声乐教学法/高等音乐教育新视野丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨立岗 等 著

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• 声乐教学
• 高等音乐教育
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• 教学方法
• 音乐教学
• 艺术教育
• 师范教育
• 音乐专业
• 高等教育

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807511045

版次：1

商品编码：11523579

包装：平装

丛书名： 高等音乐教育新视野丛书

开本：18开

出版时间：2007-08-01

用纸：胶版纸

页数：342

正文语种：中文

内容简介

　　《声乐教学法/高等音乐教育新视野丛书》针对我国声乐教学存在的问题和急需改革的现状，通过十个章节的论述，揭示声乐教学的特点和规律，明确各级各类音乐院校的声乐教学任务、目的及具体实施方法，力图使我国的声乐教学从重技能、轻理论的自由式发展，转变为有章可循，有理可依，在理论的指导下进行实践的规划式发展。《声乐教学法/高等音乐教育新视野丛书》从章节结构到内容，涉及的是目前声乐教学中急需解决的问题。
　　《声乐教学法/高等音乐教育新视野丛书》的主要特色：1.对各级各类声乐教学的特点和规律，在多年实践研究的基础上，做了系统的理论总结。2.逐层次地揭示了声乐教学过程中的具体细节和步骤。3.对传统授课方式进行了优化改造。4.从学科边缘和交叉关系中，从不同学科的角度强化、提高了对声乐教学的认识。5.科学系统的理论阐述，有助于科学安排教学计划。6.教学方式方法的科学总结，有助于提高学生进入社会后的实际应用。

作者简介

　　杨立岗，教授、1953年生，笔名杨子中共党员，1982年2月毕业于哈尔滨师范大学音乐系声乐专业，现任中北大学体育与艺术学院副院长，中国音乐家协会会员，山西省音乐家协会理事，音乐教育委员会副主任。，主教：声乐、正音学两门课程。历任山西大学音乐系副主任、山西大学艺术中心主任等职。发表了《论歌唱的鼻口腰腹式呼吸法》、《论歌唱的支点问题》、《论音乐教育在素质教育中的重要作用》、《如何处理歌唱中“字”与声”的辩证关系》等论文20余篇，《正音学》专著一部。创作发表了，中北大学校歌、《再铸辉煌》、《拥抱二十一世纪》、《祖国圆舞曲》等歌曲、散文、诗歌三十余篇（首）。培养出美声、民族、通俗三种唱法的男高音、男中音、女高音、女中音等声部的学生。宋立中、晋江、阎文魁、李养谨、韩如，李平等25人次在全国声乐比赛中获奖；马娱、何永红、姚振华、张华、常芳、冯晓玲、尚广平、胡晓瑞、张锐，汪浩、冯雪、赵丽君、王裴、籍荣、陈瑞等100多人次在省部级声乐比赛中获奖。本人先后获全国青年歌手电视大奖赛“伯乐奖”，山西省优秀教学成果二等奖，三等奖，山西省艺术教育先进个人等称号。

目录

第一章 绪论
第一节 声乐教学法概述
第二节 声乐教学法的起源和发展

第二章 声乐教学的理论与原则
第一节 声乐教学理论
第二节 声乐教学原则

第三章 声乐教学的内容
第一节 声乐教学计划
第二节 声乐教学大纲
第三节 声乐教材

第四章 声乐教学的组织形式
第一节 声乐大课
第二节 声乐小组课
第三节 声乐个别课
第四节 艺术实践、实习课

第五章 声乐教学过程
第一节 声乐教学过程的本质与特点
第二节 声乐课堂教学
第三节 课时安排
第四节 指导教学实践
第五节 声乐教学课外活动的培养形式与辅导
第六节 指导教师的工作
第七节 毕业论文的写作与指导

第六章 声乐教学的评价
第一节 评价的形式
第二节 评价的办法
第三节 评价的标准
第四节 评价的目的

第七章 声乐教学应把握的环节
第一节 歌唱的生命源于呼吸
第二节 美好的声音得益于三个共鸣腔体的联合振动
第三节 如何处理字与声的辩证关系
第四节 把握歌唱语言与旋律的关系
第五节 把握歌唱语言的艺术风格
第六节 声乐作品的形象塑造

