如何听爵士 听什么怎么听听谁的 资深爵士音乐家带你找到答案 特德·焦亚著 未读艺术家 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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特德·焦亚 著，孙新恺 译

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店铺： 墨轩书屋图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550287327

商品编码：27418819188

包装：平装

丛书名： 未读·艺术家

开本：32

出版时间：2018-05-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

编辑推荐

5个爵士乐关键元素+12种爵士乐风格+9位爵士乐大师+150位当代爵士名家 ★ 爵士乐终身成就奖得主全新力作 本书作者特德·焦亚被誉为“美国杰出的音乐史学家之一”，著有爵士乐相关书籍10种，作品屡获殊荣。他于2017年5月获得“爵士乐新闻记者协会”授予的“爵士乐终身成就奖”。

★ 获评经济学人年度好书，广受赞誉 入选《经济学人》2016年年度好书，《华盛顿邮报》《出版人周刊》《纽约客》《纽约时报》等多家媒体盛赞推荐。繁体中文版亦得到焦元溥等多位专业人士推荐，上市后销量迅速突破两万册。

特德·焦亚做得太好了，许多人会因此爱上爵士乐！——《经济学人》

★ 匠心独运、清晰轻巧的赏乐指南 作者身兼音乐史学家与爵士乐手，他从一种全新的角度，将多年积累的私家赏乐建议凝结于这本轻巧的指南中，透过纷繁复杂的音乐世界解开了爵士之谜。

★ 国内爵士乐坛重量级大咖推荐 知名DJ、中国爵士乐坛先锋人物张有待作序；张北音乐节及天漠音乐节的创办人、《爵士shengjing》作者李宏杰撰写推荐语。

内容简介

爵士乐的精髓何在？我们该如何品鉴大师级的演奏？即兴演奏就是随意发挥吗？为什么听、如何听、听什么、听谁的，有关爵士乐的种种疑问，你都将在这里找到答案。

美国杰出音乐史学家、资深爵士乐评论家特德·焦亚在本书中与我们分享了自己的赏乐之道，他从爵士乐的核心谈起，扩展至爵士乐的结构、历史、流派、名家赏析，以深入浅出的语言向我们讲述了“如何听爵士”，只要用心聆听，定能深入爵士乐纷繁复杂的世界中，揭示其魅力所在。

作者简介

特德·焦亚，钢琴演奏家、爵士乐资深评论家、音乐史学家，著有《爵士的历史》（The History of Jazz）以及《爵士乐标准曲》 （The Jazz Standards）等相关音乐书籍10种，作品屡获殊荣。特德·焦亚曾于斯坦福大学任教，出任过www.jazz.com网站总编。他被《达拉斯晨报》誉为“美国杰出的音乐史学家之一”，并于2017年获得了由“爵士乐新闻记者出版协会”授予的“爵士乐终身成就奖”。

