深度音乐审美教学法导论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田耀农宋艳艳 编

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• 音乐审美
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• 音乐理论
• 课堂教学
• 审美教育

店铺： 土星图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552315110

商品编码：29713403441

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：深度音乐审美教学法导论
• 作者：田耀农//宋艳艳
• 定价：48
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552315110

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：205
• 字数：239千字

内容提要

音乐审美充满了神秘的色彩，音乐的审美依赖于 听觉，不受空间的制约，不像语言的声音那样具有约 定俗成的语义指向，也不像自然的声音那样具有声音 与现象之间的对应联系。在传统音乐审美中，通常都 是根据作品的特点和学生的具体情况采取的课堂教学 手段，音乐审美教学一般遵循“介绍、聆听、引导、 联想”四个环节。而本书的内容在于培养学生的情绪 运动能力，常态化地进入情绪运动状态的音乐审美教 学方法——深度音乐审美教学法。《深度音乐审美教 学法导论》作者田耀农、宋艳艳带领他的学生们针对 “深度音乐审美教学法”的科学性、有效性、可操作 性、可重复性的进行了长期的数据记录，并在书中呈 现了学生们的音乐体验实录，这些材料弥足珍贵，也 构成了本书的一个特色。
    

目录

前言
绪论 音乐美育音乐审美
第一节 美与美感
第二节 音乐与音乐美
第三节 审美与音乐审美
第四节 音乐审美的目的与方法
第一章 深度音乐审美的理论
第一节 如何认识音乐世界
第二节 美妙的音乐世界
第三节 音乐作品的类别
第四节 走进音乐世界的方法
第二章 音乐世界的构成
第一节 音乐的构成材料及构成方式
第二节 音乐的表达方式和作品体裁
第三节 中国的音乐世界
第四节 西方的音乐世界
第五节 音乐的欣赏与音乐的保健
第三章 深度音乐审美方法的训练
第一节 冥想认知的基本原理
第二节 使用“音乐冥想”技术的意义
第三节 “音乐冥想”能力的训练方法
第四节 “音乐冥想”的感受交流
第五节 “音乐冥想”的日记写作
第四章 故事性音乐作品的深度审美
第一节 故事性音乐作品的特点
第二节 故事性音乐作品的理解
第三节 故事性音乐作品的深度审美方法
第五章 绘画性音乐作品的深度审美
第一节 音乐作品中绘画性因素的构成
第二节 音乐作品中绘画性因素的体现
第三节 绘画性音乐作品的深度审美方法
第六章 表情性音乐作品的深度审美
第一节 表情性音乐作品的特点
第二节 表情性音乐作品的领会
第三节 表情性音乐作品的深度审美方法
第七章 哲理性音乐作品的深度审美
第一节 哲理性音乐作品的构成原理
第二节 哲理性音乐作品的构成方式
第三节 哲理性音乐作品的深度审美方法
参考文献
后记

