中国音乐史第3版臧一冰武汉大学出版社音乐考研正版教材9787307091566 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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臧一冰 著

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• 中国音乐史
• 臧一冰
• 音乐考研
• 武汉大学出版社
• 教材
• 音乐史
• 第3版
• 9787307091566
• 正版
• 音乐

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出版社： 武汉大学出版社

ISBN：9787307091566

商品编码：29684835889

页数：279

图书基本信息
书名：	中国音乐史 第3版
丛书名：	音乐理论与音乐文化教育丛书
作者/主编：	臧一冰
出版社：	武汉大学出版社
ISBN号：	9787307091566
出版年份：	2011年8月

版次：	第3版
总页数：	279页
开本：	1/16
图书定价：	28.00元
实际重量：	340 g
新旧程度：	正版全新

由臧一冰编写的《中国音乐史(第3版)》以“乐和、天地、人和”的哲学理念贯穿首尾，梳理了中国音乐的发展历史。共分七章，介绍了各个历史时期主要的音乐流派和音乐作品，并将音乐的发展纳入了中国传统文化发展的整体格局中，是一本脉络清晰，叙述流畅，史料充实的好教材。本书内容生动而丰富，是认识、理解音乐的桥梁和重要的人文背景。 

章音乐的起源及远古的音乐遗产 一、音乐的起源 二、远古的音乐遗产 （一）中国概说 （二）神话与传说中的音乐 （三）音乐文物的实证 第二章先秦的音乐 一、概述 二、夏、商的音乐 （一）《大夏》乐舞 （二）夏代的侈乐 （三）商代的巫乐和淫乐 （四）夏商乐器遗存 三、西周韵音乐 （一）礼乐的光辉 （二）中国音乐教育的滥觞 四、春秋战国的音乐 （一）礼崩乐坏 （二）郑卫之音 （三）《诗经》：千古的诗与歌 （四）楚辞与楚乐 （五）民间音乐家与宫廷音乐家 （六）早的说唱《成相篇》 （七）先秦的乐器 （八）乐律学 （九）先秦诸子的音乐思想 （十）中国古代音乐理论的奠基作——《乐记》 第三章秦、汉、三国、两晋、南北朝音乐 一、概述 二、秦、汉的音乐 （一）乐府 （二）鼓吹 （三）相和歌与相和大曲 （四）古琴音乐 （五）道教音乐 （六）百戏 （七）乐器 （八）乐律 （九）记谱法 （十）音乐思想 （十一）音乐文献 三、三国、两晋、南北朝音乐 （一）交流与融合 （二）佛教音乐 （三）音韵学与音乐 （四）文人音乐 （五）清商乐 （六）歌舞戏 （七）乐器与乐律 第四章隋、唐、五代的音乐 一、概述 二、宫廷音乐 （一）宫廷音乐机构 （二）宫廷燕乐 三、民间俗乐 （一）曲子 （二）俗讲与变文 （三）参军戏 （四）散乐 四、隋、唐音乐家和音乐评论家 （一）音乐家 （二）作为音乐评论家的白居易 五、中外音乐交流 （一）中西音乐交流 （二）对日本音乐的影响 六、乐器、记谱法、音乐理论 （一）乐器 （二）记谱法 （三）音乐理论 （四）音乐文献 第五章辽、宋、金、元的音乐 一、概述 二、市民音乐的兴起 （一）瓦舍 （二）勾栏 （三）曲子 三、宫廷音乐 四、姜白石及其音乐 五、西夏、辽、金的音乐 （一）西夏的民间俗乐 （二）西夏的宫廷音乐 （三）辽的音乐 （四）金的音乐 六、说唱音乐 （一）鼓子词 （二）唱赚 （三）诸宫调 （四）货郎儿 （五）涯词和陶真 七、元代散曲 八、宋、元戏曲音乐 （一）宋杂剧 （二）元杂剧 （三）南戏 九、宋、元的乐器与器乐 （一）乐器 （二）宋代琴家 十、宋、元音乐理论 （一）乐律 （二）记谱法 （三）音乐文献 第六章明、清的音乐 一、概述 二、宫廷音乐 三、城市音乐 四、民间歌曲 五、清朝 六、说唱音乐 （一）鼓曲 （二）说唱大鼓 （三）子弟书 …… 第七章中华民国时期的音乐 主要参考文献 后记

