视唱练耳实战强化训练 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 宇涛伟业图书专营店

出版社： 西南交通大学出版社

ISBN：9787564359416

商品编码：28346395991

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	视唱练耳实战强化训练 音乐 书籍
作者：	文艺元，页卫国主编
定价：	38.0
出版社：	西南交通大学出版社
出版日期：
ISBN：	9787564359416
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版次：
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开本：	16开

内容简介

本书依据全国艺术类招生考试大纲对视唱练耳专业统考和校考要求，以现行视唱练耳常用命题方式为切入点，分“客观题听辨专项训练”“听写题专项训练”“模拟试题综合训练”“答案”四大板块。

音乐理论与实践的桥梁：西方音乐史前沿探索 ——一部深入剖析西方音乐发展脉络与核心观念的权威著作 本书并非单纯的音乐史罗列，而是一部以深入的理论分析和批判性思维为驱动的学术专著，旨在为音乐学、作曲、音乐教育及高阶音乐爱好者提供一个全面、深入且富有启发性的视角，去理解西方音乐自中世纪晚期至二十世纪中叶的复杂演变历程及其背后的哲学基础。我们聚焦于“结构”、“风格转型”与“文化语境”这三大核心支柱，构建起一座连接历史事实与当代音乐理解的坚实桥梁。 第一部分：中世纪的余晖与文艺复兴的曙光——和声语言的奠基 (约1300-1600) 本部分将首先回溯中世纪晚期至早期文艺复兴时期（特别是14世纪的“新艺术” Ars Nova）的音乐实践。我们将细致剖析等音律体系的初步应用、弗兰科（Franco of Cologne）关于节奏记谱法的贡献，以及纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）在复调音乐结构上的创新。 随后，我们将重点探讨文艺复兴盛期（约1450-1600）的音乐革命。这不仅仅是人声复调技艺的巅峰，更是音乐与人文主义思潮结合的体现。我们将深入分析奥克冈姆（Ockeghem）、雅各布斯·奥布雷赫特（Jacob Obrecht）等人的“等量对位法”（Parody Mass）的复杂技艺，并详细阐述若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）如何通过文本（Text Setting）的细致处理，预示了巴洛克时期“表达性”（Affekt）的萌芽。在世俗音乐方面，我们将探讨法国香颂（Chanson）与意大利牧歌（Madrigal）中对位法的运用演变，并对比蒙特威尔第（Monteverdi）早期作品中对传统“完美”和声的审慎突破，这些突破为后来的“第二实践”（Seconda Prattica）奠定了基础。 第二部分：巴洛克时代的宏大叙事——功能和声的確立与戏剧张力 (约1600-1750) 巴洛克时期是西方音乐史上功能和声体系（Tonal System）得以确立并成熟的关键阶段。本章将以蒙特威尔第《奥菲欧》（L'Orfeo）的问世为标志，全面考察歌剧（Opera）这一全新艺术形式的诞生及其对音乐结构的影响。 核心内容将集中于： 1. 数字低音（Basso Continuo）的理论与实践：探讨其作为“和声骨架”的不可替代性，以及即兴演奏的规则与自由度。 2. 调性的构建：追溯小调/大调调式体系如何取代教会调式，以及“趋向性”和声（如导音的使用）如何构建起强烈的音乐逻辑和方向感。我们将分析科雷利（Corelli）与维瓦尔第（Vivaldi）在协奏曲（Concerto）曲式结构上的标准化贡献，特别是快-慢-快的速度布局。 3. 巴赫的集成与巅峰：我们将用大量篇幅剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的对位艺术。重点分析《平均律键盘曲集》（Well-Tempered Clavier）如何系统地展示了所有大小调的实践潜力，以及《赋格的艺术》（The Art of Fugue）中对位技巧的逻辑极限。