深度音乐审美教学法导论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田耀农宋艳艳 编

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• 审美教育

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552315110

商品编码：29713423472

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：深度音乐审美教学法导论
• 作者：田耀农//宋艳艳
• 定价：48
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552315110

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：205
• 字数：239千字

内容提要

音乐审美充满了神秘的色彩，音乐的审美依赖于 听觉，不受空间的制约，不像语言的声音那样具有约 定俗成的语义指向，也不像自然的声音那样具有声音 与现象之间的对应联系。在传统音乐审美中，通常都 是根据作品的特点和学生的具体情况采取的课堂教学 手段，音乐审美教学一般遵循“介绍、聆听、引导、 联想”四个环节。而本书的内容在于培养学生的情绪 运动能力，常态化地进入情绪运动状态的音乐审美教 学方法——深度音乐审美教学法。《深度音乐审美教 学法导论》作者田耀农、宋艳艳带领他的学生们针对 “深度音乐审美教学法”的科学性、有效性、可操作 性、可重复性的进行了长期的数据记录，并在书中呈 现了学生们的音乐体验实录，这些材料弥足珍贵，也 构成了本书的一个特色。
    

目录

前言
绪论 音乐美育音乐审美
第一节 美与美感
第二节 音乐与音乐美
第三节 审美与音乐审美
第四节 音乐审美的目的与方法
第一章 深度音乐审美的理论
第一节 如何认识音乐世界
第二节 美妙的音乐世界
第三节 音乐作品的类别
第四节 走进音乐世界的方法
第二章 音乐世界的构成
第一节 音乐的构成材料及构成方式
第二节 音乐的表达方式和作品体裁
第三节 中国的音乐世界
第四节 西方的音乐世界
第五节 音乐的欣赏与音乐的保健
第三章 深度音乐审美方法的训练
第一节 冥想认知的基本原理
第二节 使用“音乐冥想”技术的意义
第三节 “音乐冥想”能力的训练方法
第四节 “音乐冥想”的感受交流
第五节 “音乐冥想”的日记写作
第四章 故事性音乐作品的深度审美
第一节 故事性音乐作品的特点
第二节 故事性音乐作品的理解
第三节 故事性音乐作品的深度审美方法
第五章 绘画性音乐作品的深度审美
第一节 音乐作品中绘画性因素的构成
第二节 音乐作品中绘画性因素的体现
第三节 绘画性音乐作品的深度审美方法
第六章 表情性音乐作品的深度审美
第一节 表情性音乐作品的特点
第二节 表情性音乐作品的领会
第三节 表情性音乐作品的深度审美方法
第七章 哲理性音乐作品的深度审美
第一节 哲理性音乐作品的构成原理
第二节 哲理性音乐作品的构成方式
第三节 哲理性音乐作品的深度审美方法
参考文献
后记

