全新音乐学与音乐表演保罗亨利朗文集乔治比洛西南师范大学出版社9787562184720 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

乔治比洛 著，马艳艳 译

图书标签:

• 音乐学
• 音乐表演
• 保罗·亨利·朗文
• 乔治·比洛
• 西南师范大学出版社
• 音乐理论
• 西方音乐
• 音乐史
• 音乐分析
• 高等教育

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 411

ISBN：9787562184720

商品编码：29859849965

图书基本信息
书名：	音乐学与音乐表演：保罗·亨利·朗文集
丛书名：	俄耳甫斯音乐译丛·启末之弦系列
作者/主编：	乔治·比洛，马艳艳
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562184720
出版年份：	2017年9月1日

版次：	第1版
总页数：	411页
开本：	32
图书定价：	78元
实际重量：	662g
新旧程度：	正版全新

编辑

《音乐学与音乐表演》的出版将会极大地促进国内音乐史学、音乐表演、音乐批评等学科的建设与发展。

作者简介

作者：（美国）保罗·亨利·朗（Paul Henry Lang） （美国）阿尔弗雷德·曼（Alfred Mann） （美国）乔治·比洛（George J.Buelow） 译者：马艳艳

保罗·亨利·朗（Paul Henry Lang）（1901—1991），美籍匈牙利音乐学家，音乐批评家。生于布达佩斯，曾就学于布达佩斯音乐学院，后赴海德堡大学和索邦大学攻读哲学、法语文学和音乐史。1933年起执教于哥伦比亚大学，享有“美国首位音乐学教授”之殊荣。其扛鼎之作《西方文明中的音乐》被誉为“学养”与“文风”上的双重典范。朗是美国音乐学会的奠基人，曾担任音乐学会主席，《纽约先驱论坛报》专栏评论家，《音乐学季刊》主编等职。以其渊博的学识、开阔的视野、犀利的笔锋、卓越的文采，更兼近60年辉煌的学术生涯和丰富深远的学术影响，被公认为20世纪美国音乐学界的领军人物。
乔治·比洛（George J.Buelow）（1929—2009），美国音乐学家。印第安纳大学荣休教授，曾任美国巴赫协会主席。作为巴洛克音乐的专家，其研究涉及该时期的表演实践、理论文献和人物传记。代表性著作有《巴洛克音乐史》《晚期巴洛克歌剧》《海尼兴理论中的通奏低音伴奏》《马泰松新论》《许茨读本》等。曾为《新格罗夫音乐与音乐家大辞典》撰写多位巴洛克音乐家条目。
阿尔弗雷德·曼（Alfred Mann）（1917—2006），美籍德裔音乐学家，音乐理论家，学者型指挥家。生于德国汉堡，先后就读于柏林、米兰、柯蒂斯三所音乐学院，修习中提琴、作曲、指挥和音乐学。“二战”间经历坎坷，战后于哥伦比亚大学获得哲学博士学位（师从保罗·亨利·朗）。1947年起执教于罗格斯大学，作为该校音乐系的奠基人，在此任教30余年。1980年退休后受聘于罗切斯特大学伊斯曼音乐学院，1987年荣休。曾担任纽约康塔塔歌友会乐团和伯利恒巴赫唱诗班指挥，是美国巴赫协会的创办人之一。以其学者、理论家和指挥家的多重身份，对巴洛克音乐的本真主义复兴、演奏教学和学术研究有重大影响。
马艳艳（1983—），女，博士，厦门大学嘉庚学院英语教师。本科毕业于厦门大学英语系，硕士研究生、博士研究生分别毕业于上海音乐学院音乐学系和厦门大学关系学院，获文学硕士学位、法学博士学位。长期从事音乐文献翻译工作，曾参与上海音乐学院国家重点学科建设项目，并在中文核心期刊上发表多篇学术论文。

原版序

编者按
论音乐学
音乐学与关干音乐的文字写作
音乐学与相关学科
音乐与历史
一位编辑的话
音乐的历史与现状：结语
古乐新思
跨越世纪的帕莱斯特里那：回顾
珀塞尔
巴赫：艺术家与诗人
亨德尔研究导论
巴赫与亨德尔：互补的对手
佩尔戈莱西
莫扎特
贝多芬
瓦格纳：“特里斯坦”大师
二十世纪文明中的西方音乐
十二音体系
马克思主义者的理论和音乐
斯特拉文斯基
巴托克在哥伦此亚大学
向二十世纪中叶的音乐学术致敬
二十世纪中叶的奉神音乐
电影《莫扎特传》
白宫的音乐大师
来自机器的威胁
论表演实践
音乐表演实践序论
论本真性
论声乐的表演实践
论古乐器
论装饰音与即兴演奏
论音乐中的寓意与象征
编后语
文章来源
索引

