正版多声部视唱薛明镜西南师范大学出版社全新考研教材9787562173274 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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薛明镜 著

图书标签:

• 视唱练耳
• 音乐理论
• 考研教材
• 薛明镜
• 西南师范大学出版社
• 多声部视唱
• 音乐教学
• 高等教育
• 教材
• 9787562173274

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562173274

商品编码：29859849378

页数：165

图书基本信息
书名：	多声部视唱
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	薛明镜
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562173274
出版年份：	2015年4月1日

版次：	第1版
总页数：	165页
开本：	16
图书定价：	24元
实际重量：	358g
新旧程度：	正版全新

编辑

《21世纪音乐教育丛书:多声部视唱》由西南师范大学出版社出版。

章简易的二声部乐曲

节和声性二声部乐曲
第二节复调性二声部乐曲
第二章有变化音及转调的二声部乐曲
节有变化音的二声部乐曲
第二节有转调的二声部乐曲
第三章三声部及四声部乐曲
节三声部乐曲
第二节四声部乐曲
第四章要点提示
节多声部的含义及其类别
第二节音程的进行及旋律的进行
第三节和声性二声部乐曲
第四节复调性二声部乐曲
第五节具有临时变音及转调的二声部乐曲
第六节三声部及四声部乐曲

视唱练耳课是学习音乐的一门非常重要的基础课。它的任务就是为较高极的音乐技艺训练打好基础。

　　《21世纪音乐教育丛书：多声部视唱》以声部数量为线索，根据循序渐进的原则，选编了古今中外既有技术性又有音乐性的各种体裁、手法、风格的作品，使学习者得到良好的多声部内心听觉以及演唱能力的培养，为日后从事重唱、重奏、合唱、合奏的创作、表演及鉴赏等工作打下良好的基础。