《中国音乐史（第3版）》采取图文并茂、按时间顺序的方式，介绍了中国古代音乐史和中国近代音乐史。其主要特色表现在以下几个方面：一、思想性。《中国音乐史（第3版）》将音乐历史置于一种大文化的历史关照语境之中来叙述，有对人类命运的反思，有对艺术的社会功能的反省……特别是每章后的思考题，均能给读者有益的启迪，帮助他们从相关音乐史料中了解和思考更加广阔的精神领域。二、实用性。《中国音乐史（第3版）》内容详略得当，文字深入浅出，表述言简意赅，且为进一步学习者提供了的相关文献。三、准确性。《中国音乐史（第3版）》严格尊重历史文献，并在使用中不断完善，现已出到第三版，受到了业内的一致肯定。《中国音乐史（第3版）》适合作为：一、大中专院校音乐的理论课教材；二、大中专院校非音乐进行音乐素质教育的公选课教材；三、社会大众了解中国音乐文化历史的读物。

音乐的流变与文化的脉动：一部跨越时空的和声史诗 书名： 乐章交织：全球音乐文明的演进与地域性表达 作者： [此处可设想一位具有深厚跨文化音乐学背景的学者] 出版社： [此处可设想一家致力于人类学与艺术史研究的权威出版社] ISBN： [此处可设想一个与您提供的图书不同的新ISBN] --- 内容简介：超越疆域的听觉景观重构 《乐章交织：全球音乐文明的演进与地域性表达》并非聚焦于特定国家或单一文化体系的音乐发展脉络，而是将目光投向整个人类文明在不同地理、社会和技术环境下所产生的听觉艺术的宏大图景。本书以跨学科的视野，融合了音乐学、人类学、社会学、考古学乃至声景生态学的研究方法，旨在描摹一幅包罗万象、充满动态张力的全球音乐地图。 本书的核心论点在于：音乐的形态、功能与审美标准，是特定社群与外部环境进行复杂互动的结果。它试图揭示，在不同的历史阶段，人类如何通过组织声音——节奏、旋律、和声（或泛音结构）、音色——来构建世界观、巩固社会结构、进行仪式表达，并最终实现情感的集体与个体的宣泄。 全书共分为五个主要部分，层层递进，从最原始的听觉起源探索至现代的全球化融合现象。 第一部分：声音的史前回响与古代文明的奠基（约公元前10000年至公元500年） 本部分着眼于人类最早的音乐活动痕迹。我们考察从骨笛、石磬等考古学证据中复原出的史前音高系统与节奏模式。随后，我们将深入分析美索不达米亚、古埃及、印度河流域以及爱琴海文明中，音乐在宗教祭祀、宫廷娱乐与军事动员中的核心地位。 重点分析对象包括： 古代记谱法的雏形： 对楔形文字泥板上记载的音高序列的解读，以及这些早期记录如何反映了当时对“和谐”概念的初步理解。 乐器学与社会阶层： 不同等级的乐器（如埃及的竖琴与普通民众的打击乐器）在社会权力结构中的象征意义。 早期哲学思辨： 探讨毕达哥拉斯学派对音程与宇宙秩序关联性的探索，以及其如何影响了后世西方音乐理论的根基，但同时，也将其置于与东方古代哲学（如吠陀文本中的音韵学）的对比之中，探究人类对“自然之声”的共同求索。 第二部分：区域性体系的成熟与技术驱动的革新（约公元500年至1450年） 中世纪至文艺复兴初期，全球范围内出现了多个相对独立且高度成熟的音乐体系。本部分将细致剖析这些体系的结构性差异。 我们不会深入探讨某一特定地区的教会音乐发展，而是将焦点放在“音乐的社会功能异化”： 东亚士大夫阶层的雅乐理念： 对比日本雅乐（Gagaku）和朝鲜正乐（Jeongak）中对“中和”之美的追求，以及这种审美如何与儒家政治伦理紧密结合，形成一种抑制情感表达的音乐规范。 伊斯兰黄金时代的声学与数学： 考察阿布·优素福·本·胡奈因等学者对微分音（Microtones）的系统性研究，以及阿拉伯旋法（Maqam）在跨文化传播中对地中海沿岸音乐的影响。 拜占庭与斯拉夫的复调探索： 分析东正教礼仪音乐中复调因素的萌芽，将其视为与西欧早期奥尔加农发展并行但不等同的技术路径。 第三部分：帝国扩张、殖民互动与音乐的“混合地带”（约1450年至1900年） 这一时期的音乐史是交流、征服与抵抗交织的产物。本书的核心价值在于，它将欧洲音乐（Baroque, Classical, Romantic）的发展，放置在全球冲突的背景下进行审视。 重点关注“音乐的物质性”和“异域风情”的生产： 新大陆的融合： 考察非洲奴隶的节奏传统与欧洲和声结构在加勒比海和北美洲的早期碰撞，如何催生了融合性的民间音乐形式，而非仅仅是欧洲传统音乐的简单传播。 东方主义的听觉构建： 分析19世纪欧洲作曲家如何“挪用”和“想象”亚洲、中东的音乐元素，以及这种想象如何反过来影响了被描绘地区的音乐自我认知。 民族乐器的全球旅行： 例如，印度西塔琴（Sitar）或爪哇加美兰（Gamelan）早期传入欧洲的路线、被如何误读，以及它们在西方音乐语境下被改造的过程。 第四部分：录音技术、大众传播与音乐的去地域化（1900年至1980年） 工业革命的终极成果——录音技术的普及——彻底改变了音乐的生产、消费和保存模式。本书批判性地考察了这一转变带来的后果： 标准的建立与流派的固化： 唱片工业如何倾向于推广结构清晰、易于复制的音乐模式，导致某些复杂或依赖现场互动的音乐形式面临生存危机。 