《音乐学与音乐表演》是汉语文献中继《西方文明中的音乐》之后被翻译引进的第二部保罗·亨利·朗的著作。《音乐学与音乐表演》汇集了朗于20世纪50年代到80年撰写的文章29篇，分为“论音乐学”“古乐新思”“20世纪文明中的西方音乐”“论表演实践”四部分。书中不管是论述音乐学学理及音乐史学问题，还是探讨音乐表演实践领域内具有争议的话题，都有意呈现出不同于常规的音乐论文写作风范。该书的出版将会极大地促进国内音乐史学、音乐表演、音乐批评等学科的建设与发展。

音乐考古学与历史重建：被遗忘的旋律与失落的技艺 引言：回响在历史尘埃中的声音 音乐，作为人类情感与文化最直接的载体，其历史绝非一条平坦的大道。它充满了断裂、遗失与重构的可能。本书并非专注于某一特定流派或时代，而是深入探索音乐考古学的核心命题：如何从有限的、碎片化的历史遗存中，重建失落的音乐实践、理解其社会语境，并复原那些业已消逝的听觉体验。我们所关注的，是如何通过对古代乐器残骸、模糊的乐谱残片、晦涩的文献记载，甚至是通过对非西方传统音乐的田野考察，来构建一座通往过去声音世界的桥梁。 第一部分：物证的解读——乐器学与材料文化 本部分聚焦于物质遗存作为音乐历史信息载体的关键作用。我们探讨的不仅仅是“这个乐器是什么”，而是“这个乐器是如何被制造、使用和被赋予意义的”。 第一章：泥土下的交响：考古发现中的乐器学 从美索不达米亚的里拉琴残骸到古希腊的奥洛斯笛，乐器的形制往往是当时冶金术、木工技术和声学认知的集大成者。本章详细分析了不同文明中关键乐器（如骨笛、青铜号角、早期键盘乐器雏形）的出土报告。重点在于，如何通过对材料的化学分析（如金属合金的成分测定），推断其音色潜力与音准标准。我们挑战了传统上将古代乐器视为“原始”的观点，通过对某些复杂构造（如某些中世纪的簧片装置）的逆向工程研究，揭示了早期工匠在声学工程上的精妙设计。例如，对特定地区出土的鼓皮残片进行纤维分析，可以大致推断出其张力调校方式及其对节奏感的影响。 第二章：乐谱的碎裂与重构：符号学与文本批判 与成熟的五线谱系统出现之前的漫长历史中，音乐的记录方式极度多样且不稳定。本章深入探讨了各种非标准的记谱法：如古希腊的字母记谱、中世纪的纽姆记谱（Neumes）的早期形态、以及口头传统中用于辅助记忆的“歌诀”。我们应用文本批判的方法，分析这些符号系统的内在逻辑、冗余度以及文化偏见。尤其关注那些记载不全的残本，如何运用上下文逻辑和对同时代其他艺术形式的参照，进行“最合理的推测性补全”。这包括了对不同地区“固定旋律模式”的比较研究，以期填补某些特定宗教仪式音乐的空白。 第二部分：听觉的重塑——历史语境与表演实践 音乐的意义从未脱离其发生的社会环境。本部分旨在超越纯粹的物理分析，探讨音乐在特定历史场景下的功能、美学期待与实际听觉效果。 第三章：礼仪、剧场与权力：音乐的社会功能考古 音乐在古代社会中，很少是纯粹的“为艺术而艺术”。它深深嵌入在宗教仪式、政治庆典、军事动员乃至日常的劳动场景中。本章考察了不同类型公共空间对音乐演出的物理限制（如回响特性、听众容量）如何反过来塑造了音乐的织体和动态范围。例如，分析古罗马圆形剧场中的铜管乐器使用，来理解其在制造宏大听觉压迫感方面的策略。同时，我们也探讨了音乐家（演奏者）在社会结构中的地位变化，如何影响了曲目选择和技艺的传承速度。 第四章：声音的复原：调律系统与音高历史 现代音乐的十二平均律并非永恒真理。本章追溯了历史上主要的音律体系（如毕达哥拉斯音律、纯律、中庸全音律等）在不同地域和时期的实际应用。通过对古代文献中关于“音准偏差”的记载以及现有乐器腔体尺寸的精确测量，我们试图重建特定时代音乐家在演奏时所听到的“真实”音高关系。这要求跨学科合作，将历史声学模拟与对古代音乐理论家（如欧几里得、波埃修斯）论述的深入理解相结合，以揭示不同调律系统所带来的独特和声色彩与情感张力。 第三部分：跨文化的对话与失传的技艺 本书的最后一部分将视野拓宽至全球，探讨那些因殖民、战乱或文化断代而中断的音乐传统。 第五章：口传传统的“琥珀”：田野调查与民族音乐学的边缘贡献 虽然本书主旨偏向“考古学”，但许多失落的技艺和旋律形态，其线索仅存留于边缘化的口传社群中。本章分析了民族音乐学（Ethnomusicology）如何通过对仍在使用的古老乐器、独特的演奏技巧（如喉音唱法、特定指法）的记录，为重建失传的古代音乐实践提供了关键的“操作模型”。探讨了如何区分“活态的传统”与“历史的碎片”，并审慎地将田野数据应用于对遥远历史时期的推断。 第六章：技艺的断裂与知识的再激活 音乐表演的精髓往往在于难以言传的“手感”和“直觉”。本章探讨了那些彻底失传的表演规范，例如某些中世纪人声合唱中对“自由节奏”的即兴处理，或特定拨弦乐器上对手指力度与颤音的精细控制。我们通过对相关艺术（如书法、武术）中关于“气”与“力”的哲学阐述，尝试建立一种类比模型，以期理解和重新激活这些“失传的身体知识”。 结论：面向未来的回声 《音乐考古学与历史重建》不是提供最终答案，而是提供一套严谨的、多维度的研究框架。它邀请读者认识到，我们今天所听到的“经典”，只是音乐无限可能海洋中的一朵浪花。真正的挑战在于，如何以历史的敬畏之心，去倾听那些沉寂在时间之下的、多元且鲜活的声音。本书的最终目标，是激发对声音历史的更深层次的好奇心，鼓励学者与音乐家共同努力，让那些被遗忘的旋律，在新的时代语境中，重新找到它们应有的回响。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来看，这套文集对于音乐表演专业的学生和实践者来说，也是一本不可多得的工具书。它不仅仅停留在理论的阐述，更关键的是，很多理论推导最终都落脚到了对音乐作品“如何理解”和“如何呈现”的具体指导上。例如，作者在分析某段巴赫赋格时，是如何将对位法的结构理解，转化为对演奏力度和乐句处理的具体建议，这个过程的衔接是极其自然的。这让我深刻体会到，真正的音乐学研究绝非孤芳自赏的象牙塔产物，而是必须服务于音乐的再创造。它教导我们，要理解音符背后的历史重量和情感张力，这样才能在舞台上真正地“复活”作品，而不是机械地重复前人留下的痕迹。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的印象，封面色彩搭配得恰到好处，既有学术的严谨感，又不失艺术的灵动性。纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，翻阅起来非常舒服，能感受到出版社在细节上的用心。我尤其欣赏他们选择的字体和版式，清晰易读，即便需要长时间阅读那些复杂的理论章节，眼睛也不会感到过分疲劳。虽然我关注的重点更多是内容本身，但好的物理载体无疑为阅读体验增色不少。尤其是那些引用和图表的排版，逻辑清晰，让原本抽象的音乐学概念变得直观了不少。我甚至愿意花时间去研究一下他们内页的装帧工艺，这在当今快餐式的出版物中，实属难得的匠心之作。它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，彰显了西南师范大学出版社在学术出版物审美上的高标准。