音乐理论与实践前沿探索：一部面向二十一世纪的综合性音乐学著作 本书并非专注于某一特定声乐技术或特定时期教材的修订，而是致力于构建一个宏大而精深的音乐理论与实践知识体系，旨在为当代音乐研究者、表演艺术家以及音乐教育工作者提供一套全面、深入且极具前瞻性的理论指导与分析工具。全书的撰写根植于对音乐本体论、跨学科研究方法论的深刻理解，力求突破传统音乐学研究的局限性，展现音乐现象的复杂性与多维性。 第一部分：音乐本体论与哲学基础的重构 本卷聚焦于音乐之为“存在”的本质探讨，超越了单纯的记谱法或和声功能分析，深入挖掘音乐结构背后的哲学意涵与文化载体功能。 第一章：结构主义与后结构主义视角下的音乐形态学 本章详细考察了索绪尔的符号学理论在音乐分析中的应用与局限。重点分析了音乐“能指”与“所指”之间的动态张力，尤其关注在非传统音乐形式（如电子音乐、即兴音乐）中，意义是如何被建构和解构的。引入了德里达的“延异”（Différance）概念，探讨音乐时间性中“现在”与“未来”的相互依存关系，以及这如何影响我们对作品“完成度”的判断。不同于传统的结构分析，本章强调的是结构之间的关系网络，而非孤立的单元分析。 第二章：听觉经验的现象学探究 这一部分借鉴胡塞尔和梅洛-庞蒂的现象学方法，致力于描述和澄清“听”这一感官经验的直接性与中介性。我们不再将听觉视为被动接受信息的过程，而是主动的、身体性的建构过程。详细讨论了“在场感”（Presence）在现场音乐体验中的核心作用，以及录音技术如何改变了听者与音乐实体之间的本体论关系。特别分析了音乐意图（Intention）如何在听觉场域中被听众“意向化”（Intentionality）地重构。 第三章：美学范式的流变与音乐价值判断 本章宏观梳理了从康德的“无目的的合目的性”到阿多诺的“否定辩证法”在音乐美学领域的发展脉络。核心在于探讨在后现代语境下，如何衡量音乐的“艺术价值”与“社会价值”。书中批判性地考察了诸如“高雅艺术/通俗艺术”二元对立的瓦解，并提出了新的价值评估框架，该框架强调音乐作品与其特定的历史、社会、技术环境之间的复杂互动性。 第二部分：跨学科视野下的音乐分析方法论 本部分旨在提供一套超越传统和声、对位分析的工具箱，将音乐学研究置于更广阔的科学、社会与技术背景中。 第四章：认知神经科学与音乐处理机制 本章引入最新的认知神经科学研究成果，探讨人脑对音乐信息的编码、解码与情感唤起机制。内容涵盖节奏感知（Rhythm Perception）中的时间预测模型、旋律轮廓处理中的空间认知投射，以及音乐与语言处理区域的交叉激活现象。不同于简单地用神经科学解释音乐，本书更关注于如何利用这些机制来设计更有效的音乐教学法和音乐治疗方案。 第五章：计算音乐学：算法生成与数据驱动分析 本书对计算方法论的运用采取了审慎而深入的态度。探讨了基于马尔可夫链、神经网络（RNN, GAN）等现代机器学习技术在音乐风格建模和自动作曲中的应用。在分析层面，详细介绍了大型音乐语料库（Corpora）的构建方法、数据清洗标准，以及如何利用统计学方法从海量数据中提取潜在的音乐规律，而非仅停留在风格模仿层面。 第六章：文化研究与音乐的政治经济学 此章将音乐置于权力结构和文化资本的分析框架之下。探讨了音乐产业的全球化、知识产权（Copyright）的演变，以及音乐如何被用作身份建构（Identity Construction）和社会区隔（Social Stratification）的工具。特别分析了数字平台时代音乐分发机制对音乐创作生态的深远影响，以及“流行”的生成机制背后的经济驱动力。 第三部分：当代音乐实践与技术前沿 本卷着眼于当前音乐创作、表演与传播领域正在发生的变革，并探讨未来发展的可能性。 第七章：电子音乐与声音设计：从模拟到数字的频谱操作 本章深入探讨了合成器技术、数字信号处理（DSP）的核心原理，以及它们如何彻底改变了声音的原材料。详细分析了傅里叶变换（Fourier Transform）在声音频谱分析与合成中的作用，并比较了颗粒合成（Granular Synthesis）、波表合成（Wavetable Synthesis）等不同合成范式的音色特点与哲学意涵。探讨了声音景观（Soundscape）理论在城市环境音乐创作中的应用。 第八章：即兴：结构、自由与协作的张力场 本章将即兴音乐视为一种高度复杂的实时决策过程。通过分析爵士乐、当代室内乐即兴以及电子音乐现场循环（Looping）的案例，提炼出即兴演奏中的“隐性结构”（Implicit Structure）——即艺术家们共享的潜规则和期待。引入了博弈论（Game Theory）的概念来解释合作性即兴中参与者之间的策略互动。 第九章：音乐表演的身体性与空间性回归 面对屏幕时代对现场体验的挑战，本章重新强调了音乐表演的身体参与性。考察了身体动作（Kinesics）在传达音乐意义中的作用，尤其是在非传统乐器演奏和舞蹈剧场中的体现。同时，详细分析了空间声学（Spatial Acoustics）的设计原则，以及如何利用多声道系统和虚拟现实技术（VR/AR）来创造沉浸式、多视角的听觉体验，从而重塑观众与表演者之间的界限。 本书的结构设计旨在引导读者从基础的哲学思辨出发，过渡到严谨的跨学科分析方法，最终落脚于对前沿音乐实践的深入洞察。它不是一本教你“如何弹奏”或“如何记谱”的指南，而是一部引导你“如何思考音乐”的深度理论蓝图。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理教材的排版和装帧真是让人眼前一亮，纸张的质感非常棒，拿在手里沉甸甸的，感觉物有所值。我特别喜欢它在复杂概念解析时的那种层层递进的处理方式，初学者面对那些和声进行和调性转换时，常常会感到云里雾里，但这套书通过大量的实例和图示，把抽象的理论具体化了。尤其是对那些模唱技巧的讲解，简直是教科书级别的细致入微，光是关于音程关系的视觉化表达，就足够让人反复琢磨。对于准备考研的学子来说，光是能顺利通过初步的视唱听写考试，就已经成功了一大半，而这本书无疑提供了最坚实的基础。我记得我翻到关于复调写作那一部分时，被那些精妙的对位分析所吸引，作者似乎毫不保留地将自己多年的教学经验倾注其中，使得那些原本枯燥的规则变得生动有趣，这比市面上很多只罗列公式的参考书要高明得多。总的来说，从实体感受上到内容深度上，这本书都展现出了出版方对专业知识的敬畏和对学习者的尊重，非常值得入手。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买了好几本不同出版社的视唱教材，但真正能让我产生“茅塞顿开”感觉的，还得数这一本。它最让我欣赏的是其内容组织逻辑的跳跃性与必然性的完美结合。很多教材会老老实实地按照难度线性递增，但这本书却敢于在关键节点穿插一些极具挑战性的、看似“超纲”的练习题，而这些难题的出现并非是炫技，而是为了引导读者主动去思考更深层次的和声逻辑。这种“先抛出问题，再倒推原理”的教学法，极大地锻炼了我的乐感和临场反应能力。我记得有一次在练习一个很绕的变调段落时，我卡住了很久，后来回头看书中的某个小注释，才发现作者早已用一句精炼的话点明了处理这种转调的核心思维方式——关注共同音的走向而非调性中心。这种细微之处的匠心，才真正体现了一本优秀教材的价值，它不只是告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”，这对于建立系统的音乐思维至关重要。

