巴斯蒂安世界钢琴名曲集(2中级原版引进)/有声音乐系列图书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 简·斯密瑟·巴斯蒂安... 编

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店铺： 博睿图书

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552314724

商品编码：29773354557

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：巴斯蒂安世界钢琴名曲集(2中级原版引进)/有声音乐系列图书
• 作者：编者:(美)简·斯密瑟·巴斯蒂安
• 定价：40
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552314724

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：69

目录

C．P．E．巴赫(1714—1788)
视奏练习曲
J．S．巴赫(1685--1750)
创意曲No．1
创意曲No．4
创意曲No．8
巴托克(1881--1945)
乡村的傍晚
布格缪勒(1806--1874)
阿拉伯风格曲
叙事曲
贝多芬(1770--1827)
献给爱丽丝
G大调小步舞曲
克莱门蒂(1752—1832)
小奏鸣曲(Op．36，No．3)
艾尔门赖希(1816—1905)
纺织歌
格里格(1843--1907)
船夫之歌
精灵之舞
小精灵
海顿(1732--1809)
诙谐的快板
海菜尔(1813--1888)
雪崩
卡巴列夫斯基(1904--1987)
小奏鸣曲
小托卡塔
哈恰图良(1903--1978)
伊凡之歌
基恩贝格尔(1721--1783)
布雷舞曲No．1
布雷舞曲No．2
库劳(1786--1832)
小奏鸣曲(Op．55，No．1)
小奏鸣曲(Op．55，No．3)
雷比科夫(1866--1920)
库克拉
舒伯特(1797--1828)
降B大调圆舞曲
舒曼(1810-1856)
北欧之歌
斯宾德勒(1817—1905)
小奏鸣曲
柴科夫斯基(1840--1893)
意大利民歌
波尔卡

