化时代的中国音乐剧周映辰北京大学出版社正版课本教材9787301273913 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周映辰 著

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• 音乐剧
• 中国音乐剧
• 周映辰
• 北京大学出版社
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出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301273913

商品编码：29859849396

页数：203

图书基本信息
书名：	化时代的中国音乐剧
作者/主编：	周映辰
出版社：	北京大学出版社
ISBN号：	9787301273913
出版年份：	2016年

版次：	第1版
总页数：	203页
开本：	1/32
图书定价：	36.00元
实际重量：	340  g
新旧程度：	正版全新

音乐剧被认为是中国的朝阳产业之一，近年来以其强烈的舞台感染力、生动的演出形式吸引越来越的观众，各大院校也纷纷开设音乐剧。《化时代的中国音乐剧》以音乐剧本土化发展为研究对象，借鉴历史学、社会学与传播学、比较音乐学与民族音乐学等相关理论的研究方法，将理论与实践相结合，为广大音乐剧人员提供学习与研究范本，完善中国音乐剧学科建设。

作者简介

周映辰，艺术学博士。北京大学艺术学院副教授，硕士生导师，音乐剧导演。长期耕耘于音乐剧教学、科研、创作领域，创立了多项大型、国内音乐剧专题活动。周映辰理论与实践并重，出版有译著《西方文化中的音乐简史》，专著《歌唱与聆听--中西方歌唱技术的历史研究》等。

章绪论 

1.1中国音乐剧研究现状 
1.2研究音乐剧中国本土化过程的意义 
1.2.1“本土化”的含义 
1.2.2“本土化”的途径 
1.2.3“本土化”的表现 
1.2.4“本土化”研究的意义 
第二章新时期音乐剧本土化尝试 
2.1本上化发生的内在机制 
2.1.1音乐剧的包容性 
2.1.2中西相异的文化传统一 
2.1.3中西相异的国情 
2.2老瓶新酒的20世纪80年代与90年代音乐剧 
2.2.1原创音乐剧蓬勃态势 
2.1.2新概念旧模式 
2.3本土化与歌剧化、戏曲化的度量衡 
2.3.1音乐剧与歌剧的区别 
2.3.2音乐剧与中国戏曲 
2.3.3音乐剧的民族化 
第三章音乐剧本土化的发展路径 
3.1音乐剧的教育 
3.1.1高等教育前的音乐剧教育缺乏 
3.1.2高等教育音乐剧课程体系建设的问题 
3.1.3音乐剧师资建设与人才就业 
3.1.4音乐剧教育的新思路 
3.2音乐剧的创作 
3.2.1音乐剧的剧本创作 
3.2.2音乐剧的音乐创作与本土化问题 
3.3音乐剧的产业 
3.3.1音乐剧产业的市场分析和推广 
3.3.3培养复夸型音乐剧制作人 
第四章音乐剧本土化的思考 
4.1中国音乐剧在艺术上的回归和自省——以《大红灯笼高高挂》为例 
4.1.1“混搭”的音乐风格 
4.1.2在传统与现代之间舒展肢体语言 
4.1.3传统写意风格的舞台空间 
4.1.4把握中国音乐剧的表演尺度 
4.2中国音乐剧的本土化与“接地气”——以音乐剧《钢的琴》为例 
4.2.1“接地气”的故事 
4.2.2《钢的琴》音乐的本土化探索 
4.2.3从《钢的》琴看中国音乐剧本土化过程中的问题 
4.3中国音乐剧的古典性——以《曹雪芹》和《锦绣过云楼》为例 
4.3.1中国音乐剧的“古典性”——以《曹雪芹》为例 
4.3.2中国音乐剧的“古典性”——以《锦绣过云楼》的音乐为例 
4.3.3中国音乐剧的“现代性” 
4.4音乐剧与现当代文化思潮的关系 
4.4.1近代以来文化思潮与西方音乐引进 
4.4.2美育思想与儿童歌舞剧的产生 
4.4.3音乐剧的重新引进与当代文化思潮 
第五章化时代中国音乐剧的“本土化”的探讨 
5.1音乐剧在中国音乐发展史上的意义 
5.1.1审美教育意义 
5.1.2培养创新理念 
5.1.3文化消费的意义 
5.1.4文化产业意义 
5.2化时代音乐剧的“本土化”探讨 
5.2.1“化”语境下的“本土化”问题 
5.2.2“化”语境下的音乐剧“本土化” 
主要参考文献 
附录A中国音乐剧剧目 
附录B20世纪80年代至今在中国公演的西方大型音乐剧 
致谢