评分☆☆☆☆☆

初读这套文集时，我最大的感受是其内容的广度与深度达到了一个令人敬畏的高度。作者对于音乐现象的剖析，绝非停留在表面的技巧罗列，而是深入到了文化、历史乃至哲学层面去探究其根源。比如，他探讨某一特定时期音乐风格演变时，那种跨学科的论证方式，简直是教科书级别的示范。我记得有一篇关于特定奏鸣曲式分析的文章，他不仅细致地解构了和声进行和结构布局，还巧妙地联系了当时的社会思潮，使得原本枯燥的结构分析瞬间充满了生命力和时代感。这种将音乐视为复杂文化场域中一部分的视野，极大地拓宽了我对音乐理解的边界。每一次阅读都像是一次知识的洗礼，总能挖掘出新的层次和以往忽略的细节，让人不得不佩服作者深厚的学养和敏锐的洞察力。

评分☆☆☆☆☆

关于这本书的学术价值，我想用“里程碑式”来形容毫不为过。它填补了国内在某一特定音乐学分支研究上的空白，其论述的严密性和论证的充分性，足以让研究者们在未来的工作中引以为据。我个人在进行相关课题研究时，已经多次从中汲取了关键性的理论支撑。不同于一些观点流于表面的教材，这套文集敢于挑战一些既有的、被广泛接受的理论框架，并提出了详实的数据和逻辑来佐证新的视角。特别是其中对某些西方音乐理论的本土化解读和批判，展现了作者深厚的跨文化理解力，避免了简单照搬和生硬套用，这对于提升我国音乐学研究的原创性和话语权具有重大的意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格可谓是独树一帜，它成功地在学术的精准性与文学的流畅性之间找到了一个绝佳的平衡点。许多学术著作为了追求严谨，往往会牺牲掉可读性，读起来晦涩难懂，但在这套文集中，作者的笔触却是如此的优雅而富有节奏感。即便是面对极为复杂的理论推导或历史事件的梳理，他也能使用一种清晰、富有画面感的叙述方式将读者引入情境之中。我常常在阅读时，会不自觉地感受到一种被引导、被说服的愉悦感，而非被知识点压迫的负担感。这种叙事技巧的运用，无疑是吸引更广泛读者群体，尤其是年轻学子接触和爱上深奥音乐学研究的“软着陆”方式。