精彩书评

特德·焦亚做得太好了，许多人会因此爱上爵士乐！——《经济学人》 本书填补了一项知识空白，深入浅出地介绍了“20世纪zui快乐的声音”。——《华盛顿邮报》

正如焦亚先生所说，这本书的突出特点就是：这是一本“音乐地图”，是一本关于唱片的赏乐指南。——《华尔街日报》

这本书让我忽然明白了自己为何热爱爵士乐。—— 张有待

《如何听爵士》让每一个普通爱乐人士都有机会成为拥有专业耳朵的爵士行家：只要按照书中的方法，循序渐进地去聆听和感受，一定会有惊喜出现！——李宏杰

目录

引言

第一章 节奏之谜

第二章 走进音乐

第三章 爵士乐的结构

第四章 爵士乐的起源

第五章 爵士乐风格的演变

第六章 走近爵士乐革新家

第七章 在当代聆听爵士乐

附录：150位爵士名家

致谢

《音乐的解构与重塑：从巴赫到香颂的跨界聆听指南》 导言：超越流派的音乐之旅 音乐的广袤世界远超我们日常所闻的流行旋律。对于渴望深入探索音乐本质的听众而言，理解不同音乐形态的内在结构、历史背景以及演奏技法，是开启全新听觉体验的关键。本书旨在为那些不满足于单一风格的乐迷提供一张详尽的地图，引领他们穿越古典的庄严、浪漫主义的激情，直至二十世纪新兴音乐形式的实验性探索。我们不聚焦于某一特定流派的入门指导，而是探讨音乐如何随着时代和地域的演变，不断进行着自身的解构与重塑。 第一部分：古典音乐的结构与情感基石 古典音乐，作为西方音乐传统的主干，其复杂性和深度为所有后来的音乐风格奠定了理论和情感的基础。本部分将详细剖析从巴洛克时期到浪漫主义晚期，音乐形式的演变。 第一章：巴洛克时期的逻辑之美——复调的艺术 巴洛克音乐（约1600-1750年）以其严谨的对位法和复杂的织体著称。我们将深入探讨巴赫的赋格曲，并非简单地介绍“如何听赋格”，而是剖析其结构如何体现一种“逻辑上的完美”。重点解析“主题的引入、发展与再现”在不同声部间的交织，这种多声部的对话，如何创造出一种听觉上的建筑感。听众将学会如何追踪主旋律在不同声部中的运动轨迹，从而体会到音乐如何通过数学般的精确性来表达宏大的情感。我们还将考察亨德尔歌剧中咏叹调的装饰技巧，理解即兴装饰并非随心所欲，而是基于既定旋律框架的精妙修饰。 第二章：古典主义的平衡与清晰 古典主义时期（约1750-1820年）追求的是清晰、平衡与和谐。海顿和莫扎特的奏鸣曲式是理解这一时期音乐的核心。本章将拆解奏鸣曲式的三个主要部分：呈示部、发展部和再现部。我们关注的不是“听哪位作曲家”，而是“如何识别结构”。听众将被引导去辨识主题A和主题B的性格对比，理解发展部中主题材料如何被分解、扭曲和重新组合，以及再现部中主题回归时带来的结构上的满足感。这种结构化的聆听方式，使人能够欣赏到形式美本身的力量。 第三章：浪漫主义的情感洪流与和声的扩张 进入浪漫主义（约1820-1900年），音乐的重点从结构转向个体情感的表达。本部分将分析李斯特和瓦格纳如何通过拓展和声语言来增强戏剧张力。我们将探讨“半音化”和“不协和音程”的使用，这些技法如何推迟了解决，从而在听觉上制造出渴望与紧张。重点不是推荐特定的交响曲，而是教授如何“跟随和声的张力”。例如，分析如何通过调性的模糊来营造迷茫感，或通过突然的强弱对比来表达瞬间的激情爆发。 第二章：跨越世纪的边缘探索——二十世纪的音乐革新 二十世纪是音乐语言彻底颠覆的时代。作曲家们开始挑战听众对“旋律”、“和声”和“节奏”的传统认知。 第四章：印象派的色彩与氛围捕捉 德彪西和拉威尔的作品标志着从明确的结构叙事向色彩和氛围描绘的转变。本章探讨“和弦的并置”而非“和弦的进行”。我们分析如何使用全音阶和五声音阶来营造一种漂浮、非定向的感觉。聆听的重点不再是“接下来会发生什么”，而是“此刻的声音感觉如何”。这要求听者放下对传统解决的期待，转而关注音色的微妙变化和踏板的运用如何模糊了音高之间的界限。 第五章：序列主义与节奏的重构 以勋伯格为代表的第二维也纳乐派的出现，标志着对传统调性体系的彻底放弃。我们将非技术性地介绍十二音体系的核心概念——所有音高机会均等。这并非要求听众去“数音符”，而是理解在缺乏中心音的情况下，音乐是如何通过音高序列的内在逻辑来组织自身。同时，斯特拉文斯基的《春之祭》展示了节奏如何成为音乐结构的主导力量。我们将分析其多重节拍和非对称节奏模式如何打破听众的预期，制造出原始的、机械性的冲击力。 第三部分：世界声响的对话——非西方音乐的结构视角 要真正理解音乐的“普遍性”与“特殊性”，必须将目光投向西方体系之外。 第六章：印度古典音乐的即兴模型与拉格（Raga） 印度古典音乐（北印度斯坦尼或南印度卡纳提克音乐）提供了一个完全不同的结构框架。本章将介绍“拉格”的概念——它不仅仅是音阶，更是一种情绪、时间、和特定旋律素材的综合体。我们将探讨“即兴”是如何在这种严格的框架下运作的。聆听的重点将转向“旋律的展开”（Alap、Jor、Jhala），理解演奏家如何在既定的拉格规则下，层层递进地探索其所有潜在的可能性，这与西方交响乐的预设结构形成鲜明对比。 第七章：从非洲鼓点到巴西的节奏复调 非洲音乐传统以其复杂的节奏互动性著称。我们关注的不是单线的旋律，而是“复调的节奏”。解析不同打击乐器如何共同构建一个统一的、多层次的节奏织体，以及这种“中心节奏”如何引导整体的舞蹈和社区活动。转向巴西，我们将审视桑巴和博萨诺瓦中如何将复杂的非洲节奏与欧洲和声融合。学习识别“反拍”与“正拍”之间的微妙张力，理解这种节奏上的“错位感”如何创造出独特的流动感。 第八章：香颂的叙事诗学与人声表达 最后，我们将目光转向法国香颂。尽管香颂在形式上接近流行歌曲，但其深度在于歌词的文学性与人声的表达方式。本章分析香颂如何运用简单的和声（通常基于传统欧洲体系），但通过歌手对歌词的细致处理和情感渲染，将歌曲提升到叙事诗的层面。聆听的重点在于“语气”和“口语化”的表达，理解歌手如何通过微小的音高变化和呼吸控制，来承载深刻的个人经验和时代情绪，这是一种对情感的直接、不加修饰的呈现。 结语：构建你自己的音乐词典 本书的最终目标是解放听众的耳朵。通过理解古典音乐的结构逻辑，感受二十世纪对形式的颠覆，以及欣赏非西方音乐的替代性组织方式，听众将不再是被动地接受音乐，而是成为主动的探险家。每次聆听，无论何种风格，都将成为一次有意识的解构与重塑过程，你将建立起一套属于自己的、跨越流派的音乐理解体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常有匠心独运之处，它不像传统的音乐史那样线性叙事，而是采用了主题切片的方式，将爵士乐复杂的演变路径拆解成了几个易于消化但又绝不失深度的模块。我特别喜欢它探讨即兴演奏核心理念的那几章，作者没有用枯燥的音阶和琶音练习来充数，而是深入剖析了“对话感”和“空间感”在爵士乐即兴中的关键作用。这种讲解方式，非常适合那些已经听了一段时间爵士乐，但总觉得“不得要领”的听众。它帮你搭建了一座桥梁，从单纯的感官愉悦，迈向了对音乐家思维过程的理解。我感觉自己不再是站在一个听众的角度被动接受，而是被邀请进入了演奏者的内心世界，去体会那些决定一个音符是否“正确”的微妙瞬间。这种由内而外的解析，比单纯听无数张唱片所能获得的理解要来得更直接、更深刻。

