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狄其安 編

圖書標籤:

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齣版社： 上海音樂

ISBN：9787807512844

商品編碼：29781446744

開本：32

齣版時間：2008-10-01

基本信息

• 商品名稱：電影中的音樂
• 作者：狄其安
• 定價：35
• 齣版社：上海音樂
• ISBN號：9787807512844

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2008-10-01
• 印刷時間：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：5
• 開本：32開
• 包裝：平裝
• 頁數：252

內容提要

電影音樂從它誕生至今雖然已有百餘年的曆史， 但與其他姐妹藝術(如：詩歌、小說、繪畫、雕塑等) 相比，還是一門年輕的藝術。然而隨著電影技術日趨 完善和電影放映的普及，電影音樂已迅速打破地域界 限，飛嚮世界各個角落，飛入億萬人民的心中。它比 交響樂、大閤唱等音樂作品*通俗、*易懂，也*為 人們所喜愛，因此也擁有*多的聽眾。
     如今，電影音樂已成為大眾音樂生活中一個不可 或缺的重要組成部分，但如何引導人們欣賞電影音樂 ，以至進一步對電影音樂美學理論展開研究探討的書 籍還是相當稀少。狄其安教授在從事課堂教學的同時 ，潛心撰寫的《電影中的音樂》內容翔實，資料豐富 ，並深入淺齣、易於閱覽，為廣大電影音樂愛好者如 何係統地鑒賞電影音樂提供瞭有益的幫助。
    

目錄

序
引言
上篇 電影音樂概述
一、電影和電影音樂
二、電影音樂發展的曆史
三、電影音樂在電影中的主要作用
1．描繪作用
2．抒情作用
3．劇作作用
4．背景氣氛作用
5．結構貫串作用
四、電影音樂與電影畫麵的關係
1．音畫同步
2．音畫平行
3．音畫對位
4．音畫逆行
5．音畫遊離
五、音樂作品寫作思維與電影創作思維的矛盾
1．片斷與整體的矛盾
2．視聽統一的矛盾
3．音樂長度的製約性
六、電影音樂常用的麯式結構
1．奏鳴麯式
2．迴鏇麯式
3．變奏麯式
中篇 中外故事片音樂分析
一、前蘇聯電影《牛虻》音樂分析
二、英國電影《法國中尉的女人》音樂分析
三、德國、法國、波蘭、英國聯閤拍攝電影《鋼琴師》音樂分析
四、美國動畫片《獅子王》音樂分析
五、美國電影《空軍一號》音樂分析
六、美國電影《走齣非洲》音樂分析
七、美國電影《達·芬奇密碼》音樂分析
八、中國電影《臥虎藏龍》音樂分析
九、中國電影《天地英雄》音樂分析
十、中國電影《太行山上》音樂分析
十一、中國電影《霸王彆姬》音樂分析
十二、中國電影《紅河榖》音樂分析
十三、中國電影《理發師》音樂分析
十四、中國電影《東京審判》音樂分析
十五、中國電影《夜宴》音樂分析
下篇 中外紀錄片和科教片音樂分析
一、中國紀錄片《布達拉宮》音樂分析
二、中國紀錄片《茶馬古道·德拉姆》音樂分析
三、法國紀錄片《遷徙的鳥》音樂分析
四、法國紀錄片《微觀世界》音樂分析
五、中國科教片《宇宙與人》音樂分析
結束語
附：十四部故事片的作麯傢介紹

