审美心理视野下的西方音乐体裁李小诺上海音乐学院出版社正版9787806926420 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李小诺 著

图书标签:

• 音乐学
• 西方音乐
• 审美心理学
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• 音乐分析
• 李小诺
• 上海音乐学院出版社
• 9787806926420
• 音乐理论

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806926420

商品编码：29859848687

页数：194

图书基本信息
书名：	审美心理视野下的西方音乐体裁
作者/主编：	李小诺
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806926420
出版年份：	2011/6/1

版次：	第1版
总页数：	194页
开本：	16
图书定价：	28元
实际重量：	358g
新旧程度：	正版全新

李小诺，1968年出生于山东，现任上海音乐学院科研处处长助理。1989年毕业于山东师范大学音乐系，获学士学位。1998年考入上海音乐学院音乐学系，于2001年获“作品分析”方向硕士学位、2004年扶“外国作曲家与作品研究”方向博士学位，导师钱亦平教授。硕士学位论文和博士学位论文分别于2003年、2005年被上海市教委、上海市学位委员会评为“上海市硕士论文”和“上海市博士论文”；士论文由以上两单位推选参加“教育部全国博士论文”的评选，并被《中国博硕士学位论文全文数据库》录用发表。

曾发表《音乐结构原则形成的心里平衡效应初探》、《拱形结构概念的界定》、《历史画面的生动展现——肖斯塔科维奇第十一交响曲<1905年>》、《肖邦c小调夜曲(Op，48 No，1)》、《西方音乐史学观与史学研究》、《音乐欣赏之想象与联想》、《体验音乐的情感》等音乐分析、音乐审美心理学论文。

序

引言
绪论
一、音乐体裁的情感符号性特征
(一)情感需要物化释放(情感的符号化替代性释放)
(二)体裁对基本内容的规定性
1.体裁是对生活不同领域的把握
2.体裁是对情感不同表述样式的把握
3.体裁是不同思维模式的把握
(三)体裁的情感“符号性”
二、从审美心理视角看西方音乐体裁的产生
(一)人类社会分工的折射
(二)人类对自身生活认识逐渐深化的产物
(三)体裁是时代情感(社会意识形态)的反映
三、从审美心理视角看西方音乐体裁的发展和演变
(一)基本要素的稳定性
(二)风格变化的开放性
(三)类型特点的融合性(体裁界线的模糊、体裁风格的交叉)
(四)体裁情感内容表现的扩张性
章 宗教崇拜的艺术情感——以圣咏、神剧、弥撒为例
一、形式——将信念予以具象呈现
(一)圣咏
1.格里高利圣咏统一了罗马教会仪式的音乐形式
2.格里高利圣咏是罗马教会统治地位的象征
(二)神剧
(三)弥撒
二、时代的灵魂祈求
(一)圣咏——不同时代中相同的审美范畴象征
(二)神剧——对上帝之爱的呼唤
(三)弥撒——宗教崇拜的具象替代
三、永远感恩的情愫(原始意象的呈现)
(一)“感恩”的情感是一种“原型”
(二)感恩是一种崇高的情感
第二章 原始情感中的艺术形式——以西方民间舞曲为例
一、审美的发生
(一)从人种、生活(生产)方式到思维方式的形成
1.人种、民族的分化
2.生活、生产方式——工具的制造
3.思维方式的形成
(二)人与自然之间的关系——征服自然与风格分化
1.起源于西班牙的舞曲
2.起源于法国的舞曲
3.起源于德奥的舞曲
4.起源于意大利的舞曲
5.起源于匈牙利的舞曲
6.起源于俄罗斯的舞曲
(三)人与人之间分工协作的关系——音乐节奏形态特征的形成
1.民间舞蹈的来源——模拟式、操练式
2.民族舞蹈节奏的特征——刚性模式
3.民族舞蹈节奏模式的性格种类
二、综合关感的形成与发展
(一)宫廷生活浮华的需求——拉丁族国家音乐素材的多项运用
(二)严密思维方式的产物——发生在日尔曼民族国家的舞曲模式化
1.四乐章古(舞蹈)组曲的确立
2.古组曲的发展
本章附录：巴赫、亨德尔古舞蹈组曲结构图表
第三章 世俗情感中的艺术形式——以摇篮曲、船歌等世俗体裁为例
一、体验内模仿、构成移情情景
(一)唤起内模仿
(二)产生移情体验
1.音乐作品艺术形式方面的因素引起的移情
2.音乐作品的内容因素引起的移情
(三)移情与内模仿互为先导的功能
1.主动审美状态——移情为先导
2.被动审美状态——内模仿为先导
二、情感氛围的营造
三、形成引申表达
(一)情景化的引申表达
(二)意境化的引申表达
第四章 音乐形式的自由发展和格律概括——以赋格曲与奏鸣曲为例
一、个自由发展到格律概括过程——“点”的规定
二、第二个自由发展到格律概括过程——“线”的规定
三、第三个自由发展到格律概括过程——“面”的规定
(一)横向——时间性：节拍、节奏
(二)纵向——协和性
1.以泛音列为基础依据的协和关系
2.和声(Harmony)
四、第四个自由发展到格律概括过程——“体”的规定
(一)纵向：音响层次的拓展
(二)横向：主调音乐结构的形成
第五章 审美的民族性与时代性——奏鸣-交响套曲中的小步舞曲与谐谑曲
一、小步舞曲的产生与大规模流行——民族的审美情趣、审美理想的折射
(一)小步舞曲产展的民族性、时代性沃土
1.生态环境与心理遗传
2.民族气质、民族性格
(二)民族性格、气质与文化特征的兴衰
1.小步舞曲生存沃土的流失
2.18世纪厚积薄发的德奥艺术精神
二、谐谑曲取代小步舞曲——从关注形式到关注内容
(一)音乐创作由服务宫廷转变为作曲家自我情感抒发需要
(二)奏鸣-交响套曲(各乐章)由拼贴组合性到贯穿统一性
1.丰富音乐的形象和内容、表达复杂的思想情感
2.增强戏剧性的表达
3.增强套曲的整体感
第六章 音乐表述中的再现性——以叙事曲为例
一、关于叙事曲的含义及来源
(一)叙事曲的含义
(二)叙事曲的来源
(三)艺术符号与现实符号的同构性
二、叙事曲“语法”的象征意义
(一)利用核心动机构成转喻原型
1.运用固定音调叙述事件发展过程
2.运用特定动机指代特定人物或事件
(二)以封闭的结构框架完成叙事意象性组合
1.变奏曲式
2.奏鸣曲式
3.三部曲式
4.自由曲式
三、叙事曲“语义”的象征意义
(一)叙事曲语义原型
(二)叙事曲题材来源
1.悲剧性历史史诗
2.神话传说
3.叙事性文学作品
4.爱情故事
5.对现实生活的幻想
第七章 音乐表述中的表现性——以幻想曲、随想曲、狂想曲为例
一、符号来源
二、表现性体裁的语法分析
(一)多动机并存、多意象萦绕
(二)以开放的结构框架完成审美意象性组合
三、表现性体裁的语义分析
(一)以“人称”或“无指称”的表述方式
(二)内容的不可言说性
结语
附录一：主要分析、参考曲目
附录二：主要参考文献
后记