评分☆☆☆☆☆

作为一本号称“资深音乐家”撰写的指南，这本书的语气处理得极其到位——既有专业人士的权威性，又完全没有高高在上的姿态。行文中充满了生活化的比喻和场景再现，读起来完全没有阅读学术文献的压力感。特别是它在描述不同乐器组在合奏时如何“呼吸”和“互动”的那一段描述，简直是神来之笔，让我立刻拿起耳机去重听了几首我曾听过上百遍的经典录音，却第一次真正“听”到了鼓组和钢琴之间那种默契的眼神交流。这种阅读体验，就像是终于有人为你揭开了一个魔术的秘密，让你对整个表演的复杂精妙有了全新的敬畏感。它成功地将爵士乐从一种“背景音乐”提升到了“需要认真对待的艺术品”的地位。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上介绍爵士乐的书籍汗牛充栋，但大多都陷入了“推销名家”的怪圈，要么只推荐大家耳熟能详的几位巨匠，要么就是堆砌一堆晦涩难懂的音乐名词。但这本书的独到之处在于，它非常注重引导听众建立自己的“听觉过滤器”。它不是直接告诉你“听Miles Davis的《Kind of Blue》”，而是教你如何去辨识一个四四拍的摇摆律动（swing rhythm）是如何在不同时代被重新诠释的，或者说，当一个贝斯手选择走行（walking bass line）时，他的意图是什么。这种培养独立思考和主动聆听的能力，远比记住几张专辑的名字要宝贵得多。它真正做到了“授人以渔”，让我开始对那些不那么主流、但同样极具价值的音乐家的作品产生浓厚的探索欲。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是视觉上的享受，那种带着复古韵味的字体排版，配上深邃的蓝色调，一下子就把人拉进了那个充满萨克斯风低吟和钢琴即兴演奏的神秘世界。初拿到手时，那种厚重感就让人觉得内容绝对是干货满满，而不是那种浮于表面的流行乐入门指南。我尤其欣赏它在开篇部分那种娓娓道来的叙事方式，不像有些音乐理论书籍上来就抛一堆术语，而是像一位经验丰富的老友，轻声细语地跟你分享他这些年穿梭于纽约格林威治村的爵士酒吧时的所见所闻。光是光是读着那些关于早期布鲁斯和新奥尔良“热派”风格的描述，就能感受到空气中弥漫着的湿热和烟草味。这绝对不是一本用来快速翻阅的书，它需要你慢下来，像品尝一杯上好的陈年威士忌一样，细细地咂摸每一个章节所蕴含的深意。光是它的引言部分，就成功地勾起了我内心深处对那种纯粹、未经修饰的音乐形式的向往，让人迫不及待地想戴上耳机，去探索那个声音的宇宙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的后半部分，聚焦于爵士乐在不同地域和文化背景下的融合与变异，尤其让我感到耳目一新。许多入门读物往往止步于咆勃（Bebop）和冷爵士（Cool Jazz），但这本书却大胆地将目光投向了拉丁爵士的节奏复杂性，以及欧洲前卫爵士的结构解构。这种广阔的视野，彻底打破了我之前对于“什么是标准爵士”的刻板印象。它让我意识到，爵士乐本身就是一种不断在流动和吸收的开放系统。阅读这些章节时，我甚至会忍不住停下来，上网去搜索那些被提及但名字略显陌生的乐手和专辑，就像被领进了一个巨大的宝藏图书馆，发现自己之前只翻阅了冰山一角。这本书不仅仅是关于“听什么”，更是关于“如何用开放的心态去接纳一切伟大的声音”。