悠揚的弦音：古典音樂的跨時代魅力 內容簡介 《悠揚的弦音：古典音樂的跨時代魅力》並非一部探討影視配樂如何烘托敘事的專著，而是一部深度挖掘西方古典音樂本體、梳理其發展脈絡、解析其核心美學與永恒影響力的厚重之作。本書旨在引導讀者穿越時空，親曆巴洛剋時期的嚴謹對位，感受古典主義的和諧典雅，領略浪漫主義的澎湃激情，並探究二十世紀及當代音樂如何迴應劇變的世界。 本書結構嚴謹，內容涵蓋麵廣，從音樂的起源與早期記譜法的演變開始，係統地介紹瞭西方音樂史上各個主要流派的關鍵人物、代錶作品及其獨特的藝術特徵。我們不談論電影中特定場景的配樂選擇，而是專注於音樂本身——音符、和聲、對位、麯式結構及其背後蘊含的哲學思考。 第一部分：和聲的基石——巴洛剋與古典主義的輝煌 本部分首先聚焦於巴洛剋時代（約1600-1750年），這一時期是西方音樂體係成熟的關鍵階段。我們將詳細剖析“巴洛剋”一詞所代錶的裝飾性、復雜性和戲劇性特徵。重點探討瞭通奏低音（Basso Continuo）的實踐及其對音樂織體的影響，並深入分析瞭巴赫（J.S. Bach）對位藝術的巔峰成就，特彆是《平均律鋼琴麯集》中對十二平均律體係的奠基性貢獻，以及他康塔塔和受難麯中蘊含的深刻宗教情感與精妙的數學結構。亨德爾（G.F. Handel）的歌劇和清唱劇，特彆是《彌賽亞》，如何將戲劇性與崇高感融為一體，也將被細緻考察。 隨後，筆鋒轉嚮古典主義時期（約1750-1820年），這是一個追求清晰、平衡、普適性美學的時代。我們將探討奏鳴麯式（Sonata Form）如何成為這一時期器樂創作的骨架，以及交響麯和弦樂四重奏如何確立瞭重要的音樂體裁標準。海頓（Joseph Haydn）被譽為“交響麯之父”，他的作品如何預示瞭未來音樂發展的方嚮？莫紮特（W.A. Mozart）的音樂，如何以其無與倫比的鏇律天賦和完美的形式感，展現瞭人類精神的純粹光輝？本書將從音樂結構層麵解構這些傑作，而非探討它們在任何其他藝術形式中的應用。 第二部分：情感的洪流——浪漫主義的狂想與探索 進入十九世紀，音樂不再僅僅是形式的追求，它成為瞭錶達個體情感、民族精神乃至形而上學思考的最直接載體。本部分深入探討浪漫主義音樂（約1820-1910年）的核心特徵：主觀性、對自然的崇拜、對民間傳說的迷戀以及對“無限”的渴望。 貝多芬（Ludwig van Beethoven）作為連接古典與浪漫的橋梁，其晚期作品中展現齣的個人意誌的掙紮與超越，將被單獨作為專題進行分析。舒伯特（Franz Schubert）的藝術歌麯（Lied）如何通過詩與樂的完美結閤，開創瞭室內人聲音樂的新紀元？肖邦（Frédéric Chopin）的鋼琴作品如何將民族（波蘭）元素與高度個人化的抒情完美融閤？ 此外，本書還專門開闢章節討論民族樂派的興起，如德彪西（Claude Debussy）的印象主義對傳統調性體係的挑戰，以及瓦格納（Richard Wagner）的“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）概念，著重分析其主導動機（Leitmotif）在音樂結構中的復雜布局，以及他如何徹底革新瞭歌劇的語言和和聲的邊界。 第三部分：斷裂與重生——二十世紀及後世的音樂實驗 二十世紀是音樂史上最動蕩也最富創造力的時期。技術進步和社會變革對音樂語言産生瞭劇烈衝擊。本部分將梳理從後浪漫主義嚮現代主義過渡的軌跡。 我們將探討勛伯格（Arnold Schoenberg）如何引入十二音技法（Twelve-Tone Technique），這不僅僅是一種作麯技巧的改變，更是對傳統調性中心的徹底顛覆。斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》如何以其原始的節奏衝擊力震撼瞭歐洲樂壇，並預示瞭節奏學研究的重要性。德彪西和拉威爾（Maurice Ravel）如何運用音色和模糊的和聲，描繪齣超越具象的聽覺圖景？ 本書還會涉及極簡主義（Minimalism）如賴希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）的復調模式，以及序列音樂（Serialism）的理性結構，展現作麯傢們如何試圖在失去瞭傳統美學框架後，重建新的秩序與邏輯。我們關注的始終是音響世界的內在規律，而非其在外部媒介中的功能性。 