音乐的无界之境：探索听觉经验与审美感知的新范式 （代号：Project Aetherial Echoes） 内容提要： 本书旨在拓展我们对音乐本质的理解，超越传统学院派的框架与既定的教学体系，深入探讨声音现象与人类感知之间的复杂互动。我们聚焦于那些游离于主流音乐史叙事之外的“灰色地带”——那些实验性的、跨媒介的、以及源于非西方传统的声音实践。全书结构围绕“感知重构”、“时间与空间的声音编织”、“技术作为媒介的延伸”以及“个体经验的本体论”四大支柱展开，力图为音乐教育者、声音艺术家、以及所有对听觉世界抱有好奇心的读者，提供一套全新的、更具开放性的审美工具箱。 第一部分：感知的拓扑学：从听觉到共振 本部分着重解构“听”这一行为的生理学与心理学基础，并质疑传统“听觉优先”的范式。我们不再将耳朵视为被动接收器，而是积极构建意义的共振腔。 章节一：微观时间的碎片与永恒：节奏的非线性分析 本章挑战巴赫时代以来主导音乐的“匀速时间”概念。我们引入了巴塔哥尼亚原住民的“循环时间”模型，以及都市噪音景观中“瞬时时间”的感知特征。探讨了如何通过细微的时间偏移（如微音阶的运用、对非标准节拍的强调）来重塑听众对音乐流动的心理预期。特别关注了“留白”在构建音乐结构中的决定性作用，引入了如约翰·凯奇（John Cage）《4'33"》之后对“环境声”的重新命名与分类学。 章节二：质感与物质性：音色的物理学和心理学 超越对音色“美丑”的主观评判，本章深入探讨了材料对声音携带的信息的影响。从木材的密度、金属的振动频率，到电子合成器波形的谐波结构，我们分析了声音的物理属性如何直接映射到人类情感体验的深层结构。引入了“触觉听觉”（Haptic Listening）的概念，探讨了次声波和超声波在非意识层面如何影响听众的身体状态。讨论了录音技术，特别是磁带噪音和数字失真的“可听见的颗粒感”，作为一种有意识的审美选择。 章节三：共情的算法：情绪投射与声音的“拟人化” 本章审视了人类如何将情感投射到非生命的声音对象上。我们分析了不同文化中“悲伤”和“狂喜”声音符号的异同，并研究了现代电子乐中，通过滤波、调制等技术手段，如何“模拟”出复杂的人类情感状态，这种模拟是模仿还是创造了新的情感类别？探讨了AI生成音乐对这种“拟人化”投射机制的冲击与颠覆。 第二部分：空间的声音编织：声景的地理学与架构 声音从未独立存在，它总是被固定在一个特定的空间场域内。本部分将研究声音与空间的关系，从微观的室内声学到宏大的城市声景。 章节四：声景的考古学：从祭祀场到音乐厅的声学演变 追溯人类如何有意识地设计空间以优化声音体验。分析了哥特式教堂的回响特性如何服务于圣歌的神秘感，以及19世纪音乐厅的“清晰度”追求如何塑造了古典音乐的演奏风格。本章的核心是对比分析不同文化背景下对“适宜混响时间”的不同定义，揭示声学设计背后的权力结构和仪式需求。 章节五：环境的干预与声音的“非表演性” 关注声音艺术在公共空间中的实践。讨论了声波作为一种无形的建筑材料，如何被用于重塑行人的空间感知和行为模式。例如，机场或商场中用于引导人流的“环境音乐”，并非传统意义上的“表演”，而是对空间功能的一种声音干预。探讨了噪音污染作为一种负面声景，其对社会心理的累积效应。 章节六：多通道与全景声场：沉浸式听觉的伦理边界 解析了杜比全景声、Ambisonics 等多通道音频技术在构建三维听觉场景中的应用。重点不在于技术本身，而在于这种技术如何改变听众的“定位感”和“参与度”。当声音可以精确地从任何方向袭来时，听众是被增强了的“在场感”，还是被困入一个无法逃脱的声音矩阵？讨论了在沉浸式环境中，艺术家对听众的审美“控制权”的边界。 第三部分：技术与媒介的异化：声音的延伸与边界消融 声音的再现和扭曲，离不开工具的演进。本部分考察了录音、合成与数字处理技术如何重塑了“音乐”的定义，以及媒介本身如何成为信息的载体。 章节七：磁带的嘶嘶声与数字的冰冷：媒介的物质性批判 比较模拟录音的物理局限（如磁带的抖晃、噪音）与数字音频的“完美复制”能力。指出模拟噪音并非缺陷，而是一种“时间标记”，记录了声音被捕获和重放的物理过程。探讨了数字音频的“无限可编辑性”如何导致音乐本体的“虚无化”风险——当一切都可以被完美修正时，什么才是真实的表达？ 章节八：算法的声音生成：创意还是自动化？ 深入探讨生成式音乐与机器学习在声音创作中的角色。我们关注的不是AI能否创作出悦耳的旋律，而是AI模型在学习海量人类音乐数据后，所提炼出的“平均审美倾向”。讨论了使用概率模型、马尔可夫链等工具，如何生成出“陌生化”的、挑战人类预测机制的音乐结构。分析了“提示词工程”如何成为新的作曲技法。 章节九：声音作为数据流：解构与重组的后人类视角 将音乐视为可量化的数据集合，而非有机的艺术品。研究如何通过频谱分析、傅里叶变换等手段，将声音“可视化”，并基于这些数据进行非音乐性的操作（如将频谱图转化为视觉艺术，或将音高转化为文本）。探讨了数字信号处理（DSP）从工具到“合作者”的转变过程。 第四部分：个体经验的本体论：声音的去中心化实践 本部分回溯至个体与声音最原始、最非功利的关系，倡导一种去中心化、去权威化的审美实践。 章节十：非西方音乐体系中的“非结构化”审美 考察了如印度拉格（Raga）中的即兴与情绪引导，或日本雅乐（Gagaku）中的缓慢展开和对“不完美”的接纳，这些体系如何构建出与西方主调音乐截然不同的审美目标。核心在于强调“过程”而非“成品”，以及对“噪音”与“寂静”的积极肯定。 章节十一：身体作为乐器：内在的共振与自我调频 聚焦于将人体本身视为声音生产和接收的终极场所。探讨了吟唱、喉音、呼吸控制等身体实践，如何绕过传统乐器与符号的束缚，直接作用于个体的神经系统。分析了生物反馈技术在个体声音调节中的应用潜力，将音乐审美视为一种自我疗愈和认知训练。 章节十二：倾听的伦理：责任、噪音与沉默的必要性 本书的总结部分提出了一个关键问题：在一个声音信息爆炸的时代，我们对我们所听到的和我们所发出的声音负有什么责任？探讨了“听觉疲劳”的社会学根源，并呼吁建立一种“审慎倾听”的伦理。最终，强调了在所有复杂的声音实践背后，保持对纯粹、未被符号化的“初始声音”的敬畏，是通往深度审美体验的最终路径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，硬壳的质感配上那种略带复古的字体，一下子就把人带入了一种沉静而又充满探索欲的氛围中。我原以为会是一本晦涩难懂的理论专著，但翻开之后发现，作者的文字功力非常扎实，即便是处理一些相对抽象的概念时，也能用非常生动且贴近生活的例子来加以阐释，使得阅读过程并非枯燥的知识灌输，而更像是一场与智者的私密对话。尤其欣赏的是书中对不同历史时期音乐流派的梳理脉络，那种层层递进的逻辑性极强，让人清晰地看到音乐审美观念是如何在社会、文化、技术多重因素的打磨下逐渐演变、最终形成我们今天所理解的“审美”框架。对于初学者来说，它提供了一个坚实的理论基石，但对于资深爱好者而言，其中穿插的那些对经典作品的独到见解和分析视角，也足够引发深度的思考和反刍。