探讨巴赫如何将前巴洛克时代的对位传统与新兴的功能调性完美融合，创造出无与伦比的结构密度与情感深度。 第三部分：古典主义的秩序与情感的平衡——曲式规范的形成 (约1750-1820) 古典主义音乐是对巴洛克晚期复杂性的反思，它追求清晰的结构、平衡的比例与自然的旋律。本部分的核心是“形式”（Form）的规范化。 我们将详尽讲解： 1. 奏鸣曲式（Sonata Form）的解构：不仅仅是呈示部、发展部、再现部的简单划分，更要深入探讨主题间的“功能关系”（如主调与副调之间的关系张力）、呈示部的“结束部”作用，以及发展部中如何利用和声的游移性来制造冲突。 2. 交响乐与室内乐的成熟：以海顿（Haydn）的“母题发展法”（Motivic Development）和莫扎特（Mozart）对旋律线条的精妙处理为例，展示如何将一个简单的音乐材料扩展为宏大的结构。 3. 早期贝多芬的过渡：分析路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven）的作品如何在新旧交替中，通过增加发展部的长度、拓宽和声的范围（如对远关系调的运用），以及赋予奏鸣曲式更强烈的戏剧性动机，最终推向了浪漫主义的门槛。 第四部分：浪漫主义的个体呼唤——主观情感的无限拓展 (约1820-1900) 浪漫主义是对古典主义客观秩序的一种强烈反动，音乐的重心转向了作曲家个体的情感体验、文学叙事和超自然想象。 本书将系统梳理浪漫主义的三大趋势： 1. 和声的“扩张”与“瓦解”：探讨从舒伯特（Schubert）到舒曼（Schumann）的和声色彩运用。重点分析李斯特（Liszt）和瓦格纳（Wagner）如何通过使用大量不协和音程（如增六和弦的广泛应用）、半音进行（Chromaticism）以及模糊终止式，持续地推迟调性中心的确认。瓦格纳的“无尽旋律”（Endless Melody）和“主导动机”（Leitmotif）的系统应用，构成了对传统“乐段结构”的根本性挑战。 2. 叙事性音乐（Program Music）的发展：分析柏辽兹（Berlioz）的“和声结构叙事”与李斯特的“交响诗”（Symphonic Poem）在音乐形式上如何服务于文学文本。 3. 民族主义的兴起：考察斯美塔那（Smetana）、德沃夏克（Dvořák）以及俄罗斯“五人团”如何将本民族的民间旋律、节奏和调式特征融入到西方古典音乐的框架内，形成独特的风格标记。 第五部分：二十世纪的结构性断裂——调性的终结与新语言的探索 (约1900至今) 本部分是全书最具前瞻性和理论深度的部分，关注音乐语言如何应对现代性的冲击。 我们将不再囿于传统的调性分析，而是深入研究作曲家们为打破自巴赫以来主导的听觉逻辑所采取的激进策略： 1. 印象主义的音色探寻：德彪西（Debussy）如何通过全音阶（Whole-Tone Scale）、五声音阶（Pentatonic Scale）以及对传统功能和声的“悬置”，营造出静态、模糊的音响景观。 2. 表现主义与无调性：详细分析荀伯格（Schoenberg）如何从晚期浪漫主义的半音化中彻底转向无调性（Atonality），以及他的“十二音序列技法”（Twelve-Tone Technique）如何提供了一种新的、非等级化的结构组织原则。我们将剖析韦伯恩（Webern）对序列技法的结构性提纯。 3. 新古典主义的回归与重构：斯特拉文斯基（Stravinsky）如何从原始主义（The Rite of Spring）转向对古典形式的“音色化重构”，使用多调性（Polytonality）和节奏的非对称性来“复兴”古典精神。 4. 先锋派的疆域拓展：简要介绍序列音乐（Serialism）、随机性音乐（Aleatoric Music）以及电子音乐的早期实验，探讨这些方法如何挑战了“作品完整性”和“作曲家意图”的传统概念。 结语：历史的对话 本书最终旨在论证：每一次音乐“革命”，并非是对传统的彻底抛弃，而是对现有结构体系的重新审视与技术整合。从复调的对位平衡到功能调性的方向感，再到二十世纪的序列组织，音乐史是一部不断寻求新的“结构秩序”与“表达张力”的辩证过程。通过对这些核心文本的深入研究，读者将能更清晰地辨识出当代音乐创作的理论根源，并以更具批判性的眼光去欣赏和分析宏大的西方音乐遗产。

