师范院校课本琴法选修课本试用本上海音乐出版社考研大专9787805535555 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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师范院校音乐教材编委会 编

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• 上海音乐出版社
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• 高等教育
• 9787805535555

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805535555

商品编码：29859846684

页数：181

图书基本信息
书名：	师范院校课本：琴法（选修课本）（试用本）
丛书名：
作者/主编：	师范院校音乐教材编委会
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805535555
出版年份：	2014年3月

版次：	第2版
总页数：	181页
开本：	16
图书定价：	38元
实际重量：	386g
新旧程度：	正版全新

《琴法(选修课本)》由上海音乐出版社出版。

单元

大调式正三和弦原位及转位1—4
大调式属七和弦原位及转位
大调式正三和弦及属七和弦的连接
大调式正三和弦连接示意图
终止式
第二单元
歌曲伴奏的和弦选配
小调式正三和弦及转位17
小调式属七和弦及转位
小调式正三和弦及属七和弦的连接
小调式正三和弦连接示意图
和弦音的重复和省略
第三单元
大小调式副三和弦34-35
大小调式各级和弦的功能组及其连接
大小调式功能组连接示意图
第四单元
民族调式歌曲的简易伴奏51—52
第五单元
歌曲伴奏编配的步骤
第六单元
歌曲伴奏的修饰（一）
第七单元
歌曲伴奏的修饰（二）
第八单元　前奏、间奏、后奏的编配

本教材使用说明如下：

　　（一）教材内容：
　　本教材共分八个单元。比较全面地介绍了儿童歌曲编配伴奏的知识；提供多种伴奏音型的练习；循序渐进地安排了提高弹奏技能的练习曲和乐曲；选用一些小学音乐教材中较为的歌曲伴奏范例，供弹奏及分析时参考每单元均设有教学重点，并配有书面和键盘的综合练习。通过练习不仅使学生掌握本单元的要点，而且给学生以充分发挥创造性的余地，达到学以致用的目的。
　　（二）教学方法：
　　本教材注意对学生实际能力的培养。通过学习，要求学生既能弹奏乐曲、练习曲，又能为儿童歌曲编配简易伴奏，同时具备边弹边唱儿童歌曲及移调弹奏的能力。
　　（三）其他方面：
　　为了便于教学和学生自学，本教材后附有二十四个大小调的音阶、琶音、和弦的指法，并补充了一些乐曲和四手联弹曲，供教师和学生选用。
　　本教材可供音乐选修学生和小学教师进修使用。

