正版中国风格新编钢琴曲集华敏西南师范大学出版社9787562151845 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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华敏，康和 编

图书标签:

• 钢琴曲
• 中国风
• 新编钢琴曲
• 华敏
• 西南师范大学出版社
• 9787562151845
• 教材
• 练习
• 艺术类
• 音乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562151845

商品编码：29859846732

页数：91

图书基本信息
书名：	中国风格新编钢琴曲集
丛书名：	中国民族音乐钢琴之旅
作者/主编：	华敏  康和
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562151845
出版年份：	2011年

版次：	第1版
总页数：	91页
开本：	1/8
图书定价：	26.00元
实际重量：	363g
新旧程度：	正版全新

华敏 现任深圳大学师范学院艺术系副主任，深圳市音乐家协会副主席，深圳市钢琴学会副会长。曾担任深圳大学艺术与设计学院副院长。 从事高等院校音乐教育工作近30年，先后在《钢琴艺术》、《南京艺术学院学报》、《艺术百翱、《艺术教育》等*、省市级刊物上发表数十篇论文，出版发行音乐书籍三本。2004年获深圳大学教师称号等。 担任历届中国音乐家协会考级评委：历届各类钢琴比赛评委：深圳市中、小学艺术展演比赛评委；深圳市各类合唱节比赛评委；深圳校际艺术比赛评委等。担任广东省历届高校音乐术科考试考官及负责人。

一、渔舟唱晚(根据同名古筝曲与小提琴曲改编)二、苏三起解(根据中国京剧唱段改编)三、刮地风(根据中国甘肃省同名民歌改编创作)四、游弦三则(三六根据中国北方戏曲秦腔的主奏乐器板胡即兴曲调创作)五、游弦三则(二)(根据中国北方戏曲秦腔的吹奏乐器梆笛即兴曲调创作)六、游弦三则(三)(根据中国甘肃省地方戏曲陇剧核心曲调创作)七、踏青(中国秦陇风格)八、春天未了(中国汉族五声宫调风格)九、京调小赋格(中国京剧风格主题)十、D商调小赋格(中国西北秦陇民歌风格主题)十一、古城掠影(中国西北秦陇民歌风)十二、货郎与儿童(中国西北秦陇民歌风)十三、刨洋芋(根据中国山西同名民歌改编)十四、五个背景中的茉莉花(根据同名江苏民歌改编创作)

