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蔡鬆琦 著

圖書標籤:

• 流行音樂
• 和聲
• 音樂教材
• 藝術教育
• 蔡鬆琦
• 上海音樂齣版社
• 音樂理論
• 高等教育
• 專業教材
• 9787805535258

店鋪： 佳期如夢圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787805535258

商品編碼：29684834471

頁數：452

圖書基本信息
書名：	流行音樂和聲技法
作者/主編：	蔡鬆琦
齣版社：	上海音樂齣版社
ISBN號：	9787805535258
齣版年份：	1997/7/1

版次：	第1版
總頁數：	452頁
開本：	16
圖書定價：	35元
實際重量：	499g
新舊程度：	全新正版

蔡鬆琦，廣東省揭西縣人，1939年生。1962年畢業於上海音樂學院理論作麯係。長期從事和聲學的教學與研究以及音樂文獻的翻譯工作。現任廣東省音樂傢協會副主席，星海音樂學院院長、教授。主要著作有《近現代和聲的綫條思維與綫條結構》、《和聲音響的多維性》，譯著《二十世紀音樂精萃》、《二十世紀的音樂語言》等。

正文

《流行音樂和聲技法》是一本研究和講述流行音樂和聲、兼有教學與應用意義的實用性和聲著作。

　　流行音樂又稱通俗音樂，是當今世界文化領域中一般勢不可擋的潮流，也是音樂發展到一定階段的必然産物。它既是一種音樂形式、風格和流派的體現，也是一種復雜的文化現象與社會現象。
　　流行音樂和聲寫作技法與傳統和聲相比，既有本身的特色又有互相兼容的一麵。
　　《流行音樂和聲技法》在寫作上重點突齣瞭流行音樂的特色部分，無論在理論的闡述、圖錶的設計、譜例的分析上都花瞭不少筆墨。至於與傳統和聲學兼容的手法，其中包括像轉調這樣重要的手法，限於篇幅隻好割愛，請者參閱一般的和聲學教程。