爵士乐作为全球性语言的诞生： 不将其视为单纯的美国现象，而是将其视为一种高度灵活的、基于即兴创作的跨文化交流工具，分析其如何快速渗透到欧洲、日本和南美洲的都市文化中，并吸收当地元素进行变异。 电子声音的解放： 考察早期实验音乐家（如皮埃尔·布列兹、约翰·凯奇之外的，来自不同文化背景的声音艺术家）如何利用磁带、合成器探索新的音场结构，挑战传统的五线谱束缚。 第五部分：后工业时代的“声景碎片”与身份重塑（1980年至今） 当代音乐是超本地化（Hyperlocal）与全球化无缝对接的产物。本部分探讨数字技术如何使音乐创作与消费进入一个前所未有的碎片化时代。 数字采样与音乐考古学： 分析数字采样技术如何使音乐家能够以前所未有的精度重新组织历史声音材料，挑战了关于“原创性”的传统定义。 亚文化的回音室与身份政治： 探讨电子舞曲（EDM）、嘻哈音乐（Hip-Hop）以及各种全球流派（如K-Pop、Afrobeats）如何在互联网的推动下，既能保持强烈的地域身份，又能迅速适应全球流行审美。 生态学视角的回归： 引入“声音景观”（Soundscape）理论，探讨现代城市噪音污染、自然环境消逝对音乐创作的隐形影响，以及当代艺术家如何尝试通过音乐重建失落的听觉生态平衡。 --- 本书的独特价值 《乐章交织》致力于消除音乐史研究中常见的“中心化偏见”。它不以外来者的视角评判“非西方”音乐，而是将其视为与西方体系同等重要、独立发展的文化实体。通过对技术、社会结构、哲学信仰与听觉实践之间复杂关系的深入挖掘，本书为读者提供了一幅宏大、细致且充满批判精神的全球音乐文明全景图，邀请听者以更广阔的胸襟去聆听人类历史的多元和声。它不仅是一部乐理或风格的梳理，更是一部关于人类如何“听”和“存在”的文化史。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐史著作的装帧设计着实让人眼前一亮，它不仅仅是一本学术书籍，更像是一件值得收藏的艺术品。封面设计采用了典雅的深色调，配以烫金的字体，在光线下折射出低调而内敛的光芒，让人初见便心生敬意。纸张的选择也颇为讲究，触感温润，翻页时发出轻微的“沙沙”声，仿佛能将人带回历史深处。装订工艺更是无可挑剔，即使是经常翻阅，书脊也丝毫没有松动的迹象，这对于我们这些需要反复研读的考研党来说，简直是福音。细节之处见真章，内页的排版布局也体现了出版方的用心良苦，字体大小适中，段落间距合理，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。尤其值得称赞的是，书中的一些关键历史时期和音乐流派的介绍部分，常常会配有精心挑选的插图或乐谱片段，这些图文并茂的呈现方式，极大地增强了阅读的直观性和趣味性，使得原本可能枯燥的理论学习过程变得生动起来。我甚至愿意花时间去研究一下这本教材在印刷和装订上所采用的技术，它所传达出的对知识的尊重，是很多当代出版物所欠缺的。它不仅是我案头必备的工具书，更是我书架上的一件陈列品，每次看到它，都能感受到一种沉甸甸的学术分量。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读这本书的章节编排，我不得不佩服作者在宏观把握与微观剖析之间所达到的精妙平衡。它并非简单地按照时间线索罗列史实，而是构建了一个富有逻辑性和内在联系的知识体系。初期的章节，对中国音乐的源流进行梳理时，展现出极强的思辨性，作者并没有止步于描述“是什么”，而是深入探讨了“为什么”以及“如何影响”。比如，在论及先秦礼乐制度的构建时，书中不仅引用了大量的文献佐证，更结合了当时的社会结构和哲学思想进行交叉分析，让读者能够清晰地看到音乐是如何嵌入到国家治理和文化构建中的。进入到中古时期的发展脉络时，该书的叙述节奏明显加快，但重点突出，对于不同地域、不同民族音乐元素的融合与分化，处理得极为细腻，避免了单一化和平面化的倾向。这种层层递进的结构，使得即便是对某一特定时期了解不深的读者，也能通过前面的铺垫，轻松地进入到更复杂的论述之中。我感觉，与其说这是一本教材，不如说是一位经验丰富的导师在循循善诱，引导我们逐步建立起完整、立体的中国音乐历史认知框架，而不是零散的知识点堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理史料的引用和学术观点的阐述上，展现出一种令人信服的严谨性与批判性。我特别留意了那些存在争议的历史节点和音乐流派的界定时，作者的态度是持重而开放的。他并没有急于给出绝对化的结论，而是清晰地呈现了学界不同的主流观点，并基于扎实的文献考据，给出自己倾向性的分析，同时不忘指出现有研究的局限性。这种“存疑”和“探讨”的精神，对于高阶学习者至关重要。例如，在谈到某个历史阶段的音乐文献失传问题时，书中巧妙地引入了考古学的新发现以及异域文献的佐证，这种跨学科的视野极大地拓宽了我的思路。我常常在阅读过程中，会情不自禁地停下来，去查阅作者引用的那些经典古籍的出处，由此引发的延伸阅读和思考，远远超出了教材本身的内容范围。这说明作者在构建自己的论述体系时，是建立在极其深厚的文本功底之上的，绝非泛泛而谈，读来让人倍感踏实和信赖，仿佛手里握着的是一把经过千锤百炼的钥匙，能够开启通往真实历史的密室。