《中国风格新编钢琴曲(集)(附盘)》，本书包括渔舟唱晚、苏三起解、刮地风等钢琴曲。

《律动与和声的交响：二十世纪西方钢琴音乐的探索与创新》 一部深度剖析二十世纪以来西方钢琴音乐发展脉络的权威著作，旨在梳理和解读那些塑造了当代钢琴演奏与创作格局的里程碑式作品与作曲家思想。 本书超越了传统的音乐史叙述框架，以问题为导向，深入探讨了在技术飞跃、社会变革以及音乐思潮剧烈碰撞的背景下，钢琴这一乐器如何被重新定义、拓展和挑战。从德彪西印象主义的色彩革命，到斯特拉文斯基新古典主义的结构回归，再到勋伯格十二音体系的理性构建，直至后来的序列主义、偶然音乐、极简主义等激进探索，本书为读者提供了一张详尽的“声音地图”。 第一部分：印象、象征与对传统的瓦解（约1900-1930） 本部分聚焦于世纪之交的变革力量。德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）如何利用和声的模糊性、节奏的自由化以及对音色的精妙处理，将听觉体验引向了绘画和诗歌的境界？本书细致分析了《意象集》和《镜子》中对踏板的创新性使用，以及如何在看似随性的织体中隐藏着精密的结构逻辑。 同时，我们也考察了俄罗斯作曲家（如拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾）在浪漫主义遗绪中的晚期辉煌，以及他们对键盘表现力的极限挖掘。重点章节将对比分析拉威尔对西班牙异域情调的运用（如《加斯帕之夜》）与他日后回归莫扎特式清晰的倾向，揭示作曲家在个人风格与时代潮流间的张力。 第二部分：理性与非理性之间——现代主义的两次浪潮（约1920-1950） 二十世纪上半叶是西方音乐史上最为动荡和富有实验性的时期之一。本部分将核心置于新古典主义（Neoclassicism）与第二维也纳乐派（Second Viennese School）的对决与融合之上。 新古典主义的回归与解构： 斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）如何通过对巴赫与莫扎特语汇的挪用与扭曲，创造出一种既熟悉又陌生的“音响拼贴”？本书详述了其钢琴作品中独特的节奏驱动力与功能和声的瓦解过程。普朗克（Francis Poulenc）和格里格（Sergei Prokofiev）在保持民族特色的同时，如何将尖锐的对比和讽刺注入键盘音乐，使之贴近生活。 序列主义的诞生： 勋伯格（Arnold Schoenberg）的十二音技法并非单纯的“反旋律”，而是一种基于数学和逻辑的全新组织原则。本书将用大量的乐谱实例，清晰阐释了“音列”的横向与纵向组合，以及韦伯恩（Anton Webern）如何将这种严谨性推向极致，直至作品的“原子化”。这种对传统调性观念的彻底颠覆，为后来的先锋派奠定了方法论基础。 第三部分：战后声音的拓展——实验与边界的消融（约1950-1970） 二战的阴影催生了对过往一切美学的反思，钢琴音乐进入了一个前所未有的实验高峰期。 声音的解放： 本部分重点分析了梅西安（Olivier Messiaen）对色彩和节奏的深入研究。《钢琴曲集》和《二十首圣歌》展示了作曲家如何融合印度节奏、鸟鸣模仿以及天主教神学，创造出具有强悍冥想力量的键盘作品。 偶然音乐的引入： 约翰·凯奇（John Cage）的工作是理解战后音乐的关键。本书详尽考察了《4分33秒》背后的哲学理念——将环境噪音纳入音乐范畴。对于钢琴作品，如《变化》（Variations）系列，如何通过概率和随机过程来决定音高、时值和力度，彻底颠覆了作曲家对作品的绝对控制权。 对乐器本身的再利用： 亨策（Hans Werner Henze）和布列兹（Pierre Boulez）的作品中，钢琴不再仅仅是演奏传统符号的载体，而是被要求发出“非钢琴”的声音——敲击琴弦、使用延长踏板制造共鸣，甚至演奏时对琴弦施加物理压力。 第四部分：回归与多元化——后现代语境下的键盘艺术（约1970至今） 随着先锋激进主义的退潮，当代钢琴音乐呈现出极大的多元化特征，作曲家开始在不同的历史语汇中寻找灵感。 极简主义的回响： 菲利普·格拉斯（Philip Glass）和史蒂夫·赖克（Steve Reich）如何通过过程音乐（Process Music）和简约的材料，在重复中产生复杂的听觉幻觉？本书分析了钢琴在这些作品中作为“节拍器”和“色彩生成器”的角色。 新浪漫主义的复兴： 一些作曲家，如格鲁吉亚的阿尔沃·帕特（Arvo Pärt），虽然不完全是钢琴家，但其“极简的纯净性”（Tintinnabuli）风格对键盘音乐产生了深远影响。分析这些作品如何利用声部间的纯净关系，重建一种内省的、精神性的听觉空间。 演奏技艺的新要求： 总结了二十世纪以来，钢琴家所面临的技能挑战——从对速度和精度的极限要求，到对噪音和即兴表达的理解，再到对电子媒介（如实时处理）的整合能力。 本书特色： 深入的文本分析： 摒弃宽泛的概述，选取了每个时期最具代表性的五到七部钢琴作品进行微观解析。 演奏家的视角： 特别关注了特定技术（如多音演奏、延音踏板的极限使用）对音乐诠释的影响。 历史语境的构建： 将钢琴音乐的发展置于两次世界大战、冷战、技术革命以及哲学思潮的宏大背景下进行阐释。 本书适合高等音乐院校的师生、钢琴演奏者、音乐学研究人员，以及所有希望系统性了解二十世纪西方音乐“声音革命”的听众。它不仅仅是一部音乐史，更是一次关于听觉可能性边界的哲学思辨之旅。