李小诺编写的《审美心理视野下的西方音乐体裁》由七个章节、绪论和两个附录构成：绪论是对西方音乐体裁的情感意义、产生和发展的总体论述。章，以圣咏、神剧和弥撒等宗教体裁为例，论述了宗教崇拜中的艺术情感。第二和第三章，分别以民间舞曲和世俗体裁为例，分析人类原始淳朴情感与音乐体裁类型化的关系。第四章以音乐元素在音乐历史上下文的发展过程中，逐渐形成“点”、“线”、“面”、“体”的规定性，以及全面规范的代表体裁——赋格和奏鸣曲的形成过程为脉络，论述音乐符号由简单到复杂的几次由自由发展到格律概括的周期过程。第五章以奏鸣-交响套曲中的小步舞曲发展（转换）为谐谑曲的过程为例，分析这一现象承载的民族性、时代性等历史生态环境内容。第六章、第七章运用符号学的理论阐述音乐体裁的再现性和表现性。

音乐的边界与交织：从古典到前卫的风格探索 本书旨在为音乐爱好者、专业学习者以及所有对声音艺术抱有好奇心的人们，提供一个深入探索西方音乐体裁发展脉络的广阔视角。我们不囿于单一时期或地域的限制，而是力求构建一个宏大而精微的音乐地图，勾勒出不同风格之间错综复杂的关系，以及它们如何共同塑造了我们今日所听到的音乐世界。 第一部分：古典传统的基石与转型 本部分将从西方音乐的早期形态，特别是中世纪和文艺复兴时期的复调音乐入手，追溯西方音乐理论与实践的根源。我们将详细考察格里高利圣咏如何奠定西方旋律的基础，以及奥尔加农（Organum）等早期复调形式如何开启了声部交织的复杂性。 随后，我们将进入巴洛克时期，这是一个充满了戏剧性张力与精湛技艺的时代。重点分析数字低音（Basso Continuo）的结构意义及其对和声发展的影响。我们深入剖析如帕赫维尔、巴赫和亨德尔等大师的作品，探讨赋格（Fugue）的严谨结构，组曲（Suite）的舞蹈性特征，以及协奏曲（Concerto）中独奏乐器与乐队对话的艺术。这一部分将区分大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的特点，揭示巴洛克音乐中对“对比”这一美学原则的极致运用。 过渡到古典主义时期，音乐语言追求清晰、平衡与对称。我们检视奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为器乐创作的核心蓝图，分析海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中交响曲（Symphony）、室内乐（Chamber Music）和奏鸣曲（Sonata）的规范化过程。重点在于揭示古典主义对情感表达的节制与对形式逻辑的尊重之间的精妙平衡。 第二部分：浪漫主义的激情与个人化表达 随着十九世纪的到来，音乐的重心从客观的结构美转向主观的内在情感。本部分将深入分析浪漫主义（Romanticism）如何解放了和声的张力，扩大了管弦乐队的编制，并催生了抒情性旋律的空前繁荣。 我们将探讨这一时期新兴或蜕变的关键体裁： 1. 艺术歌曲（Lied/Mélodie）：舒伯特、舒曼、沃尔夫的作品如何将诗歌的文学意境与钢琴伴奏的心理描绘紧密结合，达到“诗乐合一”的境界。 2. 交响诗（Symphonic Poem）/ 幻想序曲（Fantasy Overture）：李斯特、柏辽兹等如何运用程序性音乐（Program Music）来叙述故事、描绘场景或表达哲学思想，标志着纯器乐形式向文学领域的拓展。 3. 民族乐派的兴起：德沃夏克、斯美塔那、穆索尔斯基等作曲家如何在继承德奥传统的同时，融入本民族的民间旋律和节奏特征，形成独特的音乐身份。 