正版枫桥夜泊管弦乐队曲王建民上海音乐学院出版社全新教材9787806929360 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王建民 著

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• 枫桥夜泊
• 管弦乐队
• 教材
• 王建民
• 上海音乐学院出版社
• 9787806929360
• 音乐
• 乐谱
• 古典音乐
• 器乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806929360

商品编码：29859849681

页数：29

图书基本信息 书名： 枫桥夜泊（管弦乐队曲）   丛书名： 21世纪上海音乐学院新作品系列   作者/主编： 王建民   出版社： 上海音乐学院出版社     ISBN号： 9787806929360   出版年份： 2014年7月        版次：   第1 版 总页数：   29页 开本：   16 图书定价：   25元 实际重量：   200g 新旧程度：   正版全新

作者简介

王建民，作曲家，上海音乐学院民乐系主任、教授、博士生导师。现任*国民族管弦乐学会副会长、*国音乐家协会理事。

曾出访德国、奥地利、瑞士、法国、日本、新加坡及港澳台等国家和地区，进行学术交流与讲座，举办个人作品专场音乐会、作品首演等。先后在《音乐创作》等刊物发表多首作品，在海内外灌录和出版了几十辑CD专辑。其主要作品被广泛收录于各种版本的CD、DVD以及音乐院校的教材之中。出版的个人作品专集有：《王建民古筝曲选》（台北风潮公司1998年）、《王建民二胡曲选》（上海教育出版社2006年）。《王建民古筝创作曲九首》（香港博韵公司2010年）。除此之外，还多次出任金钟奖、文华艺术院校奖、央视民乐大赛等各类比赛的评委。