《西方音樂史：從古至今的鏇律之旅》 本書旨在為讀者提供一個全麵而深入的西方音樂史的宏觀視角，涵蓋瞭從古希臘的音樂理念萌芽到20世紀末的多元發展曆程。這不是一本側重於技術分析或特定流派技巧的教材，而是一部旨在梳理音樂在人類文明演進中扮演角色的通史讀物。 第一部分：音樂的曙光與中世紀的迴響 本部分將追溯西方音樂的源頭，探討古希臘音樂理論中“和諧”（Harmonia）與“倫理”（Ethos）的概念，以及這些哲學思想如何奠定瞭西方音樂思維的基礎。我們將考察羅馬帝國衰落後，音樂在教會體製下的保存與發展，重點闡述格裏高利聖詠的形成、記譜法的早期探索，以及單音音樂（Monophony）在禮拜儀式中的主導地位。 隨後，我們將進入中世紀盛期，深入剖析復調音樂（Polyphony）的誕生與早期發展。從巴黎聖母院樂派（Notre Dame School）的齣現，到奧爾加農（Organum）技法的成熟，我們會詳盡描述音樂傢們如何突破單音的限製，探索不同聲部交織的可能性。此外，世俗音樂，特彆是遊吟詩人（Troubadour/Trouvère）和“演奏者”（Minstrel）的歌麯，也將被納入考察範圍，展現音樂在宮廷和民間的生活麵貌。 第二部分：文藝復興的復蘇與和聲的覺醒 文藝復興時期是人文主義思潮高漲的時代，音樂也迎來瞭重大的變革。本章將側重於“人聲”的迴歸與對清晰文本錶達的追求。我們將詳細分析佛蘭德斯樂派（Franco-Flemish School）大師如若斯坎（Josquin des Prez）的作品，理解模仿手法（Imitation）和對位法（Counterpoint）如何服務於文本的意義錶達。 接著，我們將探討音樂在不同地域的差異化發展，特彆是意大利牧歌（Madrigal）的興起，它標誌著情感錶達自由度的增加。在技術層麵，我們關注早期調性概念的雛形，以及五度圈（Circle of Fifths）思維的初步建立。同時，樂器製造的進步，如魯特琴和維奧爾琴的普及，也為後來的器樂發展埋下瞭伏筆。 第三部分：巴洛剋時代的輝煌與戲劇性 巴洛剋時期（約1600-1750年）是西方音樂史上一個充滿活力和裝飾性的時代。本部分將從歌劇的誕生入手，分析濛特威爾第（Monteverdi）如何通過“第二實踐”（Seconda Pratica）確立戲劇性的音樂錶達，以及詠嘆調與宣敘調的區分。 我們將重點剖析巴洛剋音樂的核心特徵：對位法的巔峰（以巴赫的賦格麯為例）、持續低音（Basso Continuo）的基石作用、以及“情感理論”（Doctrine of Affections）指導下的音樂結構。協奏麯（Concerto）的興起，特彆是維瓦爾第（Vivaldi）的快慢快三部結構，將作為器樂發展的重要裏程碑。最後，我們會迴顧巴赫和亨德爾的集大成之作，為即將到來的古典主義奠定基礎。 第四部分：古典主義的秩序與清晰 古典主義時期（約1750-1820年）強調平衡、清晰的結構和自然的美感。本章將詳細解析奏鳴麯式（Sonata Form）的結構原理，它是古典主義器樂的骨架。海頓（Haydn）作為“交響麯之父”，其在交響樂和弦樂四重奏發展中的關鍵作用將得到充分展現。 莫紮特（Mozart）的作品，則代錶瞭鏇律的完美與情感的內斂平衡。我們將分析他歌劇中的人物塑造，以及他如何將成熟的對位技巧融入到清晰的古典框架中。貝多芬（Beethoven）則被視為承前啓後的巨人，他的早期作品遵循古典規範，而中後期作品則開始突破形式的束縛，預示著浪漫主義的到來。 第五部分：浪漫主義的激情與個性解放 浪漫主義音樂（約1820-1910年）的核心在於主觀情感的無限擴張和個人體驗的錶達。本部分將探討這一時期音樂語言的擴展：和聲的極大豐富（半音的使用增加）、鏇律的自由化、以及管弦樂隊規模的空前擴大。 我們將考察舒伯特（Schubert）的藝術歌麯（Lied）如何將詩歌與音樂完美融閤，肖邦（Chopin）對鋼琴這一樂器的極緻探索，以及李斯特（Liszt）的交響詩（Symphonic Poem）如何創新瞭器樂敘事的方式。此外，民族主義音樂（如德沃夏剋、斯美塔那）的興起，展示瞭音樂與國傢身份認同的緊密聯係。晚期浪漫主義如瓦格納（Wagner）的“整體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）和馬勒（Mahler）的交響史詩，將作為此階段情感張力的頂點進行探討。 第六部分：二十世紀的破碎與重構 二十世紀是西方音樂史上最為動蕩和多元的時期。本章將聚焦於對傳統調性體係的顛覆。從德彪西（Debussy）和印象主義對音色和氛圍的探索，到斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主義對節奏的強調，音樂的焦點轉嚮瞭新的領域。 我們將深入分析勛伯格（Schoenberg）及其追隨者如何創立瞭十二音體係（Dodecaphony）和序列主義，以應對傳統和聲的“崩潰”。與此同時，新古典主義的迴歸、巴托剋（Bartók）對民間音樂的吸收、以及極簡主義（Minimalism）對重復和過程的關注，都展示瞭作麯傢們在麵對“何為音樂”這一根本問題時的不同迴答。最後，我們將觸及電子音樂、偶然音樂等前沿探索，總結二十世紀音樂的廣闊圖景。 結語 本書的最終目的，是幫助讀者理解音樂並非孤立的技術集閤，而是與社會、哲學、技術和藝術思潮緊密交織的文化産物。通過這一曆史脈絡的梳理，讀者將能以更廣闊的視野去聆聽和欣賞西方音樂的深邃內涵。

評分☆☆☆☆☆

作為一名已經工作多年的音樂製作人，我深知理論與實踐之間的鴻溝。很多理論書讀起來讓人覺得“知道歸知道，但實際用不齣來”。這本書在這方麵做得尤為齣色，它真正體現瞭“技法”二字。它不僅教你如何識彆和弦，更重要的是，它提供瞭一套完整的“和聲設計流程”。從動機的構建到段落的展開，每一步都提供瞭可供參考的模闆和變體。我嘗試著用書裏介紹的“鏇律導嚮和聲”方法來處理一個拖瞭很久的Demo，結果發現歌麯的層次感瞬間豐富起來，解決瞭我過去在橋段部分設計容易陷入俗套的難題。這本書的價值在於，它為你提供瞭一個堅實的理論框架，但更重要的是，它鼓勵你去打破框架，去創造屬於自己的聲音。這是一本值得反復研讀，並且會隨著你音樂閱曆的增長而展現齣新層次的寶貴資料。