好的，这里为您提供一个关于《深度音乐审美教学法导论》的图书简介，该简介力求详实、内容丰富，并避免使用任何表明为人工智能生成的表述，同时确保不包含您提到的书名及其核心内容： --- 音乐教育的革新与未来：探寻听觉体验的深度与广度 本书聚焦于当代音乐教育实践中的核心挑战与机遇，旨在构建一套超越传统技艺训练和乐理灌输的、以深度审美体验为核心的教学范式。它不仅是一本理论探讨的专著，更是一份面向一线教育者、课程设计师和音乐学者的实践指南，致力于激发学习者对音乐本质的深刻理解与情感共鸣。 第一部分：理论基石与美学重塑 第一章：音乐教育的范式转向：从“听”到“感知” 本章深入剖析了当前音乐教育体系中存在的“技术至上”与“文化脱节”现象。我们不再仅仅满足于学生能够准确演奏或识谱，而是追问：音乐在个体生命体验中究竟占据何种位置？本章提出“深度感知模型”，强调音乐审美不应是附加的修饰，而应是音乐学习的内在驱动力。通过梳理西方现象学美学（如杜夫、苏珊·朗格）与东方音乐哲学（如嵇康、传统戏曲理论）的对话空间，为构建全新的教学理论奠定坚实的基础。我们探讨了“身体在场性”在聆听体验中的关键作用，并阐述了如何引导学生超越符号层面的解读，直接触及音乐所承载的情感结构与时间流动感。 第二章：情感共鸣的神经科学基础与教学应用 音乐与情感的关联是审美体验的核心。本章跨学科地引入了认知神经科学的最新研究成果，特别是关于镜像神经元系统、奖赏机制（多巴胺回路）在音乐体验中的作用。我们详细分析了不同音乐结构（如调性、节奏的复杂性、音色处理）如何直接影响听者的情绪状态。在此基础上，本书构建了一套“情感映射”的教学框架，指导教师如何设计引导性练习，帮助学生识别、命名并深化其在面对复杂音乐作品时的非理性情感反应，从而将“感觉良好”的愉悦感提升为具有批判性的审美洞察。 第三章：时间艺术的结构解析：超越曲式分析 传统的曲式分析往往将音乐还原为静态的图表。本书主张回归音乐的“时间性”本质。本章提出了“运动美学”的概念，侧重于探讨音乐如何组织、拉伸、压缩和停顿时间，以及这些时间操作如何构建叙事张力与期待。内容涵盖了从巴赫赋曲的精微织体到斯特拉文斯基的节奏断裂，再到当代电子音乐的空间构建，分析了不同文化背景下对“时间如何流逝”这一根本问题的不同处理方式。目标是让学习者能够“听出”结构背后的意图，而非仅仅“识别”结构名称。 第二部分：课程设计与实践策略 第四章：跨媒介整合：多感官环境下的音乐沉浸 在信息爆炸的时代，音乐的体验环境日益多元化。本章探讨了如何将音乐教学与视觉艺术、空间设计、文学叙事进行深度融合。我们提出“全景式聆听”的概念，鼓励在特定的物理空间或虚拟环境中体验音乐，例如：如何利用光影变化来解析德彪西的色彩感；如何将叙事文学的结构作为蓝本，来理解奏鸣曲的戏剧冲突。本章提供了多个案例研究，展示了如何通过多感官输入来激活学习者更深层次的联想与创造力。 第五章：批判性聆听与文化语境的重构 音乐审美教育的终极目标是培养具备独立判断能力的听众。本章聚焦于“批判性聆听”的培养。这不仅包括对音乐技巧的辨析，更重要的是对音乐作品背后权力结构、意识形态和文化偏见的审视。我们将分析殖民主义音乐史观、西方中心主义对非西方音乐的误读，以及流行文化中音乐的消费机制。通过引导学生对既定经典提出质疑，并主动探索边缘化、被忽略的音乐流派（如民间口传音乐、实验电子乐等），重塑学习者对“何为好音乐”的认知图谱。 第六章：从模仿到生成：以体验为驱动的创造力培养 本部分侧重于将深度审美体验转化为主动的音乐创造行为。本书倡导一种“内化驱动的生成”模式，区别于僵硬的技法模仿。教学活动被设计为一系列“审美问题解决”的路径：首先，深度体验某一作品的情感核心；其次，解构其结构逻辑；最后，运用所获得的审美洞察，尝试以当代视角对核心概念进行重构或再表达。内容涵盖了即兴创作中的“意图先行”原则，以及如何利用数字工具辅助探索非传统音响的可能性，强调创造过程中的“再发现”价值。 第三部分：评估体系与未来展望 第七章：过程性评估：衡量审美成长的尺度 如何评估学生对音乐审美深度的理解？本书挑战了传统的考试模式，提出了一套基于过程和反思的评估体系。评估不再集中于对特定知识点的记忆，而是侧重于学生在面对新颖音乐材料时的“好奇心保持度”、“解释复杂性的能力”，以及“自我反思日志”的质量。我们详细介绍了如何设计基于项目（PBL）的音乐探索任务，以及如何利用同伴互评和教师引导性提问，来追踪学生审美视野的拓展轨迹。 第八章：面向未来的音乐教育者：角色定位与终身学习 本书最后强调了教师自身审美素养的持续培养。教育者必须是终身的学习者和积极的文化参与者。本章探讨了教师如何构建自身的“审美知识库”，如何有效处理教学中的不确定性，以及如何在日益数字化的学习环境中，保持人与人之间、人与音乐之间深刻的情感连接。本书旨在激励教育者，将自己视为艺术现场的引导者和审美体验的催化剂，共同推动音乐教育迈向更富有人文关怀和深度洞察力的未来。 --- 本书特点： 高度的理论与实践结合性： 既有扎实的哲学和心理学基础，又提供了可操作的课堂策略。 跨学科视野： 积极吸收神经科学、现象学、媒介理论的最新成果。 批判性导向： 鼓励对既有音乐标准和教育惯例进行反思与重构。 本书适合所有致力于提升音乐教育质量，渴望超越传统模式，培养具有深刻审美能力和独立思考精神的下一代音乐爱好者的专业人士阅读。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的印象是其语言的精准与克制。在探讨如此主观的“审美”领域时，很多作者倾向于使用过度华丽或模糊的辞藻来烘托气氛，但此书却反其道而行之，选择了清晰、有力的表达。每一个术语的引入都经过了严谨的铺垫，使得即便是初次接触相关理论的读者，也能跟上作者的逻辑推演。例如，它对“时间感”在音乐流变中的感知差异分析，简直是教科书级别的精彩。它不仅描述了现象，更深入探究了现象背后的心理学基础。我甚至可以想象，如果一位音乐学院的学生手持此书，其对音乐作品的分析深度和批判性思维将得到质的飞跃。这绝非一本可以快速翻阅的书，它需要时间沉淀，需要你在不同的心境下重读，每一次都会有新的领悟，仿佛在聆听一首结构复杂但魅力无穷的复调作品。