音乐剧作为一种"舶来"的艺术形式，从20世纪80年代被引入中国开始，已经在中国这片土地上发展了三十多年。其间，除了引进、搬演外国经典音乐剧目外，中国音乐剧人也在不断努力将音乐剧"本土化"，尝试创作出中国题材、中国风格的音乐剧作品。《化时代的中国音乐剧》拟对这一"本土化"的进程进行梳理，探讨音乐剧"本土化"的内在和外在机制，"本土化"的可能性、意义及具体路径，并对三十年来音乐剧"本土化"的实践经验加以总结评价，以期为音乐剧在中国"本土化"实践提供理论支撑和现实借鉴。

舞美之光：舞台灯光设计与实践 作者：李明 著 出版社：艺术之光出版社 ISBN：9787567589012 --- 内容简介 本书深入剖析了舞台灯光设计的理论基础、技术应用与艺术表达，旨在为舞台艺术从业者、灯光设计师以及相关专业学生提供一本全面、系统的参考指南。不同于侧重音乐剧特定曲目或产业历史的书籍，《舞美之光：舞台灯光设计与实践》将焦点完全聚焦于光影艺术本身，探讨如何通过光线的塑造，增强戏剧张力、烘托环境氛围、揭示人物内心，并最终服务于整体舞台叙事。 第一部分：光影的物理与感知基础 本部分首先建立起扎实的物理学和光学基础，这是理解灯光设计一切操作的前提。 第一章：光的物理特性与舞台应用 详细阐述了光的波粒二象性、光谱构成、色温（开尔文值）、显色指数（CRI）等核心概念。重点分析了不同光源（卤素灯、金属卤化物灯、LED光源）在舞台上的成像特点、能效比以及色彩表现力的差异。探讨了光的传播、反射、折射和散射原理，并结合舞台空间，解释了如何利用这些原理控制光束的形状和强度。 第二章：人类视觉与色彩心理学 深入探讨人眼对光的感知机制，包括明视觉、暗视觉和中间视觉。书中花了大量篇幅解析色彩理论在舞台上的应用，不仅涵盖传统的减色混光、加色混光原理，更着重于色彩的情感投射。例如，冷色调如何营造疏离感或神秘感，暖色调如何烘托温馨或紧张气氛。通过大量的案例分析，展示了如何运用色彩饱和度、亮度和对比度来引导观众的视觉焦点和情绪反应。 第二部分：灯光设计技术与设备解析 本部分是技术实践的核心，详细介绍了现代舞台灯光系统的构成和操作规范。 第三章：舞台照明设备全面解析 系统地分类和介绍了各类舞台照明设备。内容涵盖聚光灯（Profile Spots）、泛光灯（Fresnels）、回光灯（PAR Cans）、洗墙灯（Wall Washers）以及各类效果灯具，如图案灯（Moving Heads）、激光器和频闪灯。每种设备都配有详细的技术参数表、最佳应用场景和维护注意事项。特别加入了对新型LED灯具（如RGBW、RGBAW矩阵灯）的深度分析，探讨其在节能和色彩灵活性上的优势。 第四章：灯光控制系统与编程 聚焦于灯光控制台（Lighting Console）的操作和DMX/Art-Net等数字控制协议。本书强调了灯光编程的逻辑性，讲解了如何设置场景（Scenes）、序列（Sequences）、组（Groups）以及效果（Effects）。书中提供了从基础的开关控制到复杂的动态追光、时间码同步等高级编程技巧的步骤指南，并介绍了现代灯光设计师必备的仿真软件（如Capture、WYSIWYG）的使用流程。 第五章：电力布线与安全规范 作为专业技术手册的基石，本章详细介绍了舞台电力系统的安全要求、线缆规格（如Stage Cable, Socapex）、分电箱的配置和负载计算。严格遵循国际舞台安全标准，讲解了接地、防短路和应急预案的制定，确保灯光系统的稳定运行与人员安全。 第三部分：灯光设计的艺术表达与流程 本部分转向灯光设计的创意过程和最终的艺术实现。 