第八章 声乐教学应注意的问题
第一节 声音观念问题
第二节 声部和唱法的界定问题
第三节 音准问题
第四节 吐字、归韵问题
第五节 曲目的选择
第六节 如何解决高喉器问题
第七节 如何解决音色问题
第八节 如何解决音域问题

第九章 声乐教学应开设的必修课
第一节 人文课
第二节 正音课
第三节 形体课

第十章 声乐教学与相关学科的关系
第一节 声乐教学与教育学的关系
第二节 声乐教学与文学的关系
第三节 声乐教学与心理学的关系
第四节 声乐教学与美学的关系
参考文献
后记

前言/序言

歌剧艺术的精髓与实践：一部深入的舞台透视 图书名称： 歌剧艺术：从文本到舞台的蜕变 作者： [此处可虚构一位资深歌剧导演或学者姓名，例如：马可·瓦莱里奥] 出版社： [此处可虚构一家权威音乐或戏剧出版社名称，例如：米兰音乐学院出版社] --- 内容提要： 本书旨在为歌剧研究者、舞台实践者以及所有热爱这门综合性艺术的观众，提供一套系统而深入的“歌剧生产”蓝图。它不拘泥于某一特定历史时期或流派的浅尝辄止，而是聚焦于歌剧从最初的文学构思、作曲家谱曲，直至最终在舞台上呈现给观众的完整生命周期。本书的核心在于剖析“跨媒介转换”的复杂性——如何将静默的文本转化为流动的音乐戏剧，以及导演、指挥、歌唱家、舞美设计者之间如何实现富有张力的协作。 深度章节解析： 第一部分：文本的基因与音乐的诞生（The Genesis of Libretto and Score） 1. 剧本的文学性与戏剧张力： 本章深入探讨歌剧剧本（Libretto）作为独立文学体裁的地位。它分析了从神话、历史事件到当代小说的文本如何被提炼、重构，以适应音乐化的表达需求。重点讨论了“唱词”（Versification）的技巧——韵律、词汇选择对旋律线条和情绪渲染的决定性影响。我们将考察梅塔斯塔西奥、波伊托等重要词作家如何处理角色弧光和戏剧冲突的密度，并对比意大利语、德语、法语剧本在结构上的内在差异。 2. 作曲家与声乐的对话： 此部分将音乐创作置于戏剧服务的核心位置。探讨了音乐语言如何定义角色的心理深度。从巴洛克时期的宣叙调（Recitative）到浪漫主义的通谱咏叹调（Through-composed Aria），再到20世纪的自由曲式，分析作曲家如何运用和声色彩、节奏动机和对位法来描绘人物的内心挣扎、情感爆发或哲学沉思。特别是对威尔第的“场景结构”与瓦格纳的“主导动机”体系进行了细致的比较分析，阐明它们如何构建起不可分割的音乐叙事。 3. 声乐技巧的戏剧功能： 不同于单纯的声乐技巧训练，本章侧重于声乐表现的“语境化”。探讨了美声唱法（Bel Canto）如何在莫扎特和多尼采蒂的作品中承担描绘纯净情感的功能，以及如何通过声音的力度变化（Messa di Voce）和色彩控制来区分角色内在与外在的冲突。我们还将讨论如何处理现代歌剧对音域和技巧提出的挑战，确保技术服务于戏剧的真实性。 第二部分：舞台的解构与重构（Deconstructing and Rebuilding the Stage） 4. 导演的诠释学视角： 歌剧导演是文本与观众之间的桥梁。本章详述了导演工作流程的起始点：对原作的“问题意识”的建立。我们将探讨导演出自不同流派的思想脉络，如“传统再现式”、“概念化重构式”以及“历史批判式”导演风格。通过对经典剧目（如《卡门》、《弄臣》）不同版本导示的案例分析，揭示导演如何通过空间调度、演员调度和对服装、灯光的选择，将抽象的音乐转化为具象的戏剧行动。 5. 舞台美术的交响作用： 舞美设计不再是背景的装饰，而是叙事的一部分。本章探讨了场景设计（Scenography）、服装设计和灯光设计如何共同创造出统一的“舞台世界”。分析了从19世纪传统布景到20世纪革命性的“多功能舞台”理念的转变。