精选音乐理论与实践教程：深入探索音乐的殿堂 本书系为音乐教育、表演及研究领域学习者精心编纂的一套综合性教材，旨在为读者提供扎实、系统的音乐理论基础与丰富的实践指导。全书内容涵盖音乐学的核心领域，从历史发展脉络到具体的演奏技法，力求构建一个全面且深入的学习体系。 第一部分：西方音乐史与流派精要 本部分致力于梳理西方音乐自中世纪萌芽至二十世纪末的宏大发展历程。我们不满足于简单的年代罗列，而是深入剖析了每个历史时期音乐风格演变的内在驱动力——社会结构、哲学思潮与技术革新。 1. 中世纪与文艺复兴的奠基： 详细探讨了格里高利圣咏的结构特征，复调音乐的起源与发展，特别是奥尔加农、经文歌等早期体裁的形成过程。在文艺复兴部分，重点分析了盛期宗教复调（如帕莱斯特里那风格）和世俗音乐（如牧歌）中人文主义思想的体现，以及早期印刷术对音乐传播的革命性影响。教材中特别辟出章节，专门研究弗兰德斯画派作曲家的群星闪耀，解析其对位技巧的精妙之处。 2. 巴洛克时期的辉煌与变革： 本章深入解析了歌剧的诞生及其早期的“情感理论”（Doctrine of the Affections）在音乐中的应用。对巴赫的赋格、协奏曲与清唱剧的结构分析，着重于其对位法的逻辑严密性与情感深度。亨德尔的神剧创作，特别是《弥赛亚》的结构布局与戏剧张力，被作为研究范例展开。此外，对奏鸣曲形式（Sonata Form）在早期键盘音乐中的雏形发展进行了详尽的图表解析。 3. 古典主义的理性与平衡： 海顿、莫扎特和贝多芬的“维也纳古典乐派”是本章的重心。教材着重阐述了奏鸣曲式、回旋曲式和变奏曲式在这一时期的成熟与规范化。我们细致分析了海顿交响曲的“发展部”处理技巧，莫扎特歌剧（如《费加罗的婚礼》）中人物塑造与音乐语言的完美融合，以及贝多芬在突破古典框架、预示浪漫主义的创新举措。 4. 浪漫主义的自由与个性解放： 本部分聚焦于作曲家如何通过音乐表达强烈的个人情感与民族精神。从舒伯特的艺术歌曲（Lied）到肖邦的练习曲，再到瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论，教材强调了音乐叙事性的增强和和声语言的拓展。对民族乐派（如德沃夏克、穆索尔斯基）的音乐特色及其如何植根于民间音乐的分析，提供了跨文化的视角。 5. 二十世纪的多元探索与实验： 面对传统调性体系的瓦解，本章系统介绍了印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）、新古典主义（斯特拉文斯基）以及序列主义（韦伯恩）等主要流派。对无调性音乐的分析，采用了较为直观的音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）作为辅助工具，帮助读者理解新的组织逻辑。此外，对极简主义音乐的节奏循环特性也进行了介绍。 第二部分：和声学与对位法精论 本部分是音乐技能训练的核心，旨在培养读者对音乐结构内在逻辑的深刻理解。 1. 传统功能和声的构建与应用： 教材从最基础的三和弦开始，系统讲解了级进、转位、七和弦的构建与解决。重点深入探讨了导七和弦、减七和弦以及那不勒斯六和弦等特殊和弦的色彩性功能。大量实例分析了终止式（Cadence）的细微差别及其在乐句划分中的作用。对于和声连接的逻辑性，我们强调了声部进行（Voice Leading）的平滑性与声部间的独立性原则。 2. 对位法的严谨训练（一级至五级）： 严格遵循“对位法之父”福克斯（Fux）的教学范式，本部分通过严格的对位练习，训练读者的横向思维能力。 严格对位： 分别详述了等时值（第一、二、三级）、增减时值（第四级）和自由对位（第五级，即“混合对位”）的规则、禁忌与技巧。 自由对位： 重点分析了巴赫二部与三部创意曲中对位技巧的实际运用，强调如何使对位线条既符合规则又具备音乐感染力。 3. 20世纪和声语言的初步认知： 介绍了三全音和弦、平行和弦进行（Parallel Harmony）以及调式和声（Modal Harmony）的运用，为读者接触更现代的音乐材料做好准备。 第三部分：曲式与配器基础 1. 经典曲式结构解析： 系统讲解了单乐章曲式（如呈示部、发展部、再现部的功能与写作要点），复调曲式（如卡农、赋格的写作技法），以及大型套曲曲式（如组曲、奏鸣曲、交响曲的结构布局）。特别强调了主题的动机发展（Motivic Development）在曲式展开中的核心地位。 2. 管弦乐配器基础： 本章侧重于认识各类乐器的音区特点、音色特性、演奏技术限制与组合效果。教材详细列举了木管组、铜管组、打击乐器（包括常见和特殊打击乐器）以及弦乐组内部（如弓法、指法对音色的影响）的技术要点。通过经典交响乐片段的配器分析，使学习者理解作曲家如何运用色彩变化来服务于音乐的表达意图。 第四部分：演奏实践中的技术与艺术 虽然本书并非专项乐器演奏教材，但本部分针对所有器乐学习者，探讨了技术学习的共通原则与音乐诠释的艺术性。 1. 技术训练的科学方法： 强调正确的身体姿势、肌肉放松与高效能的触键或发声方式。分析了不同演奏法对音色产生的影响，例如，弦乐演奏中的运弓力度与速度对音量的控制；键盘演奏中的触键深度与颗粒性处理。 2. 音乐文本的解读与诠释： 本节指导读者如何深入研究乐谱上标记的表情术语（Tempo, Dynamics, Articulation）。探讨了“速度的弹性”（Rubato）在不同风格作品中的处理差异，以及如何通过对乐句的呼吸与重音安排，展现作曲家意图，避免技术性演奏沦为机械模仿。 通过这四部分的系统学习，读者将能够建立起一个结构严谨、知识全面的音乐素养框架，无论是进行学术研究、从事音乐教育，还是提升自身的演奏与欣赏水平，都将受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了深刻的第一印象，封面色彩运用得相当大胆且富有张力，那种深邃的蓝色与烫金的字体搭配起来，立刻就营造出一种既古典又现代的艺术气息。纸张的质地也十分考究，厚实且有一定的纹理感，翻阅时能感受到一种扎实的品质感，不像有些教材摸上去就显得很廉价。装订的处理也很精细，即便是反复翻阅，内页的连接处也依然牢固，这对于一本经常需要被翻开查阅的教材来说至关重要。版式的设计更是体现了出版方的用心，清晰的五线谱和旁边的文字说明之间保持了恰到好处的留白，眼睛不容易疲劳。尤其是那些图例和技巧分解的插图，线条勾勒得极其精准，即使是初学者也能一眼看出演奏时的手型要点。整体来看，这本书从外到内都散发着一种专业和严谨的气质，让人在尚未深入内容之前，就已经对接下来的学习充满了期待和敬畏感。这种对细节的打磨，无疑为这本书增添了不少光彩，也体现了上海音乐出版社在教材制作上的高标准。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个下午的时间，只是沉浸在对这本书编排逻辑的梳理上，其内在的知识结构构建简直可以用“丝丝入扣”来形容。它绝非简单的曲目堆砌，而是构建了一个循序渐进、层层递进的学习阶梯。起始部分的乐理基础回顾，不是那种枯燥的公式复述，而是巧妙地融入到实际的演奏情境中去讲解，让你在学习如何“弹”的同时，自然而然地领悟了“为什么这么弹”。随着章节的深入，作者对不同时期、不同风格的钢琴作品的选取，展现了极高的学术视野和教学智慧。例如，在处理巴洛克时期的复调作品时，其对声部平衡和织体清晰度的强调，简直像一位经验丰富的大师在耳边亲自指导，每一个指法建议都直击要害。这种由浅入深、理论与实践完美融合的编排方式，极大地降低了自学者的理解门槛，同时也为专业人士提供了深入钻研的参考价值。这本书的价值，很大程度上就体现在这种精心设计的学习路径上，它引领你稳健地迈向更高层次的音乐理解与表达。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期接触各类教学资源的读者的角度来看，这本试用本展现出了巨大的潜力，它的内容深度和广度，足以让它在同类教材中占据一席之地。尤其令人欣慰的是，它所蕴含的学术严谨性，完全符合高等教育的培养目标。书中的一些注释和参考资料的引用，都透露出编者深厚的学术背景，这为学习者构建知识体系提供了可靠的外部支持。即便是一些看似基础的练习，其背后的理论逻辑也得到了充分的阐释，避免了“知其然不知其所以然”的学习困境。这本书不仅仅是教会我们如何使用钢琴，更重要的是，它在培养我们作为未来音乐教育者或演奏家的批判性思维和自我完善能力。这套教材的试用，无疑是一次宝贵的学习经历，它不仅充实了我的演奏技巧，更拓宽了我对钢琴艺术的整体认知边界，绝对值得深入研究和探讨。