此外，我们将审视晚期浪漫主义的宏大倾向，如瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念，以及其对主导动机（Leitmotif）的创新性运用，这些都为二十世纪的音乐变革埋下了伏笔。 第三部分：二十世纪的断裂与重构——现代主义的冲击 二十世纪的音乐史是一部关于打破既有规则的历史。本部分着重分析一系列颠覆性的思潮和技术如何催生了全新的音乐体裁和语言。 我们将详细考察： 印象主义（Impressionism）与象征主义：德彪西和拉威尔如何通过对音色、模糊和声与非传统调性的探索，描绘光影和瞬间的感受。 表现主义（Expressionism）与无调性（Atonality）：勋伯格及其追随者如何放弃调性中心，探索人类潜意识的焦虑与心理深度。随后，对十二音体系（Twelve-Tone Technique）的原理及其早期应用（如《月之被缚的皮埃罗》）进行细致的讲解。 新古典主义（Neoclassicism）：斯特拉文斯基等如何回归巴洛克和古典时期的形式框架，但注入现代的节奏和和声语言，寻求一种理性的平衡。 野蛮主义与节奏的解放：分析斯特拉文斯基《春之祭》等作品中对原始冲动和复杂、非对称节奏的强调如何彻底改变了听众的听觉经验。 第四部分：后二战时代的多元探索与电子浪潮 战后，音乐的版图进一步碎片化，技术进步为作曲家提供了前所未有的工具。 序列主义（Serialism）的深化：探讨布列等如何将十二音原则扩展到节奏、力度和音色等所有元素上，追求总体序列化（Total Serialism）的严密控制。 偶然音乐（Aleatoric Music）与不确定性：约翰·凯奇的作品如何通过引入随机性元素（如掷骰子、抛硬币）来挑战作品的“作者意图”和听众的预期，例如对静默与环境声的重新定义。 电子音乐（Electronic Music）的崛起：分析具体音乐（Musique concrète）如何利用录音技术处理自然声音，以及早期电子合成器音乐如何从实验室走向音乐厅。我们将讨论磁带音乐和模块化合成器对音乐本体论的冲击。 极简主义（Minimalism）：赖利、莱希、菲利普·格拉斯等如何通过材料的极度简化、不断重复的小型动机和缓慢的相位变化，创造出冥想式的、持续的听觉体验，作为对前卫思潮的直接回应。 第五部分：体裁的融合与当代视野 最后，本书将展望当代音乐的趋势，即体裁之间的界限日益模糊。我们将探讨后现代主义在音乐中的体现，例如对历史材料的挪用（拼贴）、对流行音乐元素的吸收（如跨界作品），以及对声音景观（Soundscape）研究的关注。 通过对这些纷繁复杂的体裁和美学流派的梳理，读者将能更好地理解西方音乐如何在不断地自我否定、借鉴与革新中，持续发展其深邃的艺术表达力。本书提供的，是一份理解从巴赫到当代实验音乐之间所有关键转折点的详尽指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的很有品味，封面那种沉稳的蓝色调，配上精致的烫金字体，一看就知道是经过精心打磨的学术著作。拿到手里就能感受到纸张的质感，厚实而略带纹理，翻阅起来非常舒服，不会有那种廉价的粗糙感。尤其是内页的排版，字间距和行距都拿捏得恰到好处，即便是长时间阅读那些复杂的理论阐述，眼睛也不会感到疲劳。装帧的用心程度，直接反映了出版方对内容的尊重，让人在还没深入阅读之前，就对这本书的专业性和深度抱有了极高的期待。它不像那些快餐式的读物，只是为了快速占领市场，而是散发出一种沉淀下来的学术气息，摆在书架上，本身就是一种视觉上的享受和品味的象征。我特别欣赏这种对细节的执着，因为在研究美学和心理学时，形式感本身就是内容的一部分，设计上的克制与典雅，为接下来的深度思考铺设了一个宁静的基调。

