女装设计表现技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

朱达辉 著，朱达辉 编

图书标签:

• 服装设计
• 女装设计
• 服装表现
• 绘画技法
• 设计手绘
• 时装设计
• 服装插画
• 素描
• 色彩
• 设计教程

店铺： 英敏图书专卖店

出版社： 东华大学出版社

ISBN：9787811116847

商品编码：29984506545

包装：平装

开本：16

出版时间：2010-05-01

内容介绍
&xbsp; &xbsp;“中华杯”guo际服装设计大赛是1项guo际性服装设计赛事，全球范围内征集作品，具有较强的影响力。此类大赛1般偏重于设计的艺术性和创新性，而文化特异性、个性和时尚性也是重要的评判参考因素。设计帅把设计置于1个广泛的范围内进行构想，使作品有更加深远的意义。在过去的十五届比赛中，参赛者来自很多guo家，众多的参赛者参加，不乏有很多*秀的作品呈现。现将这些*秀的作品汇编成书，以便更多的读者学xi与借鉴。 &xbsp; &xbsp; 创意型比赛服装的设计重点侧重于审美和创新，系列为主，单du制作，通过服装充分表现设计师的创意，并运用面料材质、图案、制作手*等来强调服装的表现效果。而这些SHOU先要在效果图中得到充分的表达，所以服装表现技*尤为重要。效果图的好坏是决定参赛作品是否入围的关键。大赛效果图有其特殊的要求，既要充分表现款式的特征与创意特点，又要能TI现设计者设计风格与艺术表现力。*秀的时装效果图具有主题作品的审美和耐人寻味的细节，并烘托出时装创意的氛围和情调。 &xbsp; &xbsp; 此次由我院朱达辉老师编著的系列丛书共四本，分别为《女装设计表现技*》、《男装设计表现技*》、《童装设计表现技》和《内衣设计表现技*》。这套从书正是从众多*秀参赛作品中精选而来，呈现了不同表现手*与表现风格。这种不同使得本丛书丰富多彩，增加了可看性。作者还对每1幅作品作了简洁而精辟的点评、正反面例证分析，zoxg结了1些实用技*与理论，有利于读者的学xi与珲解。

关联推荐

&xbsp; &xbsp;&xbsp; 为了*高服装设计水平，繁荣服装产业经济，近年来产生了各种服装设计大赛，其为设计师*goxg了1个广泛交流、切磋技艺的有利平台。这类比赛不仪可以进行学术的探讨、艺术的欣赏，在推动服装发展的同时又能选拔人才，为促进服装行业繁荣做出了显著的贡献。 这是1本精选了历届参加“中华杯”的全guo*秀女装设计的表现作品。书中呈现了不同*秀设计者的表现方*与技*，是1本表现方*与技*大全集萃。