评分☆☆☆☆☆

从一个备考者的角度来看，这本教材的实用价值是毋庸置疑的，它无疑是针对特定考试命题方向进行了深度优化和提炼的成果。教材的章节划分和重点内容的侧重程度，与历年的考研真题有着高度的契合性，这并非偶然，而是作者对学科脉络和考试趋势的精准把握。尤其是在那些每年都会考察的“必考点”上，无论是概念的界定还是关键人物的生平贡献，都被梳理得井井有条，甚至连一些容易混淆的术语和时间点，都用清晰的对比表格或总结性的文字进行了归纳，极大地提高了复习效率。我发现自己不再需要花费大量时间去辨析哪些是“次要信息”，哪些是“核心知识点”，因为教材本身已经完成了这项艰巨的任务。更人性化的是，书后附带的那些总结性的复习导图或知识树（如果存在的话），能帮助我快速回顾和巩固已学内容。对于我们这种时间紧迫的考生而言，一本能够“带着你走”的教材，其价值远超其定价，它直接决定了复习的效率和最终的成败，这本书在这一点上，做得相当到位，提供了明确的导航系统。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，在我看来，是一种融合了古典的厚重感与现代的学术清晰度的独特表达。它不像某些早期的学术著作那样充斥着拗口的古汉语和晦涩难懂的修辞，使得初学者望而却步；但它也绝非是那种流于表面的、轻飘飘的普及读物。作者的文字功底深厚，在描述复杂的音乐现象或历史背景时，总是能找到一个精准且富有表现力的词汇。语句的组织既有古典文学的韵律美，使得阅读过程本身成为一种享受，又严格遵循了现代学术写作的逻辑严密性。这种平衡使得知识的吸收变得既有深度又有温度。我特别欣赏作者在进行理论阐述时所使用的类比和譬喻，它们往往能瞬间点亮一个抽象的概念，让那些原本需要反复咀嚼才能理解的理论，变得如羚羊挂角般清晰可见。总而言之，它成功地架起了一座沟通古代智慧与现代理解的桥梁，让学习中国音乐史不再是一项枯燥的记忆任务，而更像是一次与历史先贤的跨时空对话，这种流畅而富有魅力的叙事方式，是其区别于其他同类教材的显著特征之一。