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出版社： 金盾出版社

ISBN：9787508255958

商品编码：29782335889

丛书名： 钢琴演奏入门

开本：16开

出版时间：2010-09-01

商品参数
基本信息

书名：	钢琴演奏入门
作者：	康薇嘉//吴元会	开本：
YJ：	23	页数：
现价：	见1；CY=CY部	出版时间	2009-04-01
书号：	9787508255958	印刷时间：
出版社：	金盾出版社	版次：
商品类型：	图书	印次：

内容提要 作者简介 精彩导读 D一章　钢琴的基本知识
　　D二节 钢琴的选购
　 一、选品牌
　 1先要选择一个好的品牌，因为一个好品牌的钢琴是厂家经过长期不懈的研究、实验和多次技术改进，精心培育出来的精品。投放市场后，又经受了成千上万用户使用的考验和不同品牌钢琴之间的竞争，被实践证明是好产品。因此，从原则上来说其品质是有保证的，售后服务也有保证，用户使用比较放心。
　二、检查各项性能指标
　 （一）钢琴的音律要准确
　 对一架钢琴来说，音要准，这是Z基本的要求。钢琴每个键发出的音都不能偏离它本身应有的频率，既不能走调，也不能出现杂音、沙音、哑音。其次，律要准，不同音高之间的距离（音程）要相等。只有这两个方面（音和律）都符合要求，才算是音律准确。钢琴音律不准，钢琴音乐所有的美都将被扭曲，那么这架钢琴J没有再往下选的必要。
　 （二）音色、音量
　 音色、音量必须满足演奏的需要和个人的喜爱。从右端高音键开始逐次向左弹若干键，听高音是否明亮；再从左端低音键逐次向右弹几个键，听低音是否浑厚。
　 音色过亮，显得单一，可塑性小；过暗，显得沉闷。YL的钢琴应该是音色丰富，富于变化，能反映不同的演奏力度，既可以柔美、清晰地弱奏，也可以壮丽雄浑地强奏。先弹一下中音区，因为钢琴整体音色的好坏基本上可从中音区的音色确定，延音要尽可能长，音色要柔和，不能沉闷、脆硬。
　 （三）踏板的延音功能和弱音功能
　钢琴有三个踏板：右踏板为延音踏板，踩下后，能起到共鸣和延音效果；左踏板为弱音踏板，踩下后，演奏时声音减弱；中间踏板是练习用弱音踏板，可分别检测三者的功能。
　 （四）灵敏度与手指触键感受
　　…… 目录 D一章 钢琴的基本知识
　D一节 钢琴简介
　D二节 钢琴的选购
　D三节 钢琴的调律
　D四节 钢琴的保养
D二章 简明基础乐理
　D一节 钢琴键盘与音名、唱名、五线谱、简谱对照图
　D二节 记谱
　D三节 节奏、节拍
D三章 正确的弹奏姿势
　D一节 坐姿
　D二节 手指编号、手指关节编号
　D三节 手的基本造型
　D四节 触键的基本方法
D四章 四种基本奏法
　D一节 断音奏法
　D二节 连音奏法
　D三节 跳音奏法
　D四节 双音奏法
D五章 九种基本指法
　D一节 八种基本指法
　D二节 落滚指法（D九种基本指法）
　D三节 指法总结与指法设计
D六章 基本节奏练习
　一、基本乐理
　二、附点二分音符练习曲
　三、八分音符练习曲
　四、附点四分音符练习曲
　五、切分音练习
　六、十六分音符练习曲
　七、附点八分音符练习曲
　八、前十六分音符练习曲
　九、后十六分音符练习曲
　十、三连音练习
D七章 基本演奏技术
　D一节 调式音阶
　D二节 三和弦
　D三节 琶音（分解和弦）
　D四节 复调
　D五节 踏板
D八章 乐曲六1
　D一节 D奏曲五1
　D二节 四手联弹曲一1
附录
　一、力度术语
　二、速度术语
　三、表情与演奏法术语
　四、各种常用记号
　五、指法符号标注一览表
目录
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内容介绍
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书名：交响乐团的诞生与演变：从巴洛克到二十一世纪 图书简介 本书旨在系统而深入地探讨西方交响乐团自萌芽至当代形态的漫长发展历程，揭示其在音乐史、社会结构乃至技术革新中的多重角色与深刻变革。我们拒绝将交响乐团视为一个静止不变的实体，而是将其视为一个不断适应时代精神、吸纳新技术、重塑自身疆域的有机生命体。 第一部分：前奏——巴洛克时期的器乐合奏（约1600-1750年） 本部分聚焦于交响乐的“胚胎期”。我们将详尽考察早期的器乐合奏形式，如协奏曲（Concerto Grosso）与室内乐团的结构。重点分析数字低音（Basso Continuo）在早期乐团构建中的核心作用，以及小提琴家族如何逐步确立其主导地位。 早期乐团的构成： 分析维瓦尔第和巴赫时代乐团的规模与乐器配置的随机性。它并非一个标准化实体，而是依据特定作品需求和宫廷赞助者的资源灵活组建。探究羽管键琴、鲁特琴等乐器如何提供和声基础。 管乐器的地位提升： 详细梳理双簧管、法式圆号在巴洛克中后期开始获得独立声部，不再仅仅是简单的和声填充。例如，亨德尔歌剧中管乐声部的精妙运用如何预示着未来管弦乐的色彩潜力。 指挥概念的萌芽： 探讨在没有现代指挥家概念的时代，乐团如何通过首席小提琴手（Concertmaster）或键盘手进行集体领导，以及这种领导方式对演奏实践产生的影响。 