基本乐理:新增听觉训练 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562188209

商品编码：29793408320

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	基本乐理:新增听觉训练 音乐 书籍
作者：	贾方爵
定价：	39.0
出版社：	西南师范大学出版社
出版日期：	2017-06-01
ISBN：	9787562188209
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	16开

内容简介

《21世纪音乐教育丛书：基本乐理（新增听觉训练 第7版）》是作者贾方爵在原《基本乐理》基础上再次修改而成。 　　《21世纪音乐教育丛书：基本乐理（新增听觉训练 第7版）》共13章，包括“音的高度与记谱法”，“音的长短与记谱法”，“节奏、节拍”，“调、调号、调号的产生、译谱、临时记号”，“装饰音、略写记号及其他记号”，“速度、力度及感情术语”，“音程”，“和弦”，“调式”，“调式中的音程及和弦”，“调性关系、调性变换”等。 　　《21世纪音乐教育丛书：基本乐理（新增听觉训练 第7版）》各章选用口头阐述习题、书写习题和键盘习题等，各种习题内容丰富、题型多样。 　　《21世纪音乐教育丛书：基本乐理（新增听觉训练 第7版）》可作为高等师范院校音乐院、系的本科、专科、函授、自考及艺术学校、中等师范学校音乐班的“基本乐理教材”，也可供专业音乐工作者和业余音乐爱好者学习音乐基本理论使用。

