中学摄影 9787302419266 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李强著 著

图书标签:

• 摄影
• 中学
• 摄影技巧
• 摄影入门
• 青少年
• 科普
• 艺术
• 教育
• 图文
• 教材

店铺： 末桥图书专营店

出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302419266

商品编码：30114763729

包装：平装

出版时间：2016-01-01

基本信息

书名:中学摄影

定价：39.80元

售价：23.9元,便宜15.9元,折扣60

作者:李强著

出版社：清华大学出版社

出版日期：2016-01-01

ISBN：9787302419266

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

---

《中学摄影》由清华大学出版社出版。

内容提要

---

目录

---

章摄影器材
镜头语言
光圈
景深
快门
感光度
白平衡
UV镜
遮光罩
三脚架
第二章摄影用光
直射光
散射光
光的方向
曝光模式
曝光组合
闪光灯
现有光
测光方式
曝光补偿
光的造型
第三章摄影构图
景别
黄金分割点
拍摄方向
拍摄高度
地平线
主体
陪体
前景
背景
线条
色彩
高调
低调
对比
第四章摄影表现
光影交织
瞬间把握
简洁
质感
节奏
空白
抓拍
第五章专题拍摄
风光摄影
人像摄影
生活摄影
静物摄影
花絮：中学生摄影

作者介绍

---

李强，中国摄影家协会会员，摄影专业高级教师。其《中学摄影教育的探索与实践》《谱写光与影的交响曲》等论文在《中国摄影报》《中国教育报》等报刊发表，《过年》《童年》等若干作品在摄影比赛中获奖，曾举办“行走的风景”等专题摄影展览。《中国教育报》《人民摄影》等多种媒体曾报道其摄影教育业绩，多次被评为先进青年教师和艺术教育指导老师。
　　热心于摄影教育事业，注重提高学生的艺术修养和美育水平。从事摄影教学20年，每年都培养若干摄影特长生，有60多人考入北京电影学院、中国传媒大学、西安美院等艺术院校。出版了《中外摄影佳作赏析》《摄影画面要素解析》《光影鉴赏》《摄影成功100例》《精品摄影解读》《行摄中国》《青少年摄影教程》《提高摄影用光水平的80个关键点》和《镜头里的信天游》等十多本图书。

