个不可忽视的舒适度考量。在内容呈现上，作者对于不同演奏版本的细微差别也有所涉猎，这对于希望追求更高艺术境界的进阶学习者来说，提供了额外的参考维度。比如，对于某些重复段落的处理，它会建议不同的力度或速度变化，以避免听觉上的单调，这种对音乐表现力层次感的引导，远超出了基础技术练习的范畴。总而言之，从实用性、教育深度到物理耐用性，这本书都体现了极高的专业水准和对学习者体验的关怀。

评分☆☆☆☆☆

对于我的孩子来说，这本书简直是“救命稻草”。她今年刚开始接触考级曲目，正处于技术基础定型的关键时期，但她总是抱怨手指跑不快，或者在快速段落中总是出错。我给她找过很多不同版本的练习曲，但大多都是成人向的，语言和讲解的深度对她来说太抽象了。这本教材的语言风格明显更偏向于青少年的接受程度，它用了很多生动活泼的例子来解释抽象的音乐概念。比如，在讲解如何保持均匀的音色时，它把手指比作“小雨点”，要求雨点落在钢琴上时大小要一致，这个画面感极强，孩子一下子就明白了力度控制的重要性。而且，书中的练习曲目本身难度分级做得非常清晰，每一组练习都有明确的学习目标和预期达成的效果。孩子可以根据自己的进度来选择，既不会因为太简单而觉得无聊，也不会因为太难而产生畏难情绪。看到她现在能充满自信地去练习那些曾经让她头疼的快速音群，那种欣慰感是无法用言语表达的。这套教材真正做到了寓教于乐，让枯燥的指法训练变得充满乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书，坦率地说，对我这个已经弹了有段时间的业余钢琴爱好者来说，简直就是一场及时雨。我过去总是在一些技术瓶颈上徘徊不前，手指的独立性总是不够灵活，力度控制也时好时坏。市面上很多教材要么过于侧重理论讲解，枯燥乏味，要么就是纯粹的曲目堆砌，缺乏深入的指导。而这本，它真正做到了“教学与弹奏指导”的结合。它不像那种冷冰冰的练习册，而是像一位经验丰富的老教师在你身边手把手地教你。尤其是对一些看似简单的音阶和琶音的练习，它会非常细致地分析我们常犯的错误，比如手腕僵硬、触键深度不够等等，并提供针对性的解决方案。我特别喜欢它在讲解如何处理连奏和断奏时的比喻，非常形象，让我一下子就明白了那种音乐上的“呼吸感”。通过一段时间的练习，我明显感觉到自己的演奏流畅度有了质的飞跃，不再是机械地移动手指，而是开始真正理解和表达音乐的内涵。这本书的排版也很人性化，重点内容用不同的颜色或字体标出，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。总之，对于那些希望把技术练习转化为真正音乐表现力的演奏者来说，这本书绝对是值得珍藏的宝典。

评分☆☆☆☆☆

我记得当初买这本书的时候，其实是抱着试试看的心态的，因为我对所谓的“流畅练习曲”系列一直持保留态度，总觉得它们更像是为了应付考试而存在的“工具书”。然而，这本书完全颠覆了我的固有印象。它的编排逻辑极其严密，从基础的指法预备练习，到复杂的跨越和声部交织，每一步的递进都设计得非常巧妙，让人感觉每攻克一个难关，自己的技术层面都在稳步提升。我尤其欣赏它对节奏稳定性的强调，这往往是业余学习者最容易忽略但对流畅性影响最大的因素。书中专门开辟了一章来讨论如何使用节拍器进行“弹性练习”，而不是那种死板的固定速度练习，这个思路非常开阔。更让我惊喜的是，它在曲谱旁边标注了许多演奏家在处理特定乐句时可能会采用的指位微调建议，这些细微的差别，恰恰是区分“弹得对”和“弹得好听”的关键。我尝试着按照那些建议调整了几个我练习了很久都觉得别扭的段落，效果立竿见影，那种卡顿感瞬间消失了，取而代之的是一种水银泻地般的顺滑感。这本书不只是教你“怎么弹”，更教你“怎么思考”你在弹奏时的身体和手指的协调性。