勋伯格和声学罗忠镕上海音乐出版社正版全新音乐教材9787807510567 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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阿诺德.勋伯格 著

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• 勋伯格
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• 罗忠镕
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• 音乐专业
• 9787807510567
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807510567

商品编码：29859846733

页数：251

图书基本信息
书名：	勋伯格和声学
作者/主编：	【奥】阿诺德.勋伯格 罗忠镕
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807510567
出版年份：	2007年

版次：	第1版
总页数：	251页
开本：	1/16
图书定价：	35.00元
实际重量：	340g
新旧程度：	正版全新

编辑《勋伯格和声学》由上海音乐出版社出版。 作者简介作者：（奥地利）阿诺德·勋伯格 译者：罗忠镕

序言 英译者序 勋伯格 章 大调音阶的自然音和弦 和弦的排列 音阶的正三和弦和副三和弦的连接 把音阶上的正三和弦和副三和弦连接成短句 Ⅶ级上的三和弦 三和弦的转位 六和弦 平行八度和五度 使用六和弦的三和弦连接 六四和弦 七和弦 七和弦的转位 连续七和弦的连接 第二章 小调调式 小调中的自然音_一和弦 小调中三和弦的转位 小调中的七和弦及其转位 第三章 没有共同音的和弦的连接 第四章 关于获得较好和声进行的一些提示；关于两个外声部旋律的处理；关于结束、终止式、伪终止式以及终止六四和弦 指导规则 结束与终止式 伪终止式 终止式中的六四和弦 第五章 大调和小调中，VII较自由的处理 第六章 转调 第七章 来自教会调式的副属和弦和其他非自然音和弦 指导规则 减七和弦 指导规则 第八章 节奏与和声 第九章 转调，续 向第三和第四个上五度循环调的转调 向第三和第四个下五度循环凋的转调 第十章 小下属关系 指导规则 第十一章 在调性的边缘 增三和弦 增六五、增四三、增二与增六和弦，以及其他一些游移和弦 第十二章 通过连续步骤和中间调向第Ⅱ、第Ⅴ和第Ⅵ循环五度，并到第Ⅶ和第Ⅷ循环五度，以及到关系更近的循环五度调的转调 相隔五个和六个五度的调 第十三章 为圣咏配和声 终止式 第十四章 和声外音 留音，经过音，换音，先现音 第十五章 对九和弦的一些观察 第十六章 扩大这个体系的一些增补的观念 三和弦、七和弦及几和弦的变化 存熟悉的和声进行中省略一些环节的简化进行 三和弦与其他所有三和弦、所有七和弦连接，所有七和弦相互连接 几个其他的问题：七度音上行的可能性；减L和弦的低音；莫扎特和弦；八部和弦 增补几种转调设计 几个附加的细节 第十七章 全音音阶及其五音和六音和弦 第十八章 四度叠置的和弦 索引 译后记（罗忠镕）

《勋伯格和声学》是一本世界名著，如今个中译本终于出书，一提起阿诺德·勋伯格，便自然想到“十二音体系”，但这却并非“十二音体系”的论述。《勋伯格和声学》是一本传统的、基础的和声学，勋伯格正是以此培养出阿尔班—贝尔格、安东—韦伯恩大师这样的高徒，勋伯格在这里不是让学生“配和声”而是“写和声”，他的主要目的是给学生打下基本的基础，只要这个基础坚实稳固。在上面盖出的高楼大厦何愁不能烁今震古，如今，我们的主要目的虽然是创作现代音乐，但学习传统却是通往现代音乐的必经之途。