第六章：剧本分析与概念构建 灯光设计并非孤立的艺术，而是对文本的深度解读。本章指导设计师如何从剧本、导演阐述和舞美设计初稿中提炼出核心概念。讲解了如何建立“灯光情绪板”（Light Mood Board），以及如何通过“时间、地点、人物”三要素来确立光线的主要基调和风格（如现实主义、象征主义或表现主义）。 第七章：舞台空间的照明设计手法 这一章是实践操作的重点。详细阐述了基础照明布局（General Lighting）、重点照明（Key Lighting）、轮廓光（Back Light/Kick Light）的布位原则。深入探讨了“分层照明”的概念，即如何利用不同高度和角度的光线来雕塑演员面部和服装的立体感，消除平面化效果。内容覆盖了三点布光法、交叉布光法等经典技巧在现代舞台中的演变应用。 第八章：动态灯光与叙事节奏 探讨灯光如何介入时间维度。分析了“换景”（Scene Changes）中的平滑过渡技术，如淡出/淡入、交叉淡变等。着重讲解了如何通过灯光的“运动感”（如摇头灯的扫描、追光灯的跟随）来模拟特定情境（如追逐、迷茫、爆炸），并阐述了如何配合音乐的节拍和戏剧的冲突点，实现“灯光高潮”。 第九章：特定舞台类型的灯光挑战 本书特别针对不同舞台形式进行了细分讨论： 歌剧与古典戏剧： 强调对古典美学的尊重和对宏大场景的控制。 现代舞与实验剧场： 探讨如何利用非传统光源和高对比度光影来表达抽象概念。 综艺与大型活动： 侧重于高密度灯阵的调度、快速切换和观众区的互动照明。 第十章：设计流程、协作与文档 收录了从项目启动到最终演出结案的完整工作流程。内容包括：灯位图（Instrument Schedule）的绘制标准、灯光效果图（Light Plot）的规范、灯光检修表（Focus Chart）的填写要点。强调灯光设计师与舞美设计师、舞台监督、音响工程师之间的有效沟通策略，确保设计意图在技术实现过程中不产生偏差。 结语：未来的光影探索 展望了虚拟现实（VR）、增强现实（AR）技术在舞台灯光中的潜在融合，以及人工智能在灯光自动生成方面的应用前景。 --- 本书特色： 1. 理论与实践的完美结合： 不仅讲解“为什么”，更细致阐述“如何做”。 2. 技术前沿性： 全面覆盖传统灯光与最新的LED、控制网络技术。 3. 高度的实操性： 包含大量图示、流程图和行业规范，适合一线人员参考。 4. 艺术性导向： 强调光影作为独立艺术语言的表达能力，而非仅仅作为辅助工具。 本书是灯光技术人员提升专业技能、舞台设计专业学生深化理解、以及所有舞台艺术爱好者探索光影魅力的必备工具书。通过本书的学习，读者将掌握驾驭光影的艺术与技术，使每一个舞台瞬间都充满震撼人心的视觉力量。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书最大的特色之一，在于其丰富的案例支撑和高度的可操作性。书中引用的实例不仅涵盖了那些耳熟能详的经典制作，更有许多近年来快速崛起、但在主流评论中尚未被充分讨论的新锐作品。作者似乎有着敏锐的“雷达”，总能捕捉到那些具有突破性和实验性意义的创作实践。更重要的是，书中对于这些案例的分析不是孤立的，而是将其置于一个持续演进的产业图谱之中进行考察。对于我这种需要进行舞台设计或者导演实践的学生来说，书后附带的那些关于舞美设计理念和演员训练方法的讨论片段，简直是“干货”中的“干货”。它不只是停留在“是什么”的层面，更是深入到“如何做”和“为什么这样做的”更深层次的追问中，这种实用性与理论性的完美结合，使得这本书成为我案头必备的工具书，几乎每隔一段时间都要翻阅其中关键章节，总能从中获得新的启发和解决实际问题的思路。