深入探索经典：世界管弦乐名曲精选集 一部超越时空的音乐殿堂，为您的听觉旅程开启无限可能。 本书汇集了古典音乐史上最伟大的管弦乐作品，旨在带领读者穿越巴洛克、古典、浪漫直至近现代的不同时期，领略作曲家们如何运用恢弘的管弦乐队这一“巨型乐器”，表达深刻的情感与宏大的叙事。本书不仅是一本曲目导览，更是一部理解西方音乐美学和历史演进的精要指南。 第一部分：巴洛克的辉煌与秩序 (1600–1750) 巴洛克时期是管弦乐队雏形确立的关键阶段，音乐以精细的对位法、强烈的装饰性和清晰的结构感著称。 1. 亨德尔的宏伟叙事： 重点分析乔治·弗里德里克·亨德尔（George Frideric Handel）的《水上音乐》（Water Music）和《皇家烟火音乐》（Music for the Royal Fireworks）。我们将深入探讨这些作品如何在特定的场合（如泰晤士河上的庆典）展现出英国宫廷的威严与华丽。分析其组曲结构（快板-柔板-快板的交替），以及铜管乐器和木管乐器如何交织出庄严而欢快的氛围。特别关注《萨拉班德》中那种沉静而富有宗教色彩的节奏感。 2. 巴赫的逻辑与织体： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的管弦乐作品虽然数量相对较少，但其深度和复杂性无人能及。我们将精选分析《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburg Concertos）中的几部代表作，例如第五号协奏曲，其中键盘乐器首次从伴奏地位中解放出来，展现出令人惊叹的炫技独奏段落，这预示着古典协奏曲的发展方向。探讨巴赫如何运用赋格技巧和对位法，使乐队的每一个声部都具有独立的生命力，共同构建起一座声音的迷宫。 3. 意大利协奏曲的活力： 对阿维奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的《四季》（The Four Seasons）进行详尽解读。这套小提琴协奏曲是程序音乐的早期典范。我们将逐一分析每个乐章如何通过具体的演奏技巧（如快速的音阶、颤音的使用）和标题提示，描绘出春天的鸟鸣、夏日的雷雨、秋日的丰收以及冬日的寒风。这不仅是音乐技巧的展示，更是早期音乐家如何直接与听众进行“画面感”交流的绝佳范例。 第二部分：古典主义的平衡与清晰 (1750–1820) 随着宫廷赞助的衰落和公共音乐会的兴起，管弦乐队的编制稳定下来，奏鸣曲式成为绝对的主导结构。 1. 海顿的“交响曲之父”地位： 深入研究弗朗茨·约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的“伦敦交响曲”，尤其是第九十四号《惊愕》和第一百零一年《时间的钟声》。分析海顿如何通过幽默感、出乎意料的转调和对比性的主题发展，将交响曲从一种贵族娱乐提升为对人类情感和哲思的探讨。重点解析奏鸣曲式中呈示部、展开部和再现部的功能性与戏剧性。 2. 莫扎特的旋律天才： 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的管弦乐作品展现了无与伦比的旋律线条和情感的完美平衡。《朱庇特》（第四十一号）交响曲是其集大成之作。我们将特别分析终曲乐章中罕见的五声部赋格技巧，这种对位法与古典奏鸣曲式的完美结合，是作曲家对前辈传统的致敬与超越。同时，也会提及他晚期协奏曲中，木管乐器如何被提升到与独奏乐器同等重要的地位。 3. 贝多芬的革命与英雄精神： 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）将交响曲的规模和情感强度推向了前所未有的高度。 第三号《英雄》： 探讨这部作品如何因其巨大的篇幅和对“英雄主义”的探讨，彻底打破了古典主义的界限，开启了浪漫主义的大门。分析第二乐章“葬礼进行曲”的情感深度。 第五号《命运》： 聚焦于那个标志性的“短-短-短-长”动机，分析这一极简的动机如何在整个第一乐章中被发展、转化和冲突，展现出贝多芬与命运抗争的意志。 第九号《合唱》： 重点解析第四乐章中人类对友爱主题的呼唤，以及合唱团和独唱家加入管弦乐队所带来的巨大张力与历史意义。 第三部分：浪漫主义的激情与幻想 (1820–1910) 随着个人主义的兴起，音乐开始强调个体情感、自然崇拜、文学叙事和对异域文化的想象。管弦乐队的规模急剧扩大，音色和和声语言变得更加丰富。 1. 舒伯特与门德尔松的抒情性： 弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）的第八号《未完成》交响曲，以其如歌的旋律和略带忧郁的色彩，代表了浪漫主义早期的内省倾向。费利克斯·门德尔松（Felix Mendelssohn）的《仲夏夜之梦》序曲，则展示了如何用管弦乐描绘仙境般的轻盈和魔幻，特别是“婚礼进行曲”的典雅。 2. 柏辽兹与李斯特的程序音乐巅峰： 埃克托·柏辽兹（Hector Berlioz）的《幻想交响曲》是浪漫主义程序音乐的里程碑。我们将详细解读“固定音型”（idée fixe）如何贯穿全曲，代表了“我所爱的人”这一主题，以及不同乐章中，例如“女巫的安息日之夜”所展现的恐怖与戏谑的音响效果。 弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）彻底改变了器乐形式，使之服务于单一的文学或哲学概念。分析其《前奏曲》，探究他如何运用“主题变形法”来统一结构。 3. 德意志与斯拉夫的史诗叙事： 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）的四部交响曲，尤其是第一号，被誉为“贝多芬的继承者”。分析勃拉姆斯如何将古典结构融入深厚的德奥浪漫主义和内敛的情感表达中。 安东宁·德沃夏克（Antonín Dvořák）的第九号《新世界》交响曲，则体现了“民族主义音乐”的崛起。研究其中融合的美国黑人灵歌（如第二乐章的主题）和捷克民间旋律，如何展现作曲家对故乡的思念与对新大陆的观察。 4. 晚期浪漫主义的极致华丽： 古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的交响曲（如第二号《复活》或第五号）标志着管弦乐队规模的空前膨胀和情感表达的极端化。分析马勒如何将俗世的军乐、乡村的民谣、宗教的庄严感与个人的存在焦虑融合在一起，探索生命的意义与虚无。 第四部分：印象主义与二十世纪的声响探索 进入20世纪，作曲家们开始挑战传统的调性体系和和声规则，探索新的音色可能性。 1. 德彪西的色彩魔术： 克劳德·德彪西（Claude Debussy）的《牧神午后前奏曲》和《大海》是印象主义管弦乐的代表。不再追求明确的主题发展，而是着重于捕捉瞬间的光影、水波的流动和空气的质感。分析他如何运用全音阶、五声音阶和复杂的和弦色彩来营造“朦胧”的听觉印象。 2. 拉威尔的精妙配器： 莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）以其无与伦比的配器技巧著称。对《波莱罗》的分析是不可或缺的，它是一个关于“极简主义”的奇迹，通过音高和节奏的重复，仅仅依靠二十几种乐器的音色交替，实现了一次令人窒息的渐强。 3. 斯特拉文斯基的原始力量： 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》彻底颠覆了音乐的听觉预期。分析其多重节拍、不协和和声的并置，以及打击乐器和低音弦乐器所带来的原始、野性的节奏冲击力，如何描绘出古老仪式的血腥与生命力的爆发。 本书力求通过清晰的结构分析、历史背景介绍和作曲家创作意图的阐释，为所有对管弦乐抱有热情的读者，搭建起一座通往这些不朽杰作的坚实桥梁。阅读本书，您将不再只是被动地聆听声音，而是能主动地理解每一位大师在音符背后的深刻思考与无尽创造。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当典雅，那种老式的、略带泛黄的纸张质感，一下子就让人回到了古典音乐的黄金时代。我一直很喜欢这种能够唤起怀旧情绪的设计风格。内容上，我主要被它对十九世纪欧洲浪漫主义时期钢琴作品的深度挖掘所吸引。书中收录了大量的肖邦夜曲和李斯特练习曲的选段，但有趣的是，它不仅仅是简单的乐谱堆砌，更像是附带了一份详尽的演奏指南。作者在每个曲目旁都用非常细腻的笔触描述了作曲家创作时的心境，以及不同演奏家们是如何诠释这些作品的精髓的。比如，在解读德彪西的《亚麻色头发的少女》时，作者用了近乎诗意的语言来描绘那种朦胧的、印象派的光影效果，这对于我这样业余学习者来说，简直是打开了一扇理解音乐背后美学思想的窗户。我发现，当我带着这些“背景故事”去弹奏时，手指下的音符似乎也多了一层情感的厚度，不再是机械的黑白键运动。特别是关于踏板使用的那几页分析，简直是醍醐灌顶，让我明白了为什么自己弹出来的和听到的录音总是有那么大的差别。