第二部分：古典主义的秩序与平衡（约1750-1820年） 古典主义时期是交响乐形式和乐团编制实现初步“标准化”的关键阶段。海顿、莫扎特和贝多芬的作品不仅奠定了交响曲的四乐章结构，也对乐团的编制提出了清晰的要求。 海顿的实验与定型： 深入分析海顿在“伦敦交响曲”中如何系统性地扩展乐队规模，尤其是对定音鼓和铜管乐器的使用。讨论“曼海姆冲击波”等演奏技艺如何推动乐团音量的提升和清晰度的要求。 莫扎特与木管的对话： 考察莫扎特如何将木管乐器（长笛、双簧管、单簧管、巴松管）提升至与弦乐家族平等的对话地位，尤其是在他的晚期交响曲中，木管的对位和音色交织达到了前所未有的精妙程度。单簧管的引入及其对音色的贡献将被重点讨论。 贝多芬的革命： 贝多芬是第一个将乐团视为表达宏大情感和哲学思想的“力量载体”的作曲家。分析《第三号“英雄”》和《第九号“合唱”》如何突破了古典乐团的音响极限，要求更大规模的铜管和打击乐，从而直接导致了浪漫主义乐团编制的扩张需求。 第三部分：浪漫主义的色彩与扩张（约1820-1910年） 浪漫主义时期是交响乐团的“黄金扩张期”。随着音乐家对个人情感表达的追求，乐团规模急剧膨胀，乐器性能得到极大改善，作曲家开始追求前所未有的音响饱和度与戏剧张力。 新乐器的接纳与改造： 详细剖析瓦格纳、李斯特等巨匠对乐团的“重构”。重点研究改良的圆号、活塞式小号、长号组的完全确立，以及它们如何拓展了和声的色彩范围。对“瓦格纳大号”（Tubas Wagner）等特定乐器的定制进行考察。 打击乐的戏剧化： 探讨从仅有定音鼓到引入大鼓、钹、三角铁等，打击乐如何在浪漫主义音乐中从节奏支撑转向叙事和烘托气氛的元素。 指挥的专业化： 分析随着乐团规模的增大和音乐复杂性的提高，现代指挥家（如柏辽兹、马勒）角色的确立。讨论乐谱标注的精确化、排练制度的建立，以及指挥家如何成为乐团的统一意志和解释者。 第四部分：现代性的挑战与碎片化（约1910年至今） 二十世纪初，交响乐团面临着对自身传统的质疑与解构。现代主义、印象主义和后浪漫主义思潮对传统编制发起了冲击。 印象主义的音色实验： 聚焦德彪西、拉威尔如何利用乐团的“色谱”而非“结构”。分析他们对中音域乐器（中提琴、低音单簧管、低音巴松管）的偏爱，以及对弦乐弱奏和特殊拨奏技巧的极致挖掘，创造出透明而模糊的音响效果。 斯特拉文斯基与原始主义： 研究《春之祭》如何通过对节奏的暴力性强调和对传统和声的摒弃，对乐团的音响控制力提出了近乎极限的要求，标志着乐团进入了“现代高压”状态。 新乐器与电子介入： 考察后浪漫主义作曲家（如马勒、肖斯塔科维奇）对超大编制的追求，以及二战后对乐团的“瘦身”倾向（如布列兹）。探讨萨克斯风、曼陀林等非传统乐器进入交响乐团的可能性，以及电子乐器、采样技术对当代管弦乐的微妙影响。 当代的角色定位： 探讨在当代，交响乐团如何平衡经典曲目（如贝多芬）与新音乐的演奏需求，以及面对电影配乐和流行文化冲击下的持续适应性。 本书通过对乐器学、作曲技术、社会赞助和指挥艺术四个维度的交叉分析，构建了一个动态的、有机的交响乐团发展图景，旨在为音乐爱好者、学生和专业人士提供一个全面而深刻的理解框架。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴演奏入门》的封面设计实在有些过于朴素了，淡雅的米色背景上，只有一副简单的黑白五线谱图案，让人第一眼很难激起强烈的购买欲望。我原本是抱着一种“姑且一试”的心态把它带回家的，毕竟市面上关于初学钢琴的书籍实在太多了，很容易让人审美疲劳。拿到书后，我首先翻阅了目录，发现它似乎试图涵盖从乐理基础到指法练习的方方面面。然而，在实际阅读的过程中，我发现它在乐理讲解部分显得过于碎片化和跳跃。比如，它用不到一页的篇幅解释了全音符和二分音符的概念，但紧接着就跳跃到了讲解C大调音阶的指位，中间缺少了对节奏型变化和拍号理解的过渡性内容。这就好像是厨师教你做菜，告诉你先把盐放进去，再下一秒就让你做复杂的法式酱汁，中间缺少了最关键的火候控制和调味逻辑的铺垫。对于一个完全零基础的读者来说，这种突兀的知识点衔接让人感到吃力，需要频繁地翻阅参考资料来弥补理解上的空缺，大大降低了学习的流畅性与挫败感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和字体选择，说实话，非常不适合长时间阅读和练习。纸张的材质偏薄，反光度较高，尤其是在室内灯光下练习时，五线谱上的音符经常会映入眼帘，干扰对音高的判断，这对于需要高度专注力的初学者来说是个不小的挑战。更让我感到困扰的是，教材中提供的练习曲目选择非常保守且老旧。几乎每一页都充斥着那些耳熟能详、甚至有些枯燥的巴赫小步舞曲或者车尔尼的早期练习。我理解经典的重要性，但对于想要快速获得成就感的新手来说，这些曲子实在是缺乏足够的吸引力。我更期待能看到一些改编自流行音乐或者更具现代感的简单旋律，哪怕只是简单的单音旋律改编，也能极大地激发我继续弹下去的动力。现在的编排方式，仿佛是直接把我拉回了上个世纪的钢琴教室，沉闷得让人提不起精神去翻阅下一页。