评分☆☆☆☆☆

这本《视唱练耳实战强化训练》简直是音乐学习者的福音！我以前总觉得视唱练耳就是枯燥地数拍子、哼音阶，但这本书完全颠覆了我的认知。它的编排非常巧妙，从最基础的音程、音阶开始，循序渐进地引入到复杂的和弦、节奏型练习。我特别喜欢它“实战强化”的这个定位，书里大量的真题和模拟测试，让我仿佛置身于考场之中。每一次练习完，我都能清晰地感觉到自己的进步，那种从“听不懂、唱不准”到“豁然开朗”的感觉，简直太棒了。而且，书中的配乐质量很高，不仅仅是简单的钢琴伴奏，很多都是模拟真实乐队或合唱团的场景，这对于我们训练听觉的准确性和反应速度非常有帮助。我强烈推荐给所有准备考级或者想提升自己音乐素养的朋友们，这本书绝对是你的“武功秘籍”。它不仅仅是一本教材，更像是一位耐心的私教，随时为你答疑解惑，指引方向。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我最初对这种“强化训练”类的书籍抱持怀疑态度，觉得可能就是堆砌一些难啃的题目。然而，这本《视唱练耳实战强化训练》的出现，让我对“强化”有了全新的理解。它强化的不是难度，而是效率和准确性。书中设计了很多巧妙的练习模块，比如“快速反应听辨”和“视唱节奏变奏”，这些设计迫使你必须集中全部注意力，不能有丝毫懈怠。我发现，坚持用这本书练习一段时间后，我在日常的乐谱阅读速度和对不和谐音程的敏感度上都有了显著的飞跃。更值得称赞的是，它对“听觉记忆”的训练非常到位，不仅仅是即时反应，还涉及到了对长句乐段的复述和分析。对于那些经常在合唱团里因为跟不上节奏而抓耳挠腮的朋友们，这本书能真正帮你打下一个坚实的基础，让你从被动跟随变成主动驾驭音乐。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余音乐爱好者，我最大的瓶颈就在于乐理知识的生疏和听觉辨识能力的滞后。市面上很多教材要么过于学术化，让人望而却步；要么就是过于基础，对进阶学习帮助不大。这本书的平衡把握得恰到好处。它的讲解深入浅出，对于一些复杂的音乐现象，总能用清晰的比喻来解释。我特别欣赏它对不同调式和复杂节奏（比如复合拍子和复节奏）的处理方式。它不是简单地告诉你“这是什么”，而是告诉你“为什么会这样”，以及“如何在第一时间反应过来”。我用它来辅助练习时，感觉就像是为我的大脑安装了一个“音乐处理器加速器”。如果你觉得自己对音乐的理解停留在表面，想真正“听懂”音乐的内在结构，这本书绝对是你的不二之选。

评分☆☆☆☆☆

我买过好几本视唱练耳的书，但很多都是陈旧的或者只注重单项技能的训练。这本书的出版年份应该比较新，它紧跟现代音乐教育的趋势。特别是对听写部分的训练，它考虑到了当代音乐中常见的非传统和声走向，这一点非常重要。书中的练习曲目设计得很有趣味性，不像某些教材那样古板，读起来就不会让人感到索然无味。每一次完成一轮测试，它都会给出详细的错误分析思路，这一点对于自我纠错至关重要。我甚至将它推荐给了我的钢琴老师，老师也认可它在帮助学生建立“声音与符号”之间牢固联系方面的卓越能力。如果你想让你的音乐学习从“死记硬背”变成“内化吸收”，这本书绝对能提供最有效的路径。

评分☆☆☆☆☆

从专业的角度来看，这本书在系统性和实操性上做到了极佳的统一。它不仅仅是一本自我学习的工具书，更是可以作为音乐学院基础课的优秀参考教材。它的难度梯度设置得非常科学，初学者可以从基础的和弦内听辨开始建立信心，而高级学习者则可以挑战其中关于对位与织体分析的听觉任务。我最欣赏的是它对“节奏感”的深度挖掘。很多学习者重视音准而忽略节奏的精准性，这本书通过各种变化多端的节奏型模仿和视奏练习，强迫你把“节拍感”刻进骨子里。每次练习完，我都会感觉自己的身体都在跟着音乐的脉搏跳动，这才是真正的“强化训练”——让技术成为本能。这绝非一本泛泛而谈的入门指南，而是面向严肃学习者的实战利器。