评分☆☆☆☆☆

我对西方音乐史的了解一直停留在比较表层的阶段，主要集中在巴赫、莫扎特、贝多芬这些巨匠的生平和主要作品上。读完这本书的引言部分，我立刻意识到自己过去对“体裁”这个概念的理解太过狭隘了。作者非常巧妙地将抽象的心理学模型与具体的音乐形式（比如奏鸣曲式的结构是如何映射人类的认知冲突与解决过程的）结合起来，这种跨学科的视角简直是醍醐灌顶。我一直好奇为什么某些调性组合能带来特定的情感共鸣，这本书没有满足于简单的“这是传统”，而是深入挖掘了特定文化背景下，人们对声音组织方式的集体潜意识反应。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，回溯到以前听过的那些古典乐章，重新审视它们在听觉经验背后隐藏的心理机制。这不只是一本关于音乐的书，更像是一本关于人类感知与情感如何在艺术形式中被编码和解码的指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述逻辑严密得像一座精密的钟表，每一个章节的过渡都非常自然，从宏观的时代背景分析，逐步细化到微观的听觉心理过程。最让我印象深刻的是作者在讨论浪漫主义晚期音乐的“主观性”时所引用的心理学流派观点，那些描述个体内心挣扎和情感饱和度的文字，准确地捕捉了瓦格纳或马勒作品中那种复杂、甚至有些病态的美感。我发现，作者并没有用枯燥的学术术语堆砌篇幅，而是用非常富有画面感和说服力的语言，将复杂的理论具象化。例如，当讲解“复调”的心理作用时，她会用听觉上“多重对话”来比喻意识中不同思想的并行处理，这种类比使得即便是初次接触相关理论的读者，也能迅速建立起直观的理解。读起来酣畅淋漓，完全没有传统学术著作那种令人望而却步的晦涩感。

评分☆☆☆☆☆

我通常习惯在咖啡馆里阅读需要高度集中的专业书籍，但这本书的阅读体验非常独特。它迫使我不得不完全沉浸在一种“慢阅读”的状态中。这不是指内容枯燥，而是因为它的信息密度太高，每一个段落都充满了值得推敲的观点。我发现自己会不自觉地拿起笔，在空白处写下自己的疑问或联想，这在我读其他书籍时很少发生。特别是作者对不同历史时期音乐体裁（比如从巴洛克时期的功能性到后来的表现性）的心理学驱动力的对比分析，极大地拓展了我对“艺术演变”的理解。它不再是简单的风格更迭，而是一个社会集体心智结构不断自我调试和表达的过程。这本书的价值在于，它提供了一个新的棱镜，让我重新审视那些我自以为已经非常熟悉的音乐作品，发现了它们更深层次的“为什么”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但真正让我感到惊喜的是它在引导读者进行自我反思方面的力量。当我读到关于“审美距离”和“移情”的章节时，我开始反思自己以往听音乐时，是停留在单纯的感官愉悦层面，还是真正进入了一种深度的精神对话。作者似乎在不经意间，挑战了读者对“什么是好的艺术体验”的传统定义。这种反思是渐进式的，它不是居高临下的说教，而是通过层层递进的论证，让你自己得出结论。我感觉自己仿佛在进行一场与历史音乐大师们的私人对话，而这位作者则是那个翻译和引导我们进入对话语境的桥梁。读完后，我发现自己对下一场音乐会的期待完全不同了，不再是单纯等待那些熟悉的旋律，而是期待去解码其中隐藏的，关于人类共同情感结构的密码。这是一次真正意义上的精神拓荒。