評分☆☆☆☆☆

這本書的編排邏輯非常清晰，就像是搭建一座精密的音樂建築，地基打得牢，上層的結構纔會穩固。它不是那種“想到哪兒講到哪兒”的零散筆記集閤，而是層層遞進，從最基礎的三和弦開始，穩步過渡到復雜的副屬和弦群、半音進行以及模態和聲的引入。對於我這種自學多年的業餘愛好者而言，之前很多模棱兩可的概念，比如“導音的強進行”和“平行五八度的規避”，在書中的情境化解釋下，變得清晰明瞭，不再是死闆的教條。另外，這本書對於教材的定位把握得非常好，它足夠嚴謹，可以作為音樂學院學生的參考資料，同時又足夠貼近實際創作，讓鍵盤手和吉他手都能從中獲益匪淺。書本本身裝幀精美，無論是放在書架上還是經常翻閱，都讓人感到愉悅。

評分☆☆☆☆☆

這本樂理書簡直是音樂學習者的一盞明燈，對於我這種從小就對和聲學有點迷茫的人來說，它的講解方式簡直是醍醐灌頂。作者沒有采用那種枯燥乏味的學院派說教，而是非常巧妙地將復雜的和聲概念融入到實際的流行音樂案例中去分析。比如，書中對七和弦、九和弦的運用，以及如何通過色彩和聲來烘托歌麯情緒，都有非常生動具體的示範。我特彆喜歡它對“功能和聲”在現代流行樂中的演變做瞭深入探討，讓我明白瞭那些聽起來很“酷”的進行背後，其實有著深厚的古典基礎和巧妙的創新。閱讀過程中，我感覺自己不僅僅是在學習理論，更像是在和一位經驗豐富的編麯老師麵對麵交流。每一個小節的分析都配有清晰的五綫譜和簡譜對照，即便是初學者也能很快跟上思路。這本書的排版也很人性化，紙張質量上乘，閱讀體驗極佳，讓人忍不住一頁一頁地往下翻，完全停不下來。可以說，它極大地拓寬瞭我對流行音樂創作的認知邊界。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，我之前買過很多聲稱是“流行和聲聖經”的書，但很多都隻是把古典和聲理論換瞭一層流行樂的皮，工具性遠大於思想性。然而，這本教材的視角非常獨特，它似乎在引導讀者去思考“為什麼流行音樂需要這些和聲”，而不是單純地“如何使用這些和聲”。書中對“情緒色彩”與“和聲密度”之間的關係進行瞭富有洞察力的探討，這對於提升我對歌麯氛圍的把控能力至關重要。比如，書中分析瞭在流行抒情歌中，如何通過微妙的副屬和弦變化來製造“欲言又止”的張力，這種細膩的筆觸，是很多其他教材所缺乏的。我特彆欣賞作者在講解過程中所展現齣的那種對音樂的深切熱愛和嚴謹的學術態度，這使得整本書讀起來既有學術的深度，又不失藝術的靈動。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我拿到這本書時，其實是抱著一絲懷疑態度的，畢竟市麵上關於和聲學的教材汗牛充棟，真正能兼顧“流行”與“深度”的少之又少。然而，這本書很快就用它的專業性和實用性打消瞭我的疑慮。最讓我驚喜的是，它對特定風格——比如R&B的復雜轉調技巧、爵士布魯斯和弦替換的邏輯——進行瞭非常係統和細緻的剖析。它沒有停留在“這個和弦聽起來不錯”的層麵，而是深入到瞭為什麼“不錯”，背後的聲學原理和聽覺心理學是怎樣的。對於那些希望將自己的伴奏或編麯提升到專業水準的樂手來說，這本書提供的技法是立即可用、且具有高度可遷移性的。它更像是一本“武功秘籍”，記錄瞭頂尖音樂人在實戰中如何運用和聲來製造張力、釋放情感的秘密。我甚至開始用書裏的方法去解構我最喜歡的幾首老歌，每一次都有新的發現，成就感爆棚。