评分☆☆☆☆☆

读罢此书，我不得不佩服作者的叙事能力，他/她似乎拥有将枯燥的理论转化为生动故事的魔力。这本书的结构安排极具巧思，不像是一本教科书，更像是一场精心策划的漫游。开篇的几章，作者用一系列发人深省的音乐片段作为引子，迅速抓住了读者的注意力，迫使我们重新审视自己过去对音乐的习以为常。我非常喜欢书中穿插的那些富有哲理性的旁白，它们如同乐曲中的即兴独奏，在不打断主旋律的同时，提供了深刻的反思角度。尤其是关于“静默”在音乐结构中作用的论述，彻底颠覆了我对音乐完整性的传统认知。作者并没有直接给出标准答案，而是设置了一系列的“思考陷阱”，鼓励读者自己去挖掘和定义自己的审美坐标系。这种互动式的阅读体验，让我在阅读过程中不断地进行自我修正和观念重塑，收获颇丰。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读体验是充满挑战的，但这种挑战恰恰是它价值的体现。作者似乎对音乐教育的现状抱有一种“批判性的急切”，他/她不愿意提供任何廉价的慰藉或简单的操作指南。相反，全书充斥着对既有模式的解构和对深度思考的强烈呼唤。特别是其中关于“技术进步对审美情趣的异化”的段落，语气之犀利，观点之深刻，让我不得不停下来，审视自己日常的收听习惯。这本书的价值不在于教你如何欣赏某首特定的曲子，而在于帮你铸造一把属于自己的“审美之尺”。它像一个严苛的导师，不断地鞭策你走出舒适区，去面对音乐世界中那些更复杂、更微妙、更需要投入心力的真理。读完后，我感觉自己对所有听到的声音——无论高雅低俗——都多了一层审视和辨别的能力，这比学会任何一种乐器都来得更为珍贵。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐审美的著作，从我翻开扉页的那一刻起，就展现出一种不同于传统音乐教育的雄心。作者似乎并不满足于仅仅罗列和分析已有的音乐作品，而是试图构建一套全新的认知框架，去引导读者如何“感受”音乐。书中的文字如同精妙的乐章，层层递进，但又保持着一种独特的张力。我尤其欣赏它在处理“审美体验”这一抽象概念时所采用的具象化描述，那些关于听觉、情感乃至身体反应的剖析，让我仿佛能重新触摸到那些被文字激活的旋律线条。书中对不同文化背景下音乐审美差异的探讨，也极大地拓宽了我的视野，使我意识到“好听”绝非唯一的评判标准，而是一种复杂、多维度的文化对话。虽然有些章节的理论深度需要反复咀嚼，但这种挑战性恰恰是引人入胜之处，它要求读者从被动的接受者转变为主动的探寻者，去构建自己的音乐世界观。整本书读下来，感觉像经历了一次深度的心灵洗礼，对音乐的理解不再停留在技巧或流派的表面，而是深入到了其存在的本质与意义层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角转换令人耳目一新。它成功地跳出了传统的西方古典乐/现代流行乐的二元对立框架，而是从更宏观、更具跨学科视野的角度切入。我发现作者大量借鉴了认知科学、现象学乃至人类学的一些概念来佐证其音乐审美理论，这种融合令人拍案叫绝。书中对于“听觉经验的建构性”的论述尤其具有启发性，它挑战了我们“听到即理解”的固有观念，强调了主体经验在音乐意义生成中的核心地位。这种高度的理论自觉性，使得这本书不仅仅局限于“如何听音乐”，而更指向“我们如何成为能听音乐的人”。对于任何一个对艺术本质抱有好奇心的人来说，这本书都提供了一个坚实的理论基石，它让你明白，审美不是一种天赋，而是一种可以被系统训练和提升的能力。