目录

好的，这是一本关于《中国古代文学批评史》的图书简介。 --- 《中国古代文学批评史》 内容简介 本书旨在系统梳理和深入剖析中国古代文学批评思想的演变历程及其核心议题。作为一部兼具学术深度与阅读广度的专著，它不仅追溯了自先秦至清末两千余年间文论思想的源流与发展脉络，更着重探讨了特定历史时期下，文学批评如何与当时的政治环境、哲学思潮、社会风尚以及文人命运紧密交织，共同塑造了中国古典文学的审美图景与价值体系。 全书结构清晰，按时间线索和理论流派划分为若干部分，力求呈现一个完整而立体的古代文论发展图景。 第一部分：萌芽与奠基——先秦至汉魏的文论初探 本部分首先考察了《诗经》的创作精神与早期阐释，重点分析了“温柔敦厚”等早期诗教观念的形成。随后，深入探讨了孔子、墨子等诸子百家在论述文学功用时所蕴含的朴素文论思想。重点部分聚焦于西汉的经学批评与辞赋评论，如司马迁《报任安书》中对文学的自我定位，以及扬雄《法言》中对语言艺术的精微观察。汉魏之际，文学批评开始从经学附庸的地位中逐渐独立出来。建安风骨的张扬与“建安七子”的创作实践，为后世提供了重要的批判性参照。 第二部分：理论的自觉与成熟——魏晋南北朝的文体论与风骨之辨 魏晋时期是中国古代文学批评史上的一个关键转折点。在本部分中，读者将看到文学批评如何摆脱了纯粹的政治教化目的，走向对文学本体的自觉关注。重点剖析了“文以载道”与“文以抒情”之间的张力。对曹丕《典论·论文》中确立的文学史观的意义进行了细致阐释，这是中国文学史上第一次真正意义上的文学史意识的体现。 对陆机《文赋》的精读是本部分的核心。陆机的理论，以其对写作技巧、结构布局的系统论述，标志着中国文论进入了自觉的艺术自觉阶段。此外，本书还详细梳理了以“风骨”为核心的批评标准是如何在南北朝时期逐步确立和演化的，对“永明体”的声律研究，以及沈约、钟嵘（《诗品》）在文学风格分类上的创见，进行了深入的辨析。钟嵘对优秀作家的品评，不仅是审美判断，更蕴含了对人格与文风一致性的深刻洞察。 第三部分：综合与规范——唐代的创作实践与评论高峰 唐代文学的繁荣，催生了空前丰富的批评成果。本书在此部分着重探讨了唐代文人如何调和儒家传统、道家玄思与佛家禅理，以构建新的审美范式。从初唐的“初唐四杰”到盛唐的田园山水与浪漫主义，每一种文学风格的兴起都伴随着相应的理论回应。 重点分析了韩愈、柳宗元倡导的古文运动，不仅是文体革新，更是对文学独立性、思想性的重新张扬，其“文以明道”的内涵在唐代获得了新的解释。中晚唐时期，李翱、皮休等人的论述，以及杜牧、李商隐等人的诗论片断，展示了理论的细腻化倾向。 尤其值得关注的是，本书对唐代“诗法”研究的深入剖析，如司空图《诗品》对二十四种风格的提炼，其超越具体内容、直指审美意境的抽象概括能力，达到了极高的艺术高度，成为后世学习和模仿的圭臬。 第四部分：理论的精细化与哲理化——宋代的理趣与格律的深化 宋代文学批评在继承唐代优秀传统的基础上，走向了更富哲理性和思辨性的方向。宋人对“理”的追求，不仅体现在理学的发展，也深刻影响了他们的文论。本书详细考察了宋初对“盛唐气象”的追摹与反思，以及苏轼、黄庭坚在诗歌理论上的重大突破。苏轼的“我行我素”，强调作家的个性与体验，为文学的自由表达开辟了新的空间。 北宋后期，以严羽《沧浪诗话》为代表，标志着对文学“妙悟”境界的哲学化阐释达到了新的高峰。“不着一字，尽得风流”的论断，将诗歌的审美标准推向了“意境”与“气韵”的层面，强调了超越言说的艺术感染力，对后世产生了极其深远的影响。 第五部分：集大成与反思——元明清的复古、拟古与文学独立意识的觉醒 元明清时期，文学批评呈现出复杂的面貌。一方面，是对前代经典的追捧与复古的思潮（如元代的“学宋派”）；另一方面，随着市民文学的兴起和商品经济的发展，对于小说、戏曲等“小道”的关注度空前提高，文论的讨论范围大大拓宽。 本书详细分析了明代前后“公安派”与“竟陵派”围绕“性灵”与“独抒性灵”展开的论战。袁宏道等人对个性解放的呼唤，是古代文论中追求主体性最激进的表达。清代文论则进入了总结与批判的阶段。 以王夫之的《船山诗说》为代表，其将辩证法引入文论，对“情”与“理”的关系进行了精妙的分析。沈德潜的“格调说”，试图在继承传统的同时寻求一种新的规范。最后，本书梳理了清代对小说、戏曲（如金圣叹对《水浒传》、《西厢记》的评点）的深入研究，展示了中国古代文学批评如何以开放的姿态，接纳和评价新的文学形态，并最终为近现代文学批评思潮的兴起奠定了理论基础。 本书特色： 本书不仅是文学史的梳理，更是思想史的穿插。通过对历代重要文论家如刘勰、钟嵘、韩愈、苏轼、严羽、王夫之等人的核心观点进行深度解读，力求揭示其理论背后的时代精神与文化基因。阅读本书，读者将得以领略中国古代知识分子在审美、道德与创作实践之间不断斡旋的智慧与困境，从而真正理解中国古典文学的深度与厚度。它适合古典文学专业的师生、对中国思想史和美学史有浓厚兴趣的广大读者。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理教材的排版设计实在让人眼前一亮，完全不是那种传统教科书的枯燥模样。首先，色彩的运用非常大胆且富有层次感，很多概念的图示不再是简单的黑白线条，而是用鲜明的颜色辅助理解，比如讲到和声进行时，不同声部的线条颜色区分度极高，一下子就能抓住视觉焦点。我尤其欣赏它在讲解复杂理论时的空间布局。很多时候，一张跨页被巧妙地分割成几个相互关联却又独立的模块，左边是严谨的文字定义，右边可能是某个大师作品的简短分析，下面则配有手绘的、有点卡通风格的乐谱示例。这种多媒体式的视觉体验，让我在学习音程和调式转换时，感觉像是在进行一场有趣的寻宝游戏，而不是单纯地啃书本知识。装帧质量也值得称赞，纸张厚实，即使用铅笔在旁边标注了大量的个人理解和习题答案，翻阅起来也不会有任何担心会损坏书页的顾虑。唯一的“小瑕疵”或许是，某些理论点的图示密集度稍高，初次接触的读者可能需要花点时间去适应这种信息密度。但总体而言，它成功地将枯燥的理论包装成了一场视觉盛宴，极大地提升了阅读的愉悦度和学习的持久性。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经学习过基础乐理，但想进一步深化对功能和声理解的音乐爱好者，这本书的内容深度令我感到惊喜。它没有在“什么是大调小调”这种基础点上过多停留，而是迅速切入到了更精妙的织体和声学现象。我特别喜欢其中关于“次属和弦”应用的历史脉络分析，作者没有生硬地给出规则，而是通过巴赫、莫扎特到德彪西作品中这些和弦功能变化的细微差异，来阐释和声语言是如何随着时代演进的。这种“用实例说话”的方式，远比死记硬背和弦功能表有效得多。此外，书中对“不协和音程的处理”这一章节的讲解，简直是教科书级别的。它不仅解释了如何解决不协和，还深入探讨了作曲家如何故意延长或强化不协和感来达到特定的情感张力，这种对“打破规则”的艺术性探讨，极大地拓宽了我的音乐视野。对于那些不满足于仅仅“知道”乐理，而渴望“运用”乐理进行创作或深入分析的人来说，这本书的理论探讨深度是绰绰有余的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在练习和自我检验环节的设计上，展现出一种非常务实的态度。它深知乐理的学习最终还是要落实到“听”和“写”的能力上。我最常使用的是书后附带的那些针对特定技巧的专项练习，比如“四部和声进行检验”的练习题，它不是简单的填空，而是要求你必须在给定的旋律基础上，写出至少两种风格迥异的伴奏和声，这迫使我去思考和声的灵活性和语境依赖性。更重要的是，它提供了一套完整的“错误分析”框架。当你做错一道题时，书中的提示并不是直接给出正确答案，而是引导你回顾是哪条规则（比如平行五度的规避、声部进行的最优化等）没有被严格遵守，这种反馈机制极大地强化了对规范的内化过程。我通常会把这些练习和我的电子键盘结合起来，弹奏我写下的和声进行，亲耳验证我的书面逻辑是否在听觉上成立。这种实践导向的练习设计，是我认为它区别于其他理论书籍的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