评分☆☆☆☆☆

关于指法和手型的指导部分，这本书的表现简直是灾难性的。图示的清晰度和角度设计都存在严重问题。教材中只提供了几张非常小的、黑白的、视角单一的手型图，几乎完全没有配上详细的文字说明。比如，它只是简单地提到“保持手腕放松，手指呈拱形”，但“放松”的具体感受是什么？“拱形”的最佳弧度应该是多少？这些至关重要的细节，全凭读者自己去猜想和模仿那些模糊的插图。我尝试着按照图示摆放我的手，结果发现我的手腕反而被卡得很僵硬，弹奏出来的音色也变得生硬而扁平。相比之下，一些网络上的教学视频或者其他教材会用三维的视角或者动态图来展示手部肌肉的细微变化，这本书在这方面的缺失，使得它在实际操作指导上显得极其不专业，对于需要精确手眼协调的初学者来说，这几乎是致命的缺陷。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读后，我发现本书在节奏训练的处理上存在一个逻辑上的漏洞。它似乎完全依赖于视觉记忆来学习节奏，而很少强调听觉的训练和节拍器的应用。例如，在讲解附点八分音符与十六分音符的组合时，它仅仅是列出了一张指法表和对应的音符形状，但完全没有提供任何音频示例，也没有建议读者如何使用节拍器来‘数’出正确的时值。这就像教人游泳却不让他们下水一样，钢琴演奏的核心在于准确的时间控制，而这本书似乎将此置于次要地位。我不得不自己去寻找外部资源来听取这些复杂节奏的正确速度和感觉，这无疑打乱了我按照教材顺序学习的节奏，也让我对教材本身的专业性产生了强烈的质疑，它更像是一本为已经掌握了基础听觉辨识能力的人编写的速查手册，而非真正的“入门”指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附录部分，本应是查漏补缺、巩固知识的关键区域，但它却敷衍得令人发指。我本期望看到一个包含常见演奏术语（如staccato, legato, crescendo等）的简明词汇表，或者一个针对常见错误的排查清单，亦或是几个可以自行练习的和弦走向图。然而，附录里只有几页关于如何保养钢琴的通用性建议，这些内容对于一个连基本音符都还不认识的初学者来说，简直是遥远得不可及。这种内容设置，暴露了编著者对“入门”阶段学习者真正需求点的认知偏差——他们需要的不是如何擦拭琴键，而是如何克服弹奏高音区的恐惧感，如何快速识别升降记号。因此，整本书给我的感觉是，它试图用最基础的乐理知识搭建一个平台，但这个平台缺乏必要的工具和支撑结构，最终导致学习者在刚刚起步时就感受到了无所适从的迷茫。