探索音乐的结构与未来：一部关于现代和声与作曲技法的深度剖析 本书是一部旨在为音乐学习者、作曲家及理论研究者提供深入理解现代和声语言和新兴作曲技法的专著。它并非对特定时期或流派进行简单的历史回顾，而是致力于解析那些超越传统调性框架，塑造了二十世纪及二十一世纪音乐面貌的核心概念与实践工具。 全书的结构围绕着对“和声”这一核心音乐要素在后调性时代中的演变与重构展开。我们摒弃了对传统功能和声的复述，转而将焦点置于声音的组织逻辑、音响空间的拓展，以及作曲家如何通过系统化的方法来构建新的音乐结构。 第一部分：调性边界的消解与音高集合的重建 本部分首先探讨了二十世纪初，随着浪漫主义晚期和声语言的饱和，音乐家们如何系统性地“解放”了音高。 第一章：十二音体系的逻辑基础与实践 本章细致考察了由勋伯格奠定的十二音技法的内在逻辑。我们不仅仅描述了如何构建音列，更深入分析了音列在不同维度上的操作可能性：转位、逆行、逆行转位，以及这些操作如何影响音乐的内在连贯性与结构对称性。讨论将延伸至音列的“平衡性”与“音色潜力”的评估，强调音列作为音乐“种子”的能动作用，而非仅仅是一种限制。重点分析了如何利用音列的特定子集构建出具有鲜明色彩的“和弦群”，这些和弦群在功能上取代了传统的大小调和弦。 第二章：非调性音高集合理论 在超越十二音体系的领域，本章引入了更广义的音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）。我们详细阐释了集合的“等级”（Class）、“等价性”（Equivalence）以及“特质”（Attributes），如对数（Interval Content）和不协和性指标。通过对Rahn和Forte等理论家的工作进行梳理，本书旨在教会读者如何系统地分析那些无明确调性中心的音乐片段，理解其内部的数学美感和内在组织原则。分析将涵盖音组的划分、音组类（Set Classes）的识别，以及它们在一部作品中如何通过组合、叠加或转换来构建宏大的结构。 第三章：音高类组合的色彩学 本章关注音高集合的听觉感知效果。不同集合的组合会产生截然不同的“色彩感”或“张力”。我们探讨了如何通过控制集合中特定音程（尤其是三度、四度和七度音程）的密度和分布，来操纵听者的心理预期。这部分内容结合了声学物理学原理，解释了为何某些集合听起来“开放”，而另一些则显得“拥挤”或“尖锐”。 第二部分：节奏、密度与时空感的重塑 现代和声的变革必然伴随着对时间组织方式的颠覆。本部分关注如何通过非周期性的节奏结构和多重时间层级来构建新的音乐形体。 第四章：复杂节奏结构与计量单位的解构 本书探讨了复合节拍、不规则的节奏型以及在同一时间轴上叠加多个不同速度（Polyrhythm/Polymeter）的技法。我们分析了如何利用非对称的节拍划分（如5/8、11/16）来打破传统四四拍的惯性，并研究了“运动”与“静止”在节奏层次上的辩证关系。此外，还涵盖了“时间密度”的概念，即单位时间内信息的饱和度如何影响听众对作品速度的感知。 第五章：非线性时间叙事 不同于传统音乐的线性发展模式，许多现代作品倾向于建立一种“空间化”或“静态化”的时间体验。本章分析了如“音块”（Sound Mass）和“声场音乐”等概念，它们如何通过大面积的声响纹理来代替传统的旋律动机发展。探讨了循环结构（Cyclic Structures）的运用，以及如何通过模糊的起止点来制造一种永恒或无限循环的听觉幻觉。 第三部分：对传统要素的极端化处理与新技法集成 在理解了音高和时间的新逻辑后，本部分聚焦于如何将这些新原则应用于对传统音乐要素的“极端化”处理，并介绍二十世纪中后期发展出的特定作曲技术。 第六章：无功能和声与音块理论 本章深入探讨了“音块”（Klangfarbenmelodie的延伸）的构成。这不仅仅是音色的组合，更是将和声视为一种物理实体——一种具有厚度、重量和纹理的“声学建筑”。我们分析了如何通过精确控制管弦乐中各声部的微小动态差异和音色过渡，来“雕刻”出具有明确空间位置的音块，从而使和声不再是旋律的伴随，而是结构本身。 第七章：概率与随机性的介入 本书详尽考察了机遇音乐（Aleatoric Music）的理论基础及其在实际创作中的应用。讨论将区分“弱随机性”（如乐器选择的微小变化）和“强随机性”（如演奏者对音高、节奏的完全自主决定）。我们着重分析了作曲家如何设计“框架”来规范随机过程，确保最终结果在听觉上保持一定的可控性和艺术相关性，避免陷入纯粹的噪音集合。 第八章：电子媒介与声音的物理扩展 最后一部分将视角投向了声学领域的物理极限之外。本章介绍了如何利用电子合成技术（如波表合成、频率调制）来创造传统乐器无法触及的音高和泛音结构。讨论了微分音（Microtones）在电子音乐中的精确实现，以及如何使用数字信号处理（DSP）技术来操控声音的形态、空间感和瞬态响应，从而极大地扩展了和声语言的表达范围。 结语：走向未知的听觉景观 全书在总结部分将回顾上述所有技法如何相互交织，共同构建出我们今日所听到的当代音乐图景。它旨在激发读者超越现有的技术束缚，以更开放、更系统化的思维去面对未来的音乐创作挑战。 本书配有大量的乐例分析，引用了二十世纪多位大师作品中具有里程碑意义的片段，旨在提供理论指导与实际操作之间的桥梁。它要求读者具备一定的基础和声学知识，但其核心目标是引导读者建立起一套属于自己的、能够应对复杂听觉世界的现代和声分析与创作方法论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量实在让人眼前一亮，纸张手感厚实，印刷清晰度极高，即便是乐谱上的细微记号也能看得一清二楚，这对于我们这些经常需要对着谱子研究很久的乐理学习者来说，简直是福音。我尤其欣赏出版社在细节处理上的用心，比如装订线的设计，翻阅时非常平顺，完全不用担心书页会松脱或者折痕难看。而且，上海音乐出版社的出品，本身就代表了一种专业和可靠，从排版的气韵就能感受到他们对音乐教育的严谨态度。很多教材为了追求轻便会牺牲纸张的厚度，但这本在保证了便携性的同时，又兼顾了耐用性，我想即使用上好几年，封面和内页也不会显得破旧不堪，这对于需要反复查阅的工具书来说，非常重要。拿到手时那种沉甸甸的感觉，就让人觉得物有所值，它不仅仅是一本教材，更像是一件值得收藏的艺术品，让人在学习之余，也能享受到阅读的愉悦。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格非常独特，它没有那种传统教材常见的枯燥说教式讲解，而是采用了一种非常深入浅出的方式来剖析复杂的音乐概念。作者的叙述逻辑性极强，层层递进，仿佛一位经验丰富的导师在你耳边娓娓道来，将那些原本晦涩难懂的理论知识，通过生动的比喻和清晰的逻辑链条，变得触手可及。我特别喜欢它在处理关键转折点时的处理手法，总能适时地加入一些历史背景或者作曲家的创作思路，让理论不再是孤立的公式，而是有了血肉和灵魂。对于初学者来说，它提供了一个非常友好的入口，能帮助他们快速建立起对该领域整体框架的认知；而对于有一定基础的人来说，它提供的深度思考角度又是那么引人入胜，总能带来“原来如此”的豁然开朗感，这种平衡掌握得恰到好处，足见作者深厚的学术功底和卓越的教学智慧。