《21世纪上海音乐学院新作品系列 枫桥夜泊》无目录。

弦音流转：管弦乐队的艺术与实践 一、管弦乐队的百年辉煌与当代面貌 管弦乐队，作为西方古典音乐艺术的集大成者，其历史可以追溯到巴洛克时期，并在古典主义和浪漫主义时期达到了艺术的巅峰。从海顿的精巧布局到贝多芬的磅礴气势，再到马勒的史诗般的交响诗篇，管弦乐队的编制和表现力不断演进，成为人类音乐史上最复杂、最富有表现力的演奏形式之一。 本教材旨在深入剖析管弦乐队的构成、功能及其在不同音乐风格中的应用。我们不局限于某一特定曲目的讲解，而是着眼于整个管弦乐队体系的构建、乐器间的协作逻辑，以及指挥艺术在整体呈现中的核心作用。 二、弦乐组：乐队的基石与灵魂 弦乐组，包括第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴，是管弦乐队最核心、人数最多的部分，常被誉为“乐队的灵魂”。其音色之细腻、音域之宽广、表现力之丰富，是其他声部难以比拟的。 本部分将详细探讨： 1. 乐器构造与音准基础： 深入解析每种弦乐器的物理构造、琴弓的运弓技巧（包括分弓、连弓、跳弓等），以及如何保持精确的室内乐式音准。 2. 和声织体中的作用： 阐述弦乐如何在和声进行中充当主体，从柔板中的长音铺陈到快板中的十六分音符跑动，以及如何通过揉弦和换把来塑造情感色彩。 3. 分声部写作的精妙： 探讨巴赫时代至今，作曲家如何巧妙地划分弦乐声部，实现对位、模仿和声部交织的复杂效果。 三、木管组：色彩的魔术师 木管组，由长笛、双簧管、单簧管和巴松（大管）及其变种（如短笛、英国管、低音单簧管等）组成，是管弦乐队中色彩变化最为丰富、最富有个性的声部。它们如同画笔上的不同颜料，能够为音乐增添明亮、柔和或戏谑的特质。 本教材将聚焦于： 1. 音色辨识与独立演奏技巧： 详细分析每一种木管乐器的发声原理、独特的音色特点，以及其在乐队合奏中如何穿透或融入背景。例如，双簧管的穿透力与中音区的厚重感，单簧管的流畅性与宽广的跨度。 2. 呼吸与气流的控制： 木管乐器的演奏高度依赖于呼吸支持。我们将探讨高效的气流管理在长乐句处理和快速音型演奏中的关键作用。 3. 木管五重奏的应用与转译： 探讨木管乐器在小型室内乐中的表现力，以及如何将这些独奏技巧有效地应用于大型管弦乐队的协奏或独奏段落中。 四、铜管组：力量与辉煌的象征 铜管组，包括圆号、小号、长号和大号，是乐队中负责宏大叙事、营造戏剧性高潮的关键力量。它们的声音具有强大的穿透力和冲击力，是表现史诗、英雄气概或庄严气氛的首选。 教学内容侧重于： 1. 张力和控制： 铜管乐器最大的挑战在于“张力”的管理——如何从极弱的pp到震撼人心的ff之间平稳过渡，以及如何精准控制高音区的爆发力。 2. 制音器（Mutes）的运用： 深入解析不同类型制音器（如直音、瓦姆、杯形等）对音色产生的独特改变，以及它们在印象派和现代音乐中的象征意义。 3. 和声支撑与节奏驱动： 探讨铜管组如何通过强有力的和弦支撑起乐队的整体结构，以及小号和长号组在节奏驱动上的精确性要求。 五、打击乐组：节奏的脉搏与声音的奇景 打击乐组是管弦乐队中音响最为多变的部分，它不仅提供节奏的基础，更在现代音乐中扮演着声音景观设计师的角色。从定音鼓到马林巴，从铙钹到各种新式音响装置，其选择和运用体现了作曲家的想象力。 本章节将系统梳理： 1. 定音鼓的调性与节奏功能： 重点讲解定音鼓如何通过调音确定调性，以及其在古典交响乐中作为低音线和节奏强调的传统功能。 2. 键盘类打击乐器的演奏法： 对马林巴、木琴、颤音琴的击打技术、音色控制及谱面解读进行专业训练。 3. 自由打击乐器的音色库构建： 引导学习者建立一套关于常见和非常见打击乐器音色的知识体系，理解如何在不确定的音高中捕捉到确定的音乐意图。 六、管弦乐队的合奏艺术与指挥学基础 真正的管弦乐队音乐的魅力在于各声部有机结合的整体性。本教材将大量篇幅用于探讨“合奏”这一核心概念。 1. 平衡与层次： 如何通过乐器组之间的动态控制，确保旋律声部清晰，和声背景烘托到位，避免任何声部被过度掩盖或遗漏。 2. 排练技巧与问题诊断： 从指挥的角度出发，提供一套系统化的排练流程，如何快速识别和解决因乐器特性差异（如弦乐的延展性与铜管的爆发性）导致的合奏难题。 3. 管弦配器的原理延伸： 即使不直接进行配器创作，理解配器的逻辑（如为什么某些段落使用木管低音而非低音提琴，或选择特定乐器组进行主题陈述）对于演奏者理解作品至关重要。 本书旨在为音乐学院学生、专业演奏人员及热爱管弦乐队艺术的听众提供一个全面、深入且注重实践的指南，超越对单一作品的模仿，直抵管弦艺术的创作与再现的本质。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书的实用价值，尤其对于正在为专业考试或重要演出做准备的音乐生来说。不同于那些只提供精简版或节选版的资料，这套教材的完整性和详尽程度令人赞叹。它提供了一个近乎于“终极参考”的版本，减少了我们去寻找其他次要资料的必要性。我注意到，它在一些容易产生歧义的演奏记号旁，都附带了非常细致的注解，这无疑是多年教学经验沉淀下来的智慧结晶。比如，对于某个特定速度标记的解释，书中提供了几种可行的处理方案，并分析了每种处理带来的听觉效果差异，这种开放性的引导，远比生硬的规定性教学更有启发性。购买它，就像是请了一位德高望重的导师随时在你的身边进行指导。我个人已经将它置于我书架上最显眼的位置，它所承载的专业性，让我每次拿起它都会保持一种敬畏和专注的态度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对管弦乐作品的教材抱有一些刻板印象，总觉得这类书籍会过于枯燥乏味，充斥着晦涩难懂的术语。然而，这本书成功地打破了我的这种偏见。它在保持高度专业性的同时，还巧妙地融入了一种艺术的感染力。阅读它的过程，更像是一次探索作曲家内心世界的旅程。我尤其喜欢书中对某些情感高潮部分的结构分析，作者是如何通过对音域的拓展、密度的加强，乃至对休止符的精确处理，来营造出那种令人屏息的戏剧张力。这本书的语言风格在学术的严谨与艺术的抒情之间找到了一个绝佳的平衡点，既能让理论学习者找到坚实的根基，也能让纯粹的音乐爱好者感受到作品的魅力。它让我重新思考了“经典”的定义，经典并非遥不可及，而是可以通过系统而精妙的引导，走进每一个热爱音乐的心灵深处。