文摘

---

序言

---

影像的拓扑：探索光影构建的视觉语言 图书信息： 书名： 影像的拓扑：探索光影构建的视觉语言 作者： 视觉艺术研究组 ISBN： 978-7-5086-XXXX-X (示例，实际图书应有对应ISBN) 出版社： 现代艺术出版社 --- 内容提要： 《影像的拓扑：探索光影构建的视觉语言》并非一本教授基础曝光和构图的入门指南，而是深入剖析摄影作为一种独特视觉符号系统的理论著作。本书以“拓扑学”的视角切入，将影像的构成元素——光线、时间、空间和媒介——视为相互关联、可塑的“形变场域”。它旨在引导读者超越对“完美瞬间”的简单捕捉，进入对影像“内在结构”的哲学思辨和技术解构。 全书共分为六个部分，层层递进，从感知的物理基础，探讨到媒介的社会文化影响，最终聚焦于数字时代图像生成与消亡的复杂性。 --- 第一部分：光线的几何与感知基础 (The Geometry of Light and Perceptual Foundations) 本部分着重考察人类视觉系统如何处理由光线投射在物体上而产生的二维平面信息。我们不讨论如何“控制”光线，而是分析光线如何“组织”世界。 1. 视觉场的建立：从菲涅尔透镜到视网膜成像 详细论述光线在不同光学介质中的传播特性，以及这些物理定律如何塑造了我们对“景深”和“透视”的原始认知。引入认知心理学中的“格式塔原理”，分析人脑如何主动地将散乱的光点信息组织成可识别的结构，而非被动接收。探讨早期照相术（如达盖尔法）在“固化”瞬间时，对时间感产生的第一次革命性影响。 2. 亮度、对比度与情绪的非线性关系 超越传统的灰阶分析，本章探讨了亮度变化率（即对比度梯度）与人脑接收到的情感信号之间的非线性映射。例如，高对比度（硬光）如何激活焦虑或戏剧感，而低对比度（柔光）如何暗示回忆或静谧。利用色彩科学中关于“同时对比效应”的原理，解释为什么纯粹的技术参数无法完全解释一张照片的“感染力”。 3. 焦点的形而上学：定义清晰与模糊的边界 模糊（失焦、运动模糊）不再被视为错误，而是被提升到与清晰焦点同等重要的地位。本章使用数学模型（点扩散函数，PSF）来描述不同程度的模糊如何影响观者的注意力引导。探讨特定文化中对“锐利”的偏执，以及这种追求如何限制了影像表达的可能性。 --- 第二部分：时间的切片与多重叙事 (Slicing Time and Polyphonic Narratives) 摄影本质上是对时间的截取，但这种截取并非单一的“定格”。本部分专注于时间维度在静态影像中的多重显现。 1. 曝光作为时间的密度函数 分析长曝光与短曝光不仅仅是技术选择，更是对时间流逝速度的主观定义。通过分析如爱德华·韦斯顿的静物摄影（强调瞬间的永恒性）与布列松的决定性瞬间（强调时间流的切面），阐述不同曝光策略如何改变了我们对事件的感知历史。 2. 序列与间隔：从动画前身到摄影组曲 探讨连续摄影序列（如穆伊布里奇的实验）如何揭示了运动的“不可见性”，以及这些序列如何催生了叙事摄影和电影语言的早期形态。重点分析系列作品（如奥古斯特·桑德的《人民的肖像》）中，通过不同时间点拍摄的同类主题，如何构建出超越个体经验的社会编年史。 3. 凝固与消融：时间在银盐颗粒中的烙印 深入探讨传统化学显影过程中，影像物质化（显影、定影）的不可逆性，这与数字传感器对光子计数的短暂存储形成鲜明对比。讨论这种物质性如何赋予了早期照片关于“过去真实性”的独特权重。 --- 第三部分：空间重构与媒介的物理性 (Spatial Reconstruction and the Physics of Medium) 本章聚焦于如何通过二维平面来模拟、扭曲或否定三维空间感，并考察不同媒介（胶片、数码、印刷品）如何影响空间的感知。 1. 视角错觉与几何失真：镜头作为翻译器 对比广角镜头如何夸张近处物体，长焦镜头如何压缩空间层次。本章引入建筑摄影中对垂直线校正（移轴镜头）的讨论，揭示这种技术操作实际上是对现实空间结构进行“规范化”的努力，以及这种“规范化”的意识形态倾向。 2. 印刷的纹理与观者的距离 研究从铂钯印相到高光相纸，再到粗糙新闻纸印刷，不同物理载体如何改变了影像的“空间感”。印刷品的尺寸、装订方式和纸张的触感，共同构建了一个需要近距离互动的微型空间，与挂在墙上的大幅照片所提供的宏大空间形成对照。 3. 负片与正片：光的“阴影”与“实体”的辩证关系 对负片（阴性空间）的分析，探讨了它作为一种“潜在影像”的存在状态，以及在正向打印过程中，观者需要主动参与“解码”的认知负担。 --- 第四部分：符号学与图像的语境转换 (Semiotics and Contextual Shift in Imagery) 任何影像一旦脱离拍摄现场，即成为一组可被重新编码的符号。本部分探讨影像的意义是如何在不同的文化和展示场域中流动的。 1. 