评分☆☆☆☆☆

这份乐谱的装帧和纸张质量简直无可挑剔，拿到手的那一刻就感觉它绝对是值得收藏的“传家宝”级别。我尤其欣赏它对于巴赫赋格曲的编排方式。通常，很多教材在处理巴赫时都显得过于枯燥和学术化，但这本书似乎找到了一个绝佳的平衡点——既保留了严谨的对位法结构分析，又加入了大量关于声部线条流动性的建议。对于初学者来说，理解赋格中哪个声部是“主角”、哪个是“伴侣”至关重要，而这本书用清晰的字体和不同的力度标记（虽然标记得比较克制）帮助我轻松地梳理了这些复杂的织体。我记得我花了好几天时间研究其中一首C小调赋格的引子部分，书中对“主题的引入与发展”的图示化解释，比我之前看过的任何理论书籍都要直观。此外，它还附带了音频文件，这在学习初期简直是救命稻草，可以让我随时对照正确的节奏和音色感觉，避免养成不良的演奏习惯。这种视听结合的学习方式，极大地提高了我的学习效率和乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它对技巧训练的细致入微的关注上。我发现它在练习曲目的选取上非常具有前瞻性，它似乎在刻意平衡不同技巧领域的需求。例如，它收录了卡尔·菲利普·伊曼努尔·巴赫的一些键盘奏鸣曲片段，这些片段对提高手指的独立性和快速音阶的均匀度有着奇效。与那些只专注于炫技的李斯特练习曲不同，这里的练习更侧重于音乐性的表达，要求你在训练技术的同时，思考如何用技术去服务于音乐的呼吸。有一章专门讨论了快速琶音的指法转换，书中提供的“微调”建议，比如对手腕角度的细微调整，我尝试了一下，效果立竿见影，解决了困扰我很久的手腕僵硬问题。这种“大处着眼，小处着手”的编辑思路，让人感觉作者真的是一位深谙钢琴教学之道的行家，而不是一个单纯的乐谱整理者。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于它对于“演奏的语境”的探讨。它不仅仅是教你“怎么弹”，更重要的是教你“为什么这么弹”。在涉及到莫扎特奏鸣曲的部分时，书中花了大量篇幅去讨论十八世纪维也纳的钢琴声音特性，以及那个时代音乐厅的声学环境对演奏风格的影响。这使得我对莫扎特的轻盈和清晰有了更深层次的理解，而不是简单地套用十九世纪浪漫派那种厚重的音色去演奏。书中提到，莫扎特的音乐需要的是一种“透明感”，作者建议使用更轻的触键和更短的气息来处理连奏，这与我之前习惯的强奏型演奏风格形成了鲜明的对比。这种跨越时代的音乐观念的交流，极大地拓宽了我的音乐视野。我甚至开始去寻找那个时代制作的钢琴的录音来对比，这种探索的过程本身就是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

从排版和细节校对的角度来看，这份乐谱无疑是顶级的。我见过很多引进的乐谱，翻译腔严重或者排版混乱，常常在关键的小节处出现断页或者错误的谱号，严重影响练习的流畅性。然而，这本《世界钢琴名曲集》在这方面做得非常到位。字体清晰易读，即使是复杂的复调部分，声部的划分也通过不同的排版间距得到了良好的体现。更值得称赞的是，它对一些不常见的演奏术语进行了简明的注解，避免了读者频繁停下来查阅字典的麻烦。比如，对于一些意大利语或德语的术语，它在括号里直接给出了通俗易懂的解释，这对于自学者来说太友好了。总而言之，这是一本集学术严谨性、演奏实用性和艺术鉴赏力于一体的佳作，无论是专业人士还是有一定基础的爱好者，都能从中汲取到宝贵的养分。