&xbsp; 暂时没有目录，请见谅！

《东方神话传说与服饰文化探源》 图书简介 一、引言：神话之境，服饰之源 本书旨在深入挖掘东方传统神话传说中蕴含的服饰文化符号、审美意趣与精神内核。我们相信，人类最早的服饰观念与形象塑造，往往根植于对天地自然的敬畏、对超自然力量的想象，以及对理想人格的构建之中。这些早期叙事体系——即神话传说——不仅是文化的基石，更是视觉艺术，特别是服饰设计灵感的永恒宝库。本书将超越简单的图案挪用，着重于解析神话叙事如何影响了古代乃至现当代服装的形制、材质选择、色彩运用以及象征意义的表达。 二、上篇：神话谱系与服饰原型 第一章：创世神话中的物质初现与“原初之衣” 本章追溯从混沌到秩序的创世过程中，最早出现的服饰性或遮蔽性元素的萌芽。探讨盘古开天辟地、女娲补天等关键神话片段中，所暗示的对“自然材料”的原始认知与运用。分析神话中神祇（如龙、凤等图腾生物）的形象特征如何外化为早期部落或部族的服饰纹样基础。特别关注“无衣”状态到“有衣”状态的文化过渡，以及服饰在建立社会等级和区分神人之间的界限中起到的作用。 第二章：山海异兽与图腾服饰的符号学重构 《山海经》是中国神话的百科全书。本章聚焦于其中记载的各类奇珍异兽（如应龙、毕方、九尾狐等）如何被古代先民视为图腾，并转化为服饰上的核心标识。我们不仅仅罗列图案，更深入分析这些图腾在不同部族中的功能性：是防御、是祈福、还是权力宣示？通过对出土文物和古籍插图的比对，重构古代巫师、祭司或部落首领所穿着的，具有强烈宗教或政治意涵的“图腾服饰”的可能形态。 第三章：神职人员的“天人感应”装束解析 古代宗教与祭祀活动是服饰文化的重要试验场。本章着重分析神话中描述的各类神职人物——如祝、巫、方士——其服装的形制特点。探讨“天圆地方”的宇宙观如何在祭服的结构（如冕服、玄端）中得到体现。分析特定颜色（如黄、玄、赤）在祭祀服饰中承载的特定宇宙哲学意义，以及如“玉佩”、“缨络”等配件如何被赋予与神灵沟通的媒介属性。 三、中篇：英雄史诗与服饰的叙事功能 第四章：英雄的征途与“战袍”的变迁 从黄帝战蚩尤到后羿射日，神话史诗充满了冲突与胜利。本章探讨战争场景中，英雄所穿戴的“战袍”的实用性与象征性意义。分析古代青铜器、壁画中展现的早期铠甲形制与神话叙事的关联。重点解析服饰如何在战场上凝聚士气，并塑造出“不朽战神”的视觉形象，例如对特定护身符和神兽护甲的描绘。 第五章：仙凡之恋与霓裳羽衣的缥缈构建 以织女与牛郎、西王母与众仙女等爱情或游历神话为例，本章侧重于描绘“仙界服饰”的审美取向。分析“轻盈”、“飘逸”、“透明”等特质如何被神话文学所固化，并成为后世文人对理想女性形象服饰想象的蓝本。研究“云锦”、“霞帔”等词汇在神话语境下的具体物质形态推测，以及这种想象如何影响了汉唐以来贵族女性服饰的审美趋向。 第六章：鬼神世界的着装法则与禁忌 生死界限是神话的永恒主题。本章探究涉及阴间、冥界的神祇（如阎罗王、孟婆）以及亡魂的服饰特征。分析古代丧葬文化中，服饰如何成为连接生者与死者的媒介。讨论神话中对“不洁”或“禁忌”服饰的描述，以及这些禁忌如何反过来规范了现实社会中特定场合的着装规范。 四、下篇：神话意象在后世服饰中的流变与创新 第七章：古典文学对神话服饰的诗意转译 从屈原的《离骚》到唐诗宋词，文学家们如何借用神话中的服饰元素（如“蕙心兰质”的香草装饰、凤凰的羽衣）来构建人物情感？本章分析古典文学如何将原始、粗犷的神话服饰意象，提炼和升华为更具内省和情感深度的审美符号，并对后世戏曲、小说中的人物造型产生深远影响。 第八章：敦煌壁画与佛教体系下的服饰融合 佛教东传带来的神话体系与本土神话的交织，极大地丰富了服饰的视觉语言。本章以敦煌石窟中的飞天、菩萨形象为核心，解析印度、中亚服饰元素如何与中国本土的飘带、帔帛结合，形成独具特色的“佛国服饰”。探讨这些服饰造型对宋代宫廷服饰和民间宗教服饰的影响路径。 第九章：当代设计对神话母题的现代重塑 本书的总结部分，将目光投向当代。分析现代时装设计师、舞台服装设计师如何从东方神话的母题中汲取灵感。不再是简单的复刻，而是如何理解神话中的结构、材质对比（刚与柔、厚与薄）以及象征意义，并将其转化为符合当代语境的时装语言。探讨“龙袍”元素在现代高级定制中的抽象表达，以及“神女形象”如何在功能性服饰中得以延续。 总结 本书通过对东方数千年神话体系的系统梳理与服饰学角度的交叉分析，试图揭示：服饰并非仅为御寒蔽体，它更是人类精神世界的物质投影。每一个神话故事背后的衣裳，都是一个时代对“美”与“秩序”的最高想象。阅读本书，读者将获得一种全新的视角，去理解传统文化符号的深层结构及其在设计领域的无限潜力。