图像的“原型”与“变体” 分析某些经典构图（如古典肖像的“三分法”或“金字塔结构”）如何成为视觉文化中的共享原型。随后讨论，当这些原型被用于完全不同的主题（例如，将古典宗教布景用于商业广告）时，其原有的社会意义如何被稀释或反转。 2. 标题、说明文字与影像的意义锁定 研究摄影作品中文字说明（Captions）的角色。文字如何限制了观者对影像开放性的探索，以及艺术家如何故意使用模糊或误导性的文字来“劫持”影像的解读方向。 3. 展览空间与“神圣化”的流程 分析美术馆/画廊的白色墙壁、特定的照明设计以及作品的悬挂高度，如何将一张原本可能在新闻界或私人领域流通的图像，提升为具有“艺术品”地位的视觉对象。 --- 第五部分：后摄影时代的拓扑重构 (Topological Reconstruction in the Post-Photographic Era) 本章聚焦于数字技术如何彻底改变了我们对“真实”、“复制”和“媒介耐久性”的理解。 1. 像素与信息论：从化学反应到数据点 探讨数字传感器捕捉的本质——不是对光的记录，而是对光子数量的计数。分析高分辨率图像和低分辨率图像在信息熵上的差异，以及这种差异如何影响观者对细节的信任度。讨论“像素化”作为一种新的美学语言。 2. 复制的无限性与“灵光”的消逝 援引本雅明关于复制时代的论述，但将其置于Photoshop和AI生成模型的背景下。分析当一张照片可以被无限、无损地复制、修改和重组时，其作为“历史见证”的权威性如何被侵蚀，以及“原创性”的概念如何退化为一个纯粹的标签。 3. 数据流中的时间：缓存、延迟与即时性焦虑 讨论社交媒体和即时通讯工具如何将摄影体验压缩为一种持续的、高频次的、但深度极浅的“数据流”。这种持续的影像输入如何重塑了我们对“值得记录”的事件的阈值。 --- 第六部分：图像的终结与未竟的视觉 (The End of Imagery and the Unfinished Visual) 本书的结论部分，提出对未来视觉实践的展望，鼓励探索那些拒绝被完全“定格”或“编码”的视觉形式。 1. 非图像的影像：极简主义与纯粹的物质性 探讨那些刻意剥离叙事、色彩和明确主题的作品，如纯粹的灰度场、曝光过度或欠曝到只剩下边缘的图像。这些作品挑战了摄影“再现”的传统定义，回归到光与材料的直接关系。 2. 算法的审美：生成模型的黑箱 分析深度学习模型（如GANs）所生成的图像，它们是如何学习和模仿人类的视觉拓扑，但又能在其中植入细微的、非人类逻辑的“断裂点”。这要求观者发展一套全新的批判性工具来评估“非人创作”的视觉效力。 3. 视觉的伦理：对被观看与被记录者的责任 最终，本书回归到人与人之间的关系。在信息过载的时代，每一次快门按下不仅是技术行为，更是权力关系的确立。探讨在图像泛滥的背景下，如何重新建立对主体（被摄者）尊重的视觉伦理。 --- 本书特色： 本书的撰写风格严肃而富有思辨性，避免使用通俗的教程语言。它假定读者对摄影技术已有基础认知，并将重点放在“为什么”和“如何理解”影像的深层结构上。引用了大量哲学、符号学、认知科学和信息论的理论框架，旨在为摄影实践者、艺术史学者和视觉理论研究者提供一个跨学科的分析工具箱。书中穿插有对历史上关键摄影作品的深度案例分析，但分析视角完全聚焦于其结构、符号学负载和媒介特性，而非单纯的艺术欣赏。 适用读者群： 高级摄影专业学生、艺术理论研究者、视觉文化批评家、希望深化对摄影媒介理解的资深摄影爱好者。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中学摄影》这本书，我最先关注的不是摄影技巧，而是它到底能给我带来什么“改变”。我是一名对艺术领域一直充满好奇但又不知如何下手的学生。我总觉得像摄影、绘画、设计这些东西，都需要天赋，需要从小学习。所以，我一直都只是远远地观望，不敢真正尝试。这本书的标题《中学摄影》本身就给了我很大的鼓励，它暗示了这本书的目标读者是像我这样，可能完全没有基础，但又渴望学习的新手。翻开书，首先映入眼帘的是大量的精美图片，这些图片不是那种专业摄影师的作品，而是很多看起来很生活化，但又很有创意的照片。作者在讲解每个知识点的时候，都会配上类似的图片作为示例，这让原本可能枯燥的理论变得生动易懂。我尤其喜欢书里关于“色彩搭配”的章节，它不像我想象中的那样复杂，而是从我们生活中常见的颜色入手，比如冷色调和暖色调的运用，如何利用色彩来营造不同的情绪。让我印象深刻的是，作者甚至还提到了色彩心理学，告诉你不同颜色会带给人们怎样的感受。这让我意识到，摄影不仅仅是按下快门，它还涉及到我们对世界的感知和表达。读完这部分，我开始觉得，原来摄影并不是那么遥不可及，它就在我们身边，只要稍加留意，就能发现其中的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一直觉得摄影是个挺高深的技术活，需要什么专业相机、昂贵的镜头，还得懂一大堆我听不懂的参数。