灯光如何被用来模拟时间、天气或角色的心理状态，以及服装如何瞬间传达角色的社会地位和精神面貌。 6. 指挥的音乐戏剧领导力： 指挥是歌剧的“第二导演”。本章关注指挥家在排练过程中如何平衡音乐的严谨性与戏剧的流动性。探讨了指挥如何通过对速度、重音和管弦乐织体清晰度的控制，来引导歌唱家和管弦乐队实现统一的情感表达。特别关注了对歌剧“呼吸点”和“结构性高潮”的把握，确保音乐的能量流向服务于舞台动作的逻辑。 第三部分：实践中的张力与融合（Tension and Synthesis in Practice） 7. 演员的身体语言与舞台空间： 歌剧演员必须是歌唱家和演员的统一体。本章侧重于“舞台动作”（Stage Movement）的训练和应用。讨论了如何在美声发声的限制下，实现有效的非语言交流，例如如何利用步态、姿态和面部表情来弥补由于演唱要求而可能受限的动作幅度。分析了如何通过空间布局（高低差、距离感）来表达权力关系和情感疏离。 8. 跨文化语境下的歌剧改编： 随着歌剧在全球范围内的普及，对作品的“在地化”（Localization）成为重要议题。本章探讨了将传统歌剧置于非传统背景（如将巴洛克歌剧置于现代都市背景）时所面临的机遇与挑战。关注如何在新语境中保持原作的音乐结构和戏剧核心，同时避免产生荒谬感或文化挪用。 9. 观众的参与与经验重塑： 歌剧的完成依赖于观众的接受。本书最后部分探讨了如何通过字幕技术、导赏节目以及创新的剧院空间设计，来增强当代观众对复杂歌剧文本的理解和情感投入。强调了歌剧作为一种活态艺术，其社会功能和持续的当代意义。 目标读者： 音乐学院声乐、歌剧表演、音乐学专业的学生与教师。 职业歌剧导演、舞台设计师、指挥家及排练指导人员。 资深歌剧爱好者和艺术评论家，希望从幕后视角深入理解歌剧的创作和制作流程。 --- 本书特色： 本书以其严谨的学术态度和丰富的舞台案例分析，超越了传统声乐教学法侧重于个体技巧的局限，将视野拓展至整个歌剧生态系统。它将理论的深度、历史的广度与舞台的实践紧密结合，为读者提供了一幅理解和驾驭复杂歌剧艺术的全面导航图。全书配有大量历史文献插图、乐谱片段分析和导演笔记节选，力求使理论与实践的融合更为直观和深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书我简直是爱不释手！作为一名声乐初学者，我一直对如何找到最有效的学习方法感到困惑。市面上的声乐教材琳琅满目，但很多都过于理论化，或者只侧重于技巧训练，缺乏系统性的指导。而这本《声乐教学法》则完全不同，它就像一位经验丰富的导师，循序渐进地为我揭示了声乐学习的奥秘。 我最喜欢它的一点是，它非常注重基础的建立。书中详细讲解了正确的呼吸方法、发声原理以及如何运用身体的共鸣腔体。这些内容看似简单，但如果基础不牢固，后续的学习就会举步维艰。作者通过大量的图示和生动的比喻，将复杂的声乐理论变得易于理解。例如，关于气息的训练，书中提供了多种实用的练习方法，并强调了气息的稳定性和支撑性对声音质量的重要性。我尝试了几种方法后，惊喜地发现自己的声音更加稳定，音域也有所拓展。 更让我惊喜的是，这本书并没有止步于基础技巧的讲解。它还深入探讨了不同声部的特点、音色塑造以及情感的表达。这一点对于想要全面提升演唱能力的学习者来说至关重要。书中对于如何处理乐句、如何运用声音的色彩来表达歌曲的情感，有着独到的见解。我特别喜欢其中关于“声音的表情”那一章节，它让我意识到，声乐不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的传递。通过作者的引导，我开始尝试将自己的情感融入到歌声中，这让我的演唱变得更加动人。 此外，这本书还为我提供了很多关于声乐学习的“思维方式”。