結語：超越媒介的永恒之聲 《悠揚的弦音》的最終目的，是引導讀者迴歸到音樂本身——作為一種純粹的聽覺藝術，它如何通過自身的結構、節奏和情感張力，實現對人類經驗的深刻映照。它是一部獻給所有對古典音樂的深邃結構、曆史演變和不朽美學抱有熱忱的探索者的指南。它邀請讀者放下對音樂的任何預設印象，直接聆聽那些跨越時代、依然能夠震撼人心的純粹聲響。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到驚喜的是它對“去中心化”聲音處理的討論。我們通常關注的是那些宏大、主題明確的管弦樂，但作者卻將焦點投嚮瞭那些被忽略的背景噪音、環境音效，以及它們是如何被音樂巧妙地“同化”或“對立”的。他舉瞭一個關於某個歐洲藝術電影的例子，描述瞭環境中的雨聲和低沉的大提琴聲如何共同構建瞭一個角色深層的孤獨感，而不是簡單的“下雨時放點悲傷的音樂”。這種對聲音層次結構的細緻解剖，讓我意識到，電影配樂遠不止是鏇律和和聲那麼簡單，它是一個復雜的聲場工程。作者的筆觸細膩到仿佛能描繪齣空氣中震動的頻率，這種對細節的極緻捕捉能力，是這本書區彆於市麵上其他同類作品的關鍵所在。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我原本以為這會是一本非常枯燥的“技術手冊”或者僅僅是影迷的“懷舊集錦”，但事實證明我錯得離譜。這本書的行文風格極其跳躍且充滿個人色彩，簡直就像在和一位博學多纔卻又極度隨性的老朋友聊天。它不像教科書那樣循規蹈矩，反而更像是作者在咖啡館裏，興之所至地分享他多年來對電影聲音的癡迷和洞察。比如，它對“寂靜”的處理，簡直是神來之筆。作者並沒有將寂靜視為音樂的對立麵，而是將其提升到瞭一種敘事工具的高度——那種在高潮前刻意營造的、令人窒息的空白，比任何交響樂段都更能穿透人心。這種充滿哲思和反直覺的觀點，讓人不得不重新審視自己多年來觀看電影時的聽覺習慣。我感覺作者對節奏的掌控能力，就像他分析的那些偉大作麯傢一樣，收放自如，引人入勝。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，這本書的節奏感非常具有“電影性”，讀起來一點都不拖遝。它似乎深諳如何製造懸念和高潮。開篇就像一部精彩的序麯，用幾個極具衝擊力的片段迅速抓住讀者的注意力，接著進入中間段落對具體案例的深入剖析，分析的密度很高，信息量極大，讓人不得不放慢速度仔細咀嚼。但最精彩的是結尾部分，它沒有落入俗套地做總結陳詞，而是以一種開放式的、帶有預言性的口吻，探討瞭未來數字音頻技術對電影音樂敘事可能帶來的顛覆。這種對未來趨勢的敏銳洞察，加上對過去經典作品的深刻緻敬，使得整本書在時間維度上得到瞭極好的平衡。讀完後，我感受到的不是知識的終結，而是一種全新的、被拓展瞭的觀影期待。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的學術性比我預期的要強得多，但它處理得非常巧妙，沒有讓人感到晦澀難懂。作者顯然是做過極其紮實的田野調查和文獻梳理的，他引用瞭許多鮮為人知的一手資料和作麯傢的日記片段，為我們構建瞭一個飽滿的創作情境。我特彆喜歡其中關於“跨文化音樂嫁接”的章節，探討瞭不同文化背景下的音樂母題是如何被好萊塢的作麯傢挪用、適應乃至異化的過程。這不僅僅是音樂史的記錄，更是一部關於文化權力與審美邊界的探討。閱讀過程中，我體驗到一種知識的纍積感，仿佛打開瞭一個關於電影聲音的秘密寶庫，每一個章節都提供瞭堅實的論據和生動的案例支撐，使得那些抽象的理論變得觸手可及，充滿說服力。

評分☆☆☆☆☆

這部作品的敘事視角非常獨特，它沒有僅僅停留在對經典電影配樂的羅列和賞析上，而是深入挖掘瞭音樂如何在銀幕上與敘事、角色塑造以及情感共鳴之間建立起一種近乎化學反應的復雜聯係。作者似乎擁有一種魔力，能將原本沉寂在光影背後的聽覺元素，以一種近乎可視化的方式呈現在讀者麵前。我記得其中有一章節，專門探討瞭某個特定時期（比如五十年代末到六十年代初）的管弦樂編排如何悄然改變瞭好萊塢的敘事節奏，從那種強硬的、明確的情緒引導，轉嚮瞭一種更微妙、更依賴觀眾自身解讀的“聲音潛文本”。這種分析的深度和廣度，遠超齣瞭我預想中一本關於“電影音樂”的書籍會具備的範疇。它更像是一部關於電影史、社會心理學與聲學美學的交叉研究報告，隻是包裹在對動人鏇律的贊美之中。閱讀過程中，我好幾次暫停下來，特意去重溫瞭那些被提及的片段，纔真正體會到作者所言的“音符的重量”。