评分☆☆☆☆☆

作为一本选修性质的教材，这本书的视野的开阔性着实令人赞叹，它成功地在保持专业深度的同时，兼顾了对艺术广度的探索。我特别欣赏其中关于“风格化演奏”那一章节的论述。它没有简单地将不同作曲家的作品归类，而是深入探讨了不同历史时期对“美”的理解是如何反映在钢琴演奏法上的。比如，对于浪漫主义作品中那些歌唱性的旋律线处理，书中强调了“气息”在键盘上的投射感，这完全超越了一般考级教材中对“触键轻重”的简单划分。这种对音乐内涵的挖掘，使得演奏不再仅仅是机械地弹出音符，而变成了一种富有个人情感和时代印记的艺术阐释。对于希望提升自己音乐素养，不仅仅满足于“会弹”的读者来说，这本书提供了一个极好的哲学层面的思考框架，引导我们去追问：我弹奏的这首作品，究竟想表达什么？这才是高级音乐学习的精髓所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对技术难点的剖析上，简直是做到了庖丁解牛般的精妙。很多其他教材在讲解像大跨度琶音或复杂的双音进行时，往往只是给出示意图和一段简短的文字，让人在实践中摸不着头脑。然而，这本书不同，它似乎预设了学习者在哪个环节会遇到瓶颈，并提前准备了“预案”。比如，对于一些需要特定手腕力量和放松技巧的乐段，它会引入一些非常规的练习方法，可能是特定的身体姿态调整，也可能是对触键深度的微调描述，这些细节的捕捉和文字的精准描绘，让我感觉作者对钢琴演奏的身体力学有着极其深刻的理解。我尝试了其中一个关于手指独立性训练的小练习，仅仅练习了半小时，就明显感觉原本僵硬的指尖变得更加灵活和有控制力了。这种立竿见影的效果，让我对后续挑战高难度曲目充满了信心，它提供的不是空泛的指导，而是切实可行的“技术升级包”。