评分☆☆☆☆☆

读完这本厚重的作品，我最大的感受是它彻底颠覆了我过去对“美育”二字的刻板印象。过去总觉得音乐审美教育无非就是教人分辨“好听”与“不好听”的粗浅标准，或者停留在对曲式结构的机械分析上。然而，这本书深刻地探讨了“审美”背后的哲学根基和社会语境。作者似乎在引导读者，审美绝非主观的、孤立的感受，而是一个复杂的认知构建过程，它与我们的文化身份、时代精神乃至个体经验都紧密缠绕。我尤其喜欢它对于“聆听”行为的深度解构，它不仅仅关注声音的物理属性，更着眼于听者在接收信息时所进行的心理加工和情感投射。这种由表及里的剖析，让我对如何真正“进入”到音乐作品中，获取更深层次的精神滋养，有了全新的领悟。

评分☆☆☆☆☆

翻阅此书，我仿佛被带入了一个不断自我审视和挑战的学术旅程。作者在行文中展现出的那种批判性精神令人印象深刻，他不断地质疑和解构那些被视为理所当然的审美标准和教学模式，推动着读者主动去构建属于自己的、更具包容性的理解框架。这种积极的、批判性的对话姿态，正是优秀学术著作的魅力所在。我特别欣赏它对于“多元文化背景下审美标准的兼容性”所做的深入探讨，它提醒我们，审美教育的目标不应该是培养出具有单一标准偏好的听众，而是塑造出具有高度文化敏感度和批判性鉴赏力的现代公民。这本书的价值，或许就在于它提供了一种思考“如何教人去听”的全新哲学高度。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读门槛并不低，它要求读者具备一定的耐心和对复杂概念的接纳度。书中对于某些核心术语的定义和辨析极其审慎和严谨，可能需要反复研读才能完全消化其深意。但正是这种对学术纯粹性的坚持，使得全书的论证逻辑无懈可击，充满了知性的力量。它不迎合快餐式的阅读需求，而是鼓励读者慢下来，去品味字里行间蕴含的深思熟虑。对于那些渴望深入探索音乐本质，而非满足于表面知识的专业人士或严肃的学习者来说，这本书无疑是一笔宝贵的财富。它提供的不是现成的答案，而是一套强大的、可以用来构建自己审美体系的思维工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构布局安排得极为巧妙，它不像那种线性叙事的教科书，反而更像是一个多维度的思维导图，不同章节之间既独立成篇，又相互呼应，形成了一个严密的知识体系。特别是关于“感知与诠释”那一章，作者引入了大量的跨学科视角，比如从认知心理学角度解析听觉的神经基础，再结合现象学的方法来描述主体的在场感。这种融会贯通的叙事方式，极大地拓宽了读者的视野，让人意识到音乐审美教育的复杂性和广阔性。对我个人而言，最实用的部分在于那些关于教学实践的案例分析——它们不是空泛的口号，而是基于真实课堂互动和学生反馈的深度案例，提供了大量可操作性的启发，让那些宏大的理论变得触手可及。