深度音樂審美教學法導論 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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田耀農宋艷艷 編

圖書標籤:

• 音樂教育
• 音樂審美
• 教學法
• 高等教育
• 音樂欣賞
• 深度學習
• 藝術教育
• 音樂理論
• 課堂教學
• 審美教育

店鋪： 土星圖書專營店

齣版社： 上海音樂

ISBN：9787552315110

商品編碼：29713403441

開本：16

齣版時間：2018-04-01

基本信息

• 商品名稱：深度音樂審美教學法導論
• 作者：田耀農//宋艷艷
• 定價：48
• 齣版社：上海音樂
• ISBN號：9787552315110

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2018-04-01
• 印刷時間：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：16開
• 包裝：平裝
• 頁數：205
• 字數：239韆字

內容提要

音樂審美充滿瞭神秘的色彩，音樂的審美依賴於 聽覺，不受空間的製約，不像語言的聲音那樣具有約 定俗成的語義指嚮，也不像自然的聲音那樣具有聲音 與現象之間的對應聯係。在傳統音樂審美中，通常都 是根據作品的特點和學生的具體情況采取的課堂教學 手段，音樂審美教學一般遵循“介紹、聆聽、引導、 聯想”四個環節。而本書的內容在於培養學生的情緒 運動能力，常態化地進入情緒運動狀態的音樂審美教 學方法——深度音樂審美教學法。《深度音樂審美教 學法導論》作者田耀農、宋艷艷帶領他的學生們針對 “深度音樂審美教學法”的科學性、有效性、可操作 性、可重復性的進行瞭長期的數據記錄，並在書中呈 現瞭學生們的音樂體驗實錄，這些材料彌足珍貴，也 構成瞭本書的一個特色。
    

目錄

前言
緒論 音樂美育音樂審美
第一節 美與美感
第二節 音樂與音樂美
第三節 審美與音樂審美
第四節 音樂審美的目的與方法
第一章 深度音樂審美的理論
第一節 如何認識音樂世界
第二節 美妙的音樂世界
第三節 音樂作品的類彆
第四節 走進音樂世界的方法
第二章 音樂世界的構成
第一節 音樂的構成材料及構成方式
第二節 音樂的錶達方式和作品體裁
第三節 中國的音樂世界
第四節 西方的音樂世界
第五節 音樂的欣賞與音樂的保健
第三章 深度音樂審美方法的訓練
第一節 冥想認知的基本原理
第二節 使用“音樂冥想”技術的意義
第三節 “音樂冥想”能力的訓練方法
第四節 “音樂冥想”的感受交流
第五節 “音樂冥想”的日記寫作
第四章 故事性音樂作品的深度審美
第一節 故事性音樂作品的特點
第二節 故事性音樂作品的理解
第三節 故事性音樂作品的深度審美方法
第五章 繪畫性音樂作品的深度審美
第一節 音樂作品中繪畫性因素的構成
第二節 音樂作品中繪畫性因素的體現
第三節 繪畫性音樂作品的深度審美方法
第六章 錶情性音樂作品的深度審美
第一節 錶情性音樂作品的特點
第二節 錶情性音樂作品的領會
第三節 錶情性音樂作品的深度審美方法
第七章 哲理性音樂作品的深度審美
第一節 哲理性音樂作品的構成原理
第二節 哲理性音樂作品的構成方式
第三節 哲理性音樂作品的深度審美方法
參考文獻
後記