评分☆☆☆☆☆

从我个人的使用体验来看，这本书的配套资源和设计思路是其区别于其他教材的关键所在。虽然我只谈论纸质书的内容，但纸质书本身就蕴含着作者对学习流程的整体设计。它对不同难度练习的编排，不是简单的加长加难，而是引入了更多的“变奏”思维。比如，当你掌握了一个基础的和弦进行后，作者会立即提供几种不同的旋律线去覆盖它，迫使你必须在瞬间对声部关系有清晰的判断。这种训练极大地增强了我的“多声部”意识，不再是孤立地看待高音声部或低音声部。此外，书中的符号系统非常统一和清晰，没有出现那种不同章节使用不同记谱法的混乱情况，这对于保持学习的连贯性非常重要。读完前几章，我感觉自己的耳朵对和声色彩的变化变得异常敏感，这是一种潜移默化的提升，远超出了单纯记忆规则的范畴。

评分☆☆☆☆☆

如果说市面上大多数视唱教材都是“工具书”，那么这本更像是一位亦师亦友的“引路人”。它的语言风格非常具有个人魅力，不像传统学术著作那样冷峻刻板，而是带有一种鼓励和激励人心的温度。尤其是在讨论到一些复杂节奏型的处理时，作者没有采用生硬的节拍划分，而是巧妙地引入了一些生活中的节奏原型进行类比，这使得我们在进行视唱练习时，能够更快地将抽象的音符转化为可感知的律动。我发现，当我尝试用作者推荐的肢体语言辅助进行模唱时，我的准确率和流畅度都有了显著提升。另外，书中的一些“常见错误分析”部分，简直是神来之笔，它精准地捕捉到了学习者在不同阶段容易犯的那些“小毛病”，并给出极富针对性的纠正方法，这比盲目刷题有效得多。这本书让我体验到了一种真正的、被关怀的学术探索过程。

评分☆☆☆☆☆

我最近在准备跨专业考研，对音乐理论的掌握程度要求非常高，但我的基础相对薄弱。最初我非常担心买到那种只适合科班出身学生的“高冷”教材，但接触到这本后，顾虑完全打消了。这本书在处理基础知识点的回归上做得极其扎实，它没有假设读者已经完全掌握了某种前提知识，而是从最基本的音高、节奏概念开始，一步步构建起复调视唱的知识大厦。让我印象深刻的是它关于“旋律线条的呼吸感”的论述，这在很多技术性教材中是被忽略的。作者强调了演唱中的乐句处理要符合人声的生理特点，这对于我们这些非音乐科班出身、需要快速掌握演唱技巧的人来说，提供了极大的便利。它平衡了学术的严谨性和实操的可行性，让我在短时间内对复杂的视唱体系有了清晰的认知框架，为后续的专项训练打下了坚实的基础。