从授课者的角度来看，这本书的结构化和模块化处理非常到位，非常适合作为教学参考资料。每一个知识点都被清晰地标记了其在整个乐理体系中的位置，并且有明确的“前置知识”和“后续拓展”的指引。例如，在讲解调性中心和离调时，它会清楚地标明读者需要先熟练掌握的转调技巧，避免了知识点的断裂。此外，书中对一些复杂的音乐术语和概念，提供了多重定义的版本——包括传统术语和现代音乐学中更偏向描述性的表达方式，这对于处理跨学科的音乐研究非常有帮助。它的章节编排逻辑非常流畅，仿佛是按照一次完整的音乐会流程来组织的，从最基础的音高和节奏搭建起骨架，然后逐渐填充和声、曲式，最后才是探讨风格和配器法。这种层层递进、逻辑严密的组织方式，使得教师可以很方便地根据教学进度来裁剪和选择内容，灵活性很高。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书后，我发现自己对音乐的“感觉”有了更坚实的基础去支撑。过去，有些音乐片段仅仅是“好听”或“悲伤”，但现在我能更清晰地分辨出这份情感是如何被结构化的元素所构建的。比如，当听到一段非常优美的浪漫主义作品时，我不再仅仅沉醉于旋律，而是会立刻注意到作曲家是如何运用减七和弦的快速分解和模棱两可的解决方式，来营造那种“渴望而不得”的戏剧张力。这种从感性体验到理性分析的桥梁作用，是这本书最大的价值所在。它不是要让你成为一个只会分析的“乐理机器”，而是要让你成为一个更懂得欣赏、更能有效表达自己音乐想法的创作者或聆听者。它成功地将枯燥的规则和鲜活的艺术感知融为一体，让理论学习不再是束缚，而成为了解放音乐想象力的工具。这种深层次的共鸣和理解的提升，是我阅读这本书最深刻的收获。