它鼓励我们要有耐心，要善于倾听自己的声音，并学会与自己的身体进行对话。它也强调了学习过程中自我反思的重要性，以及如何从错误中汲取经验。书中提供的练习曲目也很有针对性，涵盖了不同的风格和难度，让我能够循序渐进地进行练习，逐步提升自己的能力。总而言之，这本书就像一本声乐学习的“全攻略”，让我看到了学习声乐的希望和方向，也让我对未来的学习充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我之前一直在寻找一本能够帮助我提升音乐教育理念的书籍，希望能从中获得一些创新的教学思路。偶然间翻阅到这本《高等音乐教育新视野丛书》中的一本，真是相见恨晚！这本书给我带来的启发，远远超出了我对“教学法”的认知范畴，它更像是一次对音乐教育本质的深度挖掘和对未来发展方向的战略性展望。 书中提出的“以学生为中心”的教学理念，让我深受触动。作者并非流于表面地强调这一点，而是从课程设计、教学评估、师生互动等多个维度，提供了切实可行的操作方法。他鼓励教师要成为学生音乐旅程的引导者，而不是知识的灌输者，要善于发现和培养学生的独特才能。这一点对我来说尤为重要，因为我一直认为，教育的最终目的应该是帮助学生成为更好的自己，而不是复制出模式化的“产品”。 此外，书中关于“跨界融合”的讨论，也让我大开眼界。作者提出，在信息爆炸的时代，音乐教育不应孤立存在，而应积极与科技、艺术、人文等领域进行融合，从而拓宽学生的视野，激发他们的创造力。比如，书中提到的如何利用数字技术进行音乐创作和表演，如何将音乐与戏剧、舞蹈等艺术形式结合，都为我提供了许多宝贵的灵感。我开始思考，如何将这些理念融入到我现有的教学实践中，为学生们带来更丰富、更具挑战性的学习体验。 这本书还深入探讨了“终身学习”在高等音乐教育中的重要性。它强调，音乐教育不应止步于大学阶段，而应引导学生建立持续学习的习惯，不断适应音乐行业的变革。作者提出的“音乐素养的多元化培养”也让我印象深刻，他认为，未来的音乐人才需要具备的不仅仅是演奏或演唱的技巧，更应具备良好的沟通能力、协作能力以及对社会问题的敏感度。读完这本书，我感觉自己对音乐教育的理解得到了极大的升华，也更加明确了未来努力的方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书，简直就是给我这个刚踏入音乐教育领域的新手量身定做的！我一直觉得自己像个无头苍蝇，对如何有效地上好声乐课感到迷茫。市面上关于声乐的书籍很多，但很多都太理论化，读起来枯燥乏味，更别提将知识应用到实际教学中了。而这本《声乐教学法》则完全不同，它就像一本充满智慧的“操作手册”，手把手地教我如何成为一名优秀的声乐老师。 最让我惊喜的是，书中提供的教学案例都非常贴合实际，而且针对性很强。作者根据不同年龄段、不同学习基础的学生，设计了详细的教学计划和练习方法。例如，针对零基础的学生，书中提供了如何引导他们建立正确歌唱姿势和呼吸习惯的步骤；而对于有一定基础的学生，则讲解了如何循序渐进地拓展音域、提升音色。这些案例都非常具体，让我可以借鉴和模仿，大大降低了我的教学门槛。 此外，这本书还非常注重“互动式教学”的理念。作者强调，声乐教学不应该是老师单方面的讲授，而应该是师生之间、学生之间充满互动和交流的过程。书中提供了许多关于如何设计课堂活动、如何引导学生进行小组讨论、以及如何激发学生学习兴趣的方法。我尝试了其中一些关于“歌唱游戏”的建议，发现学生们参与度大大提高，课堂气氛也变得更加活跃。 更让我感动的是，这本书不仅仅关注教学技巧，更关注“教师的成长”。作者在书中分享了他作为一名声乐教师的经验和心得，包括如何处理教学中的难题，如何保持教学热情，以及如何与学生建立良好的师生关系。这些内容让我觉得非常亲切和真实，仿佛听到了一个前辈在与我分享他的宝贵财富。