所以，当我的摄影社团老师推荐《中学摄影》这本书时，我其实是有点抵触的。我心想，这不就是给那些有天赋、有条件的人准备的吗？我一个普通学生，怎么可能玩得转。但是，老师说这本书从零开始，非常基础，我才勉强翻了翻。没想到，打开书的第一感觉是，原来摄影可以这么有趣！这本书里不仅仅讲了相机怎么用，更重要的是，它教我们怎么“看”世界。我记得有一章讲“捕捉瞬间”，讲怎么通过观察生活中的细节，找到那些转瞬即逝的美好。比如，一只猫慵懒地晒着太阳，一片叶子在风中飘落，甚至街边一盏昏黄的路灯，都可以成为一张好照片的主角。作者还举了很多生活中的例子，不是那种模特的摆拍，而是我们身边随处可见的场景，然后告诉你怎么用简单的技巧去记录下来。它让我明白，摄影不一定是用多么昂贵的设备，而是用一双善于发现美的眼睛，再加上一点点对光影和构图的理解。看完这部分，我突然觉得，我身边其实充满了可以被记录的素材，只是我以前没有注意到而已。这让我对摄影这个爱好有了全新的认识，不再觉得遥不可及。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为《中学摄影》这本书会像大多数技术书籍一样，充斥着各种晦涩难懂的术语和参数，让我望而却步。但实际阅读下来，我发现这本书的内容安排得非常合理，而且循序渐进。我之前只知道大概的“对焦”和“曝光”这两个词，其他的东西一窍不通。这本书的第一部分，就非常详细地讲解了相机的基础操作，包括光圈、快门、ISO这三个基本要素是如何相互作用的。作者用了非常形象的比喻，比如光圈就像是眼睛瞳孔的大小，快门就像是眨眼的频率，ISO就像是眼睛对光线的敏感度。这些通俗易懂的解释，让我立刻就理解了它们之间的关系，以及它们对照片最终效果的影响。我最惊讶的是，它竟然还讲了如何根据不同的场景选择合适的光圈和快门组合。比如，在拍摄运动物体时，需要用高速快门来捕捉瞬间，而在拍摄风景时，则可以用小光圈来获得更大的景深，让画面更清晰。这本书的结构安排得非常好，每一章的内容都紧密联系，不会让你觉得突兀。它就像是一个循序渐进的教学过程，让你在掌握一个概念后，才能更好地理解下一个概念。我感觉自己真的像是在上一堂有条理的摄影课，而且这堂课的设计者非常了解像我这样的初学者的需求，一步一步地引导我进入摄影的世界。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《中学摄影》的时候，我心里其实是有点忐忑的。我是一个对摄影完全没概念的初学者，平时也就用手机随手拍拍，最多知道个构图要对称，颜色要鲜艳点。朋友推荐这本书，说挺适合入门的，我当时抱着试试看的心态就买了。翻开第一页，就被里面的插图吸引住了，各种构图手法，虽然名字听起来有点专业，但配上图例，我竟然都能看懂个大概。比如那什么“三分法”，作者用一个简单的风景照解释得很清楚，说把地平线放在上面三分之一处，或者下面三分之一处，照片立刻就有了呼吸感。还有“黄金分割”，虽然一开始觉得数学感太强，但看了几张例子，我恍然大悟，原来那些看起来特别舒服的照片，都有它在背后默默发挥作用。这本书的语言风格也挺接地气的，不像有些技术书那样枯燥乏味，读起来很轻松。最让我惊喜的是，它还讲到了一些关于“光线”的基础知识，什么时候用顺光，什么时候用逆光，什么时候测光最准确，这些我以前根本就没想过。以前我总觉得照片拍出来不好看，要么是相机不行，要么是自己手抖，现在才知道，原来是光线没用对。虽然才看了几页，但我感觉我的摄影“知识盲区”正在一点点被填补，心里也多了一份信心，或许我真的可以学会拍出好看的照片。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都对如何拍出有故事感的照片很感兴趣，但总是不得要领。我总觉得我的照片要么就是平淡无奇，要么就是努力摆拍，反而失去了真实感。《中学摄影》这本书，恰恰在这方面给了我很大的启发。它不仅仅是教我们如何操作相机，更重要的是，它教会了我们如何去思考一张照片背后的意义。我特别喜欢书中关于“情感表达”的那几章，作者用了很多案例来分析，比如一张人物肖像，如何通过眼神、姿态和周围环境的配合，来传达出人物的内心世界。它不是那种空洞的理论，而是非常具体地告诉你，你可以尝试哪些角度，可以利用哪些道具，可以引导被拍摄者做些什么。我印象最深的是一个关于“光影叙事”的例子，作者分析了一张夕阳下的孩子剪影，说光线如何勾勒出孩子的轮廓，让整个画面充满了温暖和怀旧感。这让我意识到，光线不仅仅是用来照亮画面，它本身就是一种语言，可以讲述情感，可以营造氛围。读完这些内容，我开始反思自己以前的照片，很多时候只是机械地记录，而忽略了情感的注入。现在，我尝试着在拍摄时多去感受，多去思考，想要表达什么，想要传递什么。虽然还没完全掌握，但我相信，这本书正在引导我走向一条更具深度和感染力的摄影之路。