评分☆☆☆☆☆

这套曲集最让我惊喜的一点是，它并非仅仅停留在“弹奏”的层面，更像是提供了一扇理解中国音乐审美哲学的窗口。比如，某些乐段对踏板的运用要求极高，必须精确控制，才能烘托出那种“空灵”或“悠远”的意境，这本身就是在训练演奏者对声音色彩的敏感度。又比如，有些地方对力度层次的对比要求极细微，体现了中国传统艺术中“藏而不露”的含蓄美感。我感觉，如果能把这里面的曲子都吃透，不仅钢琴技巧会得到极大的锻炼，更重要的是，对音乐中“意境”的理解也会提升一个档次。这已经超越了一本普通的教材或曲谱的范畴，更像是一份珍贵的艺术教材。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本曲集在细节处理上的一些小巧思，比如某些乐曲的引子或尾声，编者似乎特别注重营造一种“画面感”，好像真的能透过音符看到水墨晕染开来的景象，或是感受到丝竹乐器轻微的颤动。在技术层面，它巧妙地避开了很多西方作品中常见的固定指型练习的套路，转而发展出更符合亚洲人手指习惯且更具旋律性的跑动和和弦配置，这让弹奏起来感觉更加顺手和自然，仿佛是为我们的手指“量身定做”的一般。总而言之，它成功地将民族文化的深厚底蕴，用现代钢琴演奏的语汇进行了高质量的转译，不落俗套，既有学术的严谨，又不失大众的亲和力，是值得反复品味和长期练习的一部佳作。

评分☆☆☆☆☆

我接触过不少号称“中国风”的钢琴曲集，很多要么是生硬地将民乐旋律套在钢琴上，要么就是过度矫饰，失去了原有的神韵。但这本书给我的感觉完全不同，它仿佛是用一种非常细腻、充满敬畏的心态去重新诠释了民族音乐的精髓。从我试弹的几首曲子来看，那些旋律线条的流畅度和和声的运用，都显示出作者深厚的古典音乐功底，同时又巧妙地融入了我们熟悉的五声调式和特有的节奏型，听起来既熟悉又新鲜。它不是简单的模仿，而是一种融合与升华，让钢琴这件西方乐器，也能唱出东方特有的婉转和深沉。对于希望提升自己演奏“中国作品”表现力的乐手来说，这本书无疑提供了一个极高的参考标准和极佳的练习素材，它要求演奏者不仅要弹准音符，更要弹出“味道”。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种素雅的中国风，不张扬却很有韵味，一下子就把人带入了一种宁静而典雅的氛围。内页的纸张质感也相当不错，印刷清晰，五线谱和指法标记都标注得非常清楚，这对于我们这些在练习新曲目时特别注重细节的演奏者来说，简直是福音。我尤其欣赏它在排版上下的功夫，合理的留白让乐谱看起来不那么拥挤，即便是复杂的乐段，也能让人一目了然，减少了阅读时的疲劳感。而且，从目录就能看出选曲的用心良苦，每一首都像是精心挑选过的宝石，既有传统韵味的沉淀，又不失现代编曲的活力，看得出编者在平衡艺术性和实用性方面下了不少功夫。我迫不及待地想试弹几首，相信这样的精心制作，能为我的练习带来全新的体验和更高的效率。

评分☆☆☆☆☆

说实话，作为一名业余爱好者，我最怕的就是那种难度跨度太大，或者完全不考虑学习者进度的曲集。但这本曲集在难度递进上做得非常平滑自然。最开始的几首曲子，和声进行相对简单，节奏也比较工整，很适合初学者建立信心和熟悉风格；而越往后，编曲的层次感和技巧要求也随之提升，比如复杂的复调处理、更宽广的音域使用，以及需要更精细触键控制的段落，都在逐步挑战你的技艺。这种循序渐进的设计，让学习者可以伴随着曲集的推进，稳步提升自己的演奏能力，而不是被突如其来的高难度吓退。对于自学或者需要系统性练习的琴童家长来说，这个设计简直太贴心了，它提供了一个清晰可见的进步路径。