评分☆☆☆☆☆

我是一名服装设计专业的学生，坦白讲，我们学校的课程内容很多时候过于侧重理论和历史，实操部分的深度总让人觉得不够。参加工作实习前，我急需一本能快速提升我设计稿表现力的工具书。《女装设计表现技法》正好填补了这个空缺。这本书的编排逻辑非常清晰，从基础的人体结构透视开始，逐步深入到服装造型的动态表现。最让我受益匪浅的是关于“动态线稿”的处理。很多时候，即使款式设计得再好，如果表现得像个僵硬的模特人台，也无法打动人。这本书里展示了如何通过富有生命力的姿态和流畅的轮廓线，让服装“活”起来，充满了行走时的韵律感。此外，书中对配饰和细节的刻画也十分到位，比如如何精准地表现蕾丝的通透感、刺绣的立体感，这些都是日常练习中容易被忽略但至关重要的点。读完这本书，感觉自己的设计作品突然拥有了灵魂，不再是单纯的平面图纸，而是有故事的视觉呈现。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这类“技法”类的书籍期望值不高，总觉得它们无非就是些老生常谈的速写技巧和制图规范。但是，这本《女装设计表现技法》彻底颠覆了我的固有印象。它的独到之处在于，它将“艺术表现”与“商业应用”完美地结合在了一起。我惊喜地发现，书中对于如何用不同媒介（如水彩、马克笔、甚至数码绘图软件）来表现特定面料的垂坠感、光泽度和肌理感，有着极为详尽且富有创意的讲解。我记得有几页专门讲解如何通过线条的疏密和笔触的力度来区分真丝的轻盈和皮革的厚重，简直是神来之笔。我立刻尝试了书中的几种技法，效果立竿见影，我过去觉得很难表现出来的“高级感”，现在似乎触手可及了。这本书的价值远超其定价，它不是教你如何“画衣服”，而是教你如何“‘感受’和‘表达’设计”的精髓。强烈推荐给所有希望作品能更具视觉冲击力和专业水准的设计师们。

评分☆☆☆☆☆

这本《女装设计表现技法》简直是为我量身定做的！我一直对服装设计抱有极大的热情，尤其偏爱那些精致、富有创意的女装款式。然而，在将脑海中的灵感转化为实际图稿时，我总是感到力不从心。这本书的出现，就像是为我点亮了一盏指路明灯。它并没有停留在枯燥的理论层面，而是非常直观地展示了各种设计元素的表现手法。无论是面料的褶皱处理，还是色彩的搭配与晕染，书中的案例都清晰明了，让我仿佛能亲手触摸到那些精美的面料。特别是关于立体剪裁和结构设计的讲解，深入浅出，即便是像我这样零基础的入门者，也能很快掌握其中的奥秘。我尤其欣赏作者在细节上的打磨，那些微妙的光影变化、线条的粗细过渡，都极大地提升了设计图的质感。现在，当我拿起笔，脑海中不再是一片空白，而是充满了清晰的步骤和无限的可能。这本书不仅是技法的指导手册，更像是一位耐心的老师，时刻在我身边指点迷津，让我对未来的设计之路充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的纸张质量和印刷色彩还原度让我非常满意，这对于一本关注“表现技法”的书籍来说至关重要。色彩的准确性直接影响到读者对书中示范效果的判断。我对比了好几张书中的彩图，无论是饱和度极高的宝石红，还是低调内敛的莫兰迪色系，都表现得非常到位，没有出现偏色或墨迹模糊的情况。内容方面，我最欣赏的是它对“光感”的深度剖析。服装的表现，本质上就是对光影的捕捉。书中用大量的对比图展示了不同光照角度下，同一件衣服呈现出的截然不同的视觉效果，这对于提升设计稿的立体感和空间感有着决定性的作用。我过去总觉得自己的作品看起来“平”，现在我明白了，那是因为我对光影的理解还停留在皮毛。这本书让我从“描摹”服装，上升到了“塑造”服装的层次。每一次翻阅，都能发现新的细节和新的启发点，它绝对是值得设计师们反复研读的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书的过程中，我最大的感受是“专业且不失温度”。它不像一本冷冰冰的教科书，而更像是一位经验丰富的前辈，手把手地教你如何避开那些常见的“新手陷阱”。例如，在处理复杂结构（如复杂的袖笼或后背系带）时，书中所提供的“分解透视法”简直是救星。它将复杂的部分拆解成易于理解的几何结构，再逐步还原到人体上，让我瞬间明白了为什么我以前画出来的衣服总是“别扭”。而且，这本书没有固守单一的风格，而是兼容并蓄，展示了从极简主义到华丽巴洛克风格的各种表现手法。不同风格的设计图稿，对线条、阴影和高光的处理方式都有微妙的差异，这极大地拓宽了我的表现视野。我之前总是在一种风格里打转，现在我能更自如地根据设计需求，切换到最恰当的视觉语言进行表达。这本书对我来说，是打破舒适圈、迈向更高阶表现力的重要阶梯。