评分☆☆☆☆☆

内容组织方面，这本书的结构设计堪称教科书级别的范本。它似乎没有采用那种传统的、按部就班的时间顺序或者风格流派来划分章节，而是更侧重于内在逻辑和功能性的关联。每一章的过渡都衔接得非常自然，前一章的结论往往会自然而然地成为下一章探讨的基础，这种内在的钩连性极大地提升了阅读的流畅度，让人很少有想跳过某些段落的冲动。更值得称道的是，它对每一个核心概念的阐释都做到了“面面俱到”却又不臃肿，你会发现它在讲解一个技术点时，不仅给出了清晰的定义，还配上了足够多的实例分析，这些实例的选择极具代表性，涵盖了不同时期和不同作曲家的风格特点，极大地拓宽了读者的听觉经验和分析视野，让抽象的理论瞬间鲜活了起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性简直超乎我的想象，它完全不是那种“只谈理论不给方法”的空中楼阁。在每一个理论模块的最后，作者似乎都贴心地设置了“实践指导”或者“应用建议”的篇幅，这些内容对于正在尝试将理论应用到实际创作或演奏中的人来说，无异于雪中送炭。我发现自己不再需要同时翻阅好几本不同的参考书来寻找“如何使用这个和弦进行”的实际案例，因为这本书已经将理论的解析、历史的演变和实际的运用技巧熔于一炉。这种将“知”与“行”紧密结合的设计，极大地提高了学习效率，让学习过程充满了即时的成就感，而不是沉浸在无休止的理论迷宫中找不到出口，它真正做到了将学术深度转化为可操作性的工具。

评分☆☆☆☆☆

从整体阅读体验来看，这本书给我带来了一种非常沉静而富有启发性的感受。它不追求华丽的辞藻来吸引眼球，而是依靠内容本身的扎实和逻辑的严谨来赢得读者的尊重。我发现自己在阅读它的时候，会不自觉地放慢速度，仔细体会每一个句子的内涵，这与阅读其他追求速度和信息量的书籍感受截然不同。它更像是一场思想的深度漫步，引导读者去探索音乐结构深层的美感和规律。这种沉浸式的学习体验，不仅提升了我的专业知识水平，更重要的是，它重塑了我对音乐的认知框架，让我能够以一种更加成熟和系统的视角去审视和欣赏复杂的音乐作品。这是一本真正能够“滋养”学习者内在思考能力的书籍，非常值得投入时间去细细品味。