读完这本书，我感觉自己不再那么焦虑和无助，而是充满了信心和动力，准备将所学到的知识运用到我的声乐教学中，为我的学生们带来更优质的学习体验。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我的脑海里像是被注入了一股新鲜的空气，对高等音乐教育的理解被彻底颠覆了。我一直认为，音乐教育的核心在于技巧的传授和理论的讲解，但这本书却以一种更宏大、更前瞻的视角，展现了高等音乐教育的无限可能性。它不仅仅是一本关于声乐教学的书，更是一部关于如何培养未来音乐人才的“思想指南”。 书中最让我印象深刻的是它对“创新”的强调。作者不遗余力地倡导要打破传统的教学模式，鼓励教师和学生大胆尝试新的教学方法和音乐创作形式。他提出，在当今快速发展的时代，音乐教育必须跟上时代的步伐，将科技、跨学科的融合融入到教学中。我曾一度认为，声乐教学就是反复练习发声和演唱，但这本书让我明白，高等音乐教育的意义远不止于此。它应该培养学生的批判性思维、解决问题的能力以及与时俱进的学习能力。 书中还详细阐述了“人本主义”在音乐教育中的重要性。它强调要关注学生的个体差异，尊重他们的学习节奏和兴趣，并为他们提供个性化的指导。作者认为，真正的音乐教育应该激发学生的内在潜力，培养他们对音乐的热爱和创造力，而不是将他们塑造成千篇一律的“标准音乐人”。这种理念让我深受启发，也让我开始重新审视自己在音乐学习中的定位。我不再只追求技艺的精湛，更开始思考如何发掘自己独特的音乐潜能。 此外，这本书还对高等音乐教育的未来发展趋势进行了深刻的预测，比如数字化教学、在线音乐教育、以及音乐在社会服务中的作用等等。这些观点都非常新颖且具有前瞻性，为我们思考未来的音乐教育指明了方向。它让我意识到，音乐教育不仅仅是课堂上的事情，它更应该延伸到更广阔的社会领域，发挥其独特的价值。读完这本书，我感觉自己仿佛打开了一扇通往新世界的大门，对高等音乐教育的未来充满了无限的憧憬和思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是一场音乐理论的盛宴！我一直对声乐的发声原理和演唱技巧有着浓厚的兴趣，但市面上的书籍要么过于艰涩难懂，要么内容陈旧，无法满足我对最新研究成果的渴望。而这本《声乐教学法》则彻底满足了我的需求。它以严谨的科学态度，深入浅出地剖析了声乐的每一个环节，让我对自己的歌唱有了全新的认识。 首先，书中关于声带运动、共鸣腔体协调以及气息控制的讲解，让我受益匪浅。作者不仅提供了大量的理论依据，还结合了最新的声学研究和生理学知识，将复杂的发声机制解释得淋漓尽致。我特别喜欢书中关于“声音的弹性”和“声音的韧性”的探讨，这让我明白，优质的声音不仅仅是天生的，更是通过科学的训练才能获得的。我尝试了书中提供的一些针对性的练习，惊喜地发现自己的声音更加灵活、稳定，而且在高音区也更加游刃有余。 其次，这本书在对不同声乐风格和演唱技巧的分析上也做得非常出色。无论是古典美声、民谣还是流行演唱，书中都提供了深入的见解和实用的建议。我尤其欣赏其中关于“歌唱的呼吸支持”和“音色的塑造”的章节，它让我明白，不同的音乐风格需要不同的发声方式和情感表达。通过作者的指导，我学会了如何根据不同的歌曲需求来调整自己的声音，让我的演唱更具表现力和感染力。 更让我惊喜的是，这本书还触及了声乐教育中的一些前沿课题，比如声音的康复、声乐教学中的心理学应用等。这些内容不仅让我对声乐学习有了更全面的认识，也让我对未来声乐教育的发展方向有了更深入的思考。它让我明白，声乐不仅仅是一门艺术，更是一门科学，需要我们不断地去探索和研究。读完这本书，我感觉自己对声乐的理解进入了一个全新的层次，也让我更加坚定地走在声乐学习的道路上。