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的印象。封面采用了一种沉稳又不失活力的色调组合，那种深蓝与亮黄的碰撞，仿佛在诉说着传统与现代的交织。纸张的质感也相当考究，拿在手里有一种恰到好处的重量感，翻阅时能感受到那种油墨散发出的清新气息，让人在学习之余也能享受到阅读的乐趣。特别是内页的排版，疏密有致，图文并茂的处理方式，使得即便是相对严肃的理论内容，也能以一种非常直观和易于理解的方式呈现出来。很多关键概念都有专门的图示或表格进行梳理，这对于我这种需要反复对照、加深理解的学习者来说，简直是福音。可以看得出，编辑在细节上下了极大的功夫，无论是页眉页脚的规范性，还是索引的详尽程度，都体现了出版社的专业水准。整体而言，这本书的物理形态本身就是一种艺术品，让人爱不释手，也更愿意沉下心来去啃读其中的知识。这种对书籍实体品质的重视，在如今这个电子阅读盛行的时代，显得尤为珍贵。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的价值远超出了单纯的学术研究范畴。它对于理解当代中国文化生态的变迁，也具有不可替代的意义。音乐剧作为一种高度依赖现代城市文化和资本运作的艺术形式，其发展本身就是观察社会思潮变迁的绝佳窗口。书中有大量的篇幅讨论了市场机制、观众群体的形成与分化，以及文化政策对艺术创作的隐形推手作用。这种跨学科的视角，让我意识到，研究音乐剧，实际上就是在研究一种正在发生的、充满张力的中国现代性叙事。特别是关于文化自信与文化输出的讨论，非常及时且具有前瞻性，作者并未给出简单的答案，而是提出了一系列深刻的问题供我们继续思考，这才是优秀教材的真正魅力所在——它点燃了我们进一步探索的欲望，而不是简单地提供了一个终点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度和广度，远超我最初的预期。我原本以为它会更侧重于某一特定流派或者历史阶段的梳理，但事实是，它提供了一个宏大而又细致的叙事框架，将中国音乐剧的发展脉络梳理得井井有条。作者的学术视野非常开阔，不仅引用了大量的本土研究成果，还巧妙地结合了西方戏剧理论进行参照和对比，让整个分析体系显得坚实而富有逻辑性。尤其是在探讨“本土化”与“国际接轨”这个核心命题时，书中展示了多组鲜活的案例，从早期的探索到近些年的成熟作品，每一步的得失都分析得入木三分，没有流于表面的赞美或批评，而是深入到创作手法、市场反应和观众接受度的多重维度。这种既有理论高度又不失实践关照的写作风格，使得这本书不仅是教科书，更像是一份详尽的行业观察报告，对于我们这些身处行业边缘，渴望了解全貌的人来说，提供了宝贵的参照系。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，更像是一场与作者进行的深度对话，他们的论证逻辑严密到让人不得不服。不同于一些学术著作的晦涩难懂，这本书的行文流畅且富有节奏感，即便是面对复杂的结构主义分析或者符号学解读，作者也能用清晰的语言将其拆解，层层递进。我尤其欣赏作者在引入新概念时所做的铺垫工作，绝不是生硬地抛出术语，而是先从一个具体的、读者熟悉的现象入手，引导我们自然而然地进入到理论的语境中。在分析某些关键作品的文本结构时，作者采用了类似“解剖”的方式，将音乐、戏剧、舞蹈元素逐一拆开，再展示它们是如何在舞台上合力实现情感传达的，这种精细入微的剖析，极大地提升了我对舞台艺术“整体性”的理解。它教会我如何用更专业的“手术刀”去看待一场演出，而不是仅仅停留在“好看”或“不好看”的肤浅判断上。