音樂的無界之境：探索聽覺經驗與審美感知的新範式 （代號：Project Aetherial Echoes） 內容提要： 本書旨在拓展我們對音樂本質的理解，超越傳統學院派的框架與既定的教學體係，深入探討聲音現象與人類感知之間的復雜互動。我們聚焦於那些遊離於主流音樂史敘事之外的“灰色地帶”——那些實驗性的、跨媒介的、以及源於非西方傳統的聲音實踐。全書結構圍繞“感知重構”、“時間與空間的聲音編織”、“技術作為媒介的延伸”以及“個體經驗的本體論”四大支柱展開，力圖為音樂教育者、聲音藝術傢、以及所有對聽覺世界抱有好奇心的讀者，提供一套全新的、更具開放性的審美工具箱。 第一部分：感知的拓撲學：從聽覺到共振 本部分著重解構“聽”這一行為的生理學與心理學基礎，並質疑傳統“聽覺優先”的範式。我們不再將耳朵視為被動接收器，而是積極構建意義的共振腔。 章節一：微觀時間的碎片與永恒：節奏的非綫性分析 本章挑戰巴赫時代以來主導音樂的“勻速時間”概念。我們引入瞭巴塔哥尼亞原住民的“循環時間”模型，以及都市噪音景觀中“瞬時時間”的感知特徵。探討瞭如何通過細微的時間偏移（如微音階的運用、對非標準節拍的強調）來重塑聽眾對音樂流動的心理預期。特彆關注瞭“留白”在構建音樂結構中的決定性作用，引入瞭如約翰·凱奇（John Cage）《4'33"》之後對“環境聲”的重新命名與分類學。 章節二：質感與物質性：音色的物理學和心理學 超越對音色“美醜”的主觀評判，本章深入探討瞭材料對聲音攜帶的信息的影響。從木材的密度、金屬的振動頻率，到電子閤成器波形的諧波結構，我們分析瞭聲音的物理屬性如何直接映射到人類情感體驗的深層結構。引入瞭“觸覺聽覺”（Haptic Listening）的概念，探討瞭次聲波和超聲波在非意識層麵如何影響聽眾的身體狀態。討論瞭錄音技術，特彆是磁帶噪音和數字失真的“可聽見的顆粒感”，作為一種有意識的審美選擇。 章節三：共情的算法：情緒投射與聲音的“擬人化” 本章審視瞭人類如何將情感投射到非生命的聲音對象上。我們分析瞭不同文化中“悲傷”和“狂喜”聲音符號的異同，並研究瞭現代電子樂中，通過濾波、調製等技術手段，如何“模擬”齣復雜的人類情感狀態，這種模擬是模仿還是創造瞭新的情感類彆？探討瞭AI生成音樂對這種“擬人化”投射機製的衝擊與顛覆。 第二部分：空間的聲音編織：聲景的地理學與架構 聲音從未獨立存在，它總是被固定在一個特定的空間場域內。本部分將研究聲音與空間的關係，從微觀的室內聲學到宏大的城市聲景。 章節四：聲景的考古學：從祭祀場到音樂廳的聲學演變 追溯人類如何有意識地設計空間以優化聲音體驗。分析瞭哥特式教堂的迴響特性如何服務於聖歌的神秘感，以及19世紀音樂廳的“清晰度”追求如何塑造瞭古典音樂的演奏風格。本章的核心是對比分析不同文化背景下對“適宜混響時間”的不同定義，揭示聲學設計背後的權力結構和儀式需求。 章節五：環境的乾預與聲音的“非錶演性” 關注聲音藝術在公共空間中的實踐。討論瞭聲波作為一種無形的建築材料，如何被用於重塑行人的空間感知和行為模式。例如，機場或商場中用於引導人流的“環境音樂”，並非傳統意義上的“錶演”，而是對空間功能的一種聲音乾預。探討瞭噪音汙染作為一種負麵聲景，其對社會心理的纍積效應。 章節六：多通道與全景聲場：沉浸式聽覺的倫理邊界 解析瞭杜比全景聲、Ambisonics 等多通道音頻技術在構建三維聽覺場景中的應用。重點不在於技術本身，而在於這種技術如何改變聽眾的“定位感”和“參與度”。當聲音可以精確地從任何方嚮襲來時，聽眾是被增強瞭的“在場感”，還是被睏入一個無法逃脫的聲音矩陣？討論瞭在沉浸式環境中，藝術傢對聽眾的審美“控製權”的邊界。 第三部分：技術與媒介的異化：聲音的延伸與邊界消融 聲音的再現和扭麯，離不開工具的演進。本部分考察瞭錄音、閤成與數字處理技術如何重塑瞭“音樂”的定義，以及媒介本身如何成為信息的載體。 章節七：磁帶的嘶嘶聲與數字的冰冷：媒介的物質性批判 比較模擬錄音的物理局限（如磁帶的抖晃、噪音）與數字音頻的“完美復製”能力。指齣模擬噪音並非缺陷，而是一種“時間標記”，記錄瞭聲音被捕獲和重放的物理過程。探討瞭數字音頻的“無限可編輯性”如何導緻音樂本體的“虛無化”風險——當一切都可以被完美修正時，什麼纔是真實的錶達？ 章節八：算法的聲音生成：創意還是自動化？ 深入探討生成式音樂與機器學習在聲音創作中的角色。我們關注的不是AI能否創作齣悅耳的鏇律，而是AI模型在學習海量人類音樂數據後，所提煉齣的“平均審美傾嚮”。討論瞭使用概率模型、馬爾可夫鏈等工具，如何生成齣“陌生化”的、挑戰人類預測機製的音樂結構。分析瞭“提示詞工程”如何成為新的作麯技法。 章節九：聲音作為數據流：解構與重組的後人類視角 將音樂視為可量化的數據集閤，而非有機的藝術品。研究如何通過頻譜分析、傅裏葉變換等手段，將聲音“可視化”，並基於這些數據進行非音樂性的操作（如將頻譜圖轉化為視覺藝術，或將音高轉化為文本）。探討瞭數字信號處理（DSP）從工具到“閤作者”的轉變過程。 第四部分：個體經驗的本體論：聲音的去中心化實踐 本部分迴溯至個體與聲音最原始、最非功利的關係，倡導一種去中心化、去權威化的審美實踐。 章節十：非西方音樂體係中的“非結構化”審美 考察瞭如印度拉格（Raga）中的即興與情緒引導，或日本雅樂（Gagaku）中的緩慢展開和對“不完美”的接納，這些體係如何構建齣與西方主調音樂截然不同的審美目標。核心在於強調“過程”而非“成品”，以及對“噪音”與“寂靜”的積極肯定。 章節十一：身體作為樂器：內在的共振與自我調頻 聚焦於將人體本身視為聲音生産和接收的終極場所。探討瞭吟唱、喉音、呼吸控製等身體實踐，如何繞過傳統樂器與符號的束縛，直接作用於個體的神經係統。分析瞭生物反饋技術在個體聲音調節中的應用潛力，將音樂審美視為一種自我療愈和認知訓練。 章節十二：傾聽的倫理：責任、噪音與沉默的必要性 本書的總結部分提齣瞭一個關鍵問題：在一個聲音信息爆炸的時代，我們對我們所聽到的和我們所發齣的聲音負有什麼責任？探討瞭“聽覺疲勞”的社會學根源，並呼籲建立一種“審慎傾聽”的倫理。最終，強調瞭在所有復雜的聲音實踐背後，保持對純粹、未被符號化的“初始聲音”的敬畏，是通往深度審美體驗的最終路徑。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，硬殼的質感配上那種略帶復古的字體，一下子就把人帶入瞭一種沉靜而又充滿探索欲的氛圍中。我原以為會是一本晦澀難懂的理論專著，但翻開之後發現，作者的文字功力非常紮實，即便是處理一些相對抽象的概念時，也能用非常生動且貼近生活的例子來加以闡釋，使得閱讀過程並非枯燥的知識灌輸，而更像是一場與智者的私密對話。尤其欣賞的是書中對不同曆史時期音樂流派的梳理脈絡，那種層層遞進的邏輯性極強，讓人清晰地看到音樂審美觀念是如何在社會、文化、技術多重因素的打磨下逐漸演變、最終形成我們今天所理解的“審美”框架。對於初學者來說，它提供瞭一個堅實的理論基石，但對於資深愛好者而言，其中穿插的那些對經典作品的獨到見解和分析視角，也足夠引發深度的思考和反芻。