评分☆☆☆☆☆

从收藏的角度来看，这本书的价值也是不言而喻的。它代表了特定时期中国音乐教育和创作理念的交汇点。印刷精良的版本在未来很可能成为稀缺资源，尤其是对于那些致力于中国音乐史料收集的学者和爱好者而言。我给这本书的“耐读性”打了满分，因为它不是那种读完一遍就束之高阁的书籍，而是需要不断地去“重读”和“再发现”的。每一次重温，都会因为自身音乐理解力的提升，而领悟到先前忽略的细节。它教会我的最重要的东西是耐心和细致，音乐的伟大往往就藏匿于那些最微小的处理之中。这本书为我们提供了一个平台，让我们能够站在巨人的肩膀上，去欣赏和学习那些塑造了我们时代音乐景观的杰作。它不仅是学习工具，更是一份值得珍藏的艺术遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的乐谱集，拿到手的时候就有一种沉甸甸的仪式感，仿佛能从中触摸到那个时代音乐的脉搏。我一直对中国近现代管弦乐作品抱有浓厚的兴趣，尤其是那些在学院派体系中被反复研习和演绎的经典。这本书的装帧本身就透露出一种学术的严谨性，纸张的质感和印刷的清晰度都让人感到非常满意，这对于需要反复翻阅和对照的演奏者来说至关重要。内容上，它不仅仅是一份简单的乐谱，更像是一份深入的音乐学文献。我特别欣赏其中对和声处理和配器技巧的精妙展现，那些看似不经意的声部交织，实际上蕴含着作曲家深厚的功力。我花了好几个小时，只是沉浸在总谱的细节之中，想象着在音乐厅里，这些五颜六色的音符如何转化为磅礴的听觉体验。这本书为我们提供了一个绝佳的窗口，去理解和学习中国管弦乐在汲取西方技法的同时，如何成功地融入本土的审美情趣和叙事方式。对于任何严肃的音乐学习者而言，这本书无疑是案头必备的参考资料，其价值远超出了单纯的“教材”范畴，更像是一部活的历史记录。

评分☆☆☆☆☆

当我第一次尝试演奏其中的片段时，立刻感受到了一种既熟悉又陌生的挑战性。它要求演奏者不仅要有扎实的技巧基础，更需要对作品的情感内核有深刻的理解。这本书的排版设计非常人性化，关键的演奏标记和指法提示都清晰可见，这大大减少了我们初学者在摸索阶段可能遇到的困惑。记得有一次，我尝试独立分析其中的一个复杂对位段落，光是梳理清晰各个声部的独立旋律线就耗费了我不少精力。但随着理解的深入，那种拨云见日、豁然开朗的成就感是无与伦比的。它教会我的不仅仅是如何演奏音符，而是如何“听见”音乐的层次结构，如何用弓弦或指尖去雕塑声音的形态。这本书的深度足以支撑一位优秀的音乐家进行长期的研究和实践，我甚至觉得，即便是经验丰富的指挥家，也可能会从中发现新的阐释角度。它仿佛是一面镜子，映照出我们自身在音乐理解上的深度与广度，是一次真正的自我审视和提升之旅。