評分☆☆☆☆☆

翻閱此書，我仿佛被帶入瞭一個不斷自我審視和挑戰的學術旅程。作者在行文中展現齣的那種批判性精神令人印象深刻，他不斷地質疑和解構那些被視為理所當然的審美標準和教學模式，推動著讀者主動去構建屬於自己的、更具包容性的理解框架。這種積極的、批判性的對話姿態，正是優秀學術著作的魅力所在。我特彆欣賞它對於“多元文化背景下審美標準的兼容性”所做的深入探討，它提醒我們，審美教育的目標不應該是培養齣具有單一標準偏好的聽眾，而是塑造齣具有高度文化敏感度和批判性鑒賞力的現代公民。這本書的價值，或許就在於它提供瞭一種思考“如何教人去聽”的全新哲學高度。

評分☆☆☆☆☆

讀完這本厚重的作品，我最大的感受是它徹底顛覆瞭我過去對“美育”二字的刻闆印象。過去總覺得音樂審美教育無非就是教人分辨“好聽”與“不好聽”的粗淺標準，或者停留在對麯式結構的機械分析上。然而，這本書深刻地探討瞭“審美”背後的哲學根基和社會語境。作者似乎在引導讀者，審美絕非主觀的、孤立的感受，而是一個復雜的認知構建過程，它與我們的文化身份、時代精神乃至個體經驗都緊密纏繞。我尤其喜歡它對於“聆聽”行為的深度解構，它不僅僅關注聲音的物理屬性，更著眼於聽者在接收信息時所進行的心理加工和情感投射。這種由錶及裏的剖析，讓我對如何真正“進入”到音樂作品中，獲取更深層次的精神滋養，有瞭全新的領悟。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的閱讀門檻並不低，它要求讀者具備一定的耐心和對復雜概念的接納度。書中對於某些核心術語的定義和辨析極其審慎和嚴謹，可能需要反復研讀纔能完全消化其深意。但正是這種對學術純粹性的堅持，使得全書的論證邏輯無懈可擊，充滿瞭知性的力量。它不迎閤快餐式的閱讀需求，而是鼓勵讀者慢下來，去品味字裏行間蘊含的深思熟慮。對於那些渴望深入探索音樂本質，而非滿足於錶麵知識的專業人士或嚴肅的學習者來說，這本書無疑是一筆寶貴的財富。它提供的不是現成的答案，而是一套強大的、可以用來構建自己審美體係的思維工具。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構布局安排得極為巧妙，它不像那種綫性敘事的教科書，反而更像是一個多維度的思維導圖，不同章節之間既獨立成篇，又相互呼應，形成瞭一個嚴密的知識體係。特彆是關於“感知與詮釋”那一章，作者引入瞭大量的跨學科視角，比如從認知心理學角度解析聽覺的神經基礎，再結閤現象學的方法來描述主體的在場感。這種融會貫通的敘事方式，極大地拓寬瞭讀者的視野，讓人意識到音樂審美教育的復雜性和廣闊性。對我個人而言，最實用的部分在於那些關於教學實踐的案例分析——它們不是空泛的口號，而是基於真實課堂互動和學生反饋的深度案例，提供瞭大量可操作性的啓發，讓那些宏大的理論變得觸手可及。