钢琴天天练练(6原版引进) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

钱泥... 编

图书标签:

• 钢琴教材
• 钢琴练习
• 原版引进
• 少儿钢琴
• 钢琴启蒙
• 练琴
• 音乐教育
• 儿童教材
• 钢琴谱
• 基础训练

店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787805537894

商品编码：29892036238

开本：8

出版时间：1999-04-01

基本信息

• 商品名称：钢琴天天练练(6原版引进)
• 作者：(美)E-M·伯纳姆|译者:钱泥
• 定价：25
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787805537894

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1999-04-01
• 印刷时间：2017-11-01
• 版次：1
• 印次：22
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：63

内容提要

许多人上班之前进行体育锻炼。同样，在我们开 始练琴之前也要进行手指练习。
     E-M·伯纳姆著的《钢琴天天练练(6原版引进)》 的目的在于帮助练琴者锻炼手指，使之健实、有力和 灵活。
     开始，先作轻柔的慢练习，熟练后，再逐首增加 ，直到能正确地弹奏十二首为止。
     当学生能熟练而正确地弹奏**组十二首时，再 以同样的方法练习其他各组。
     可将每一组的各种练习在不同的调上进行移调练 习，这对学生是很有裨益的。
    

目录

**组
1.跑上楼跑下楼
2.弹跳
3.双臂伸屈
4.大步走
5.练习拳击
6.深呼吸
7.快速上下梯子
8.双脚跳
9.甩腕肘
10.交叉踢腿
11.俯卧撑
12.精神饱满 准备练习
第二组
1.侧滚翻
2.大劈叉
3.向上踢右腿
4.向上踢左腿
5.拳击
6.双臂两侧绕圈
7.双脚跳
8.单脚跳
9.打高尔夫球
10.撑杆跳
11.深呼吸
12.精神饱满 准备练习
第三组
1.侧滚翻
2.大劈叉
3.青蛙跳
4.玩滚木球
5.打高尔夫球
6.伸展双臂跳跃
7.深呼吸
8.打网球
9.跟着领队人
10.蜘蛛爬行
11.快速上下梯子
12.精神饱满 准备练习
第四组
1.绕圈
2.滑水
3.坐在椅子上快速踢腿
4.像钟摆似地摇动双腿
5.跳双绳
6.原地脚尖跑步
7.用脚尖跳（像小猫）
8.练习敲军鼓
9.快速跑步
10.蜘蛛爬行

经典音乐欣赏与理论入门：《西方音乐史导论》 导言：开启音乐的宏伟殿堂 欢迎来到《西方音乐史导论》的世界。这本书并非面向专业音乐学院学生的深奥学术专著，而是为所有对西方古典音乐抱有好奇心、渴望系统了解其发展脉络的普通读者精心准备的入门指南。我们深知，面对浩如烟海的古典音乐作品和复杂的历史背景，初学者往往感到无从下手。本书的目的，就是搭建一座坚实的桥梁，带领读者从零开始，逐步领略西方音乐自中世纪萌芽到二十世纪繁盛的壮阔画卷。 我们避免了冗长乏味的文献引用和晦涩难懂的音乐学术语，转而采用清晰流畅的叙事风格，力求将历史的演变、风格的更迭、重要人物的贡献，以及社会文化背景对音乐创作的深刻影响，生动地呈现在读者眼前。通过阅读本书，您将不再是孤立地欣赏某一首乐曲或某一处片段，而是能够将其置于一个宏大的历史框架中，理解其“为什么会这样存在”，从而获得更深层次的审美愉悦和智识满足。 本书的核心理念是“体验式学习”——音乐是听觉的艺术，阅读必须辅以聆听。因此，在每一个章节介绍完特定的音乐时期、风格或作曲家之后，我们都会提供一份精心挑选的“推荐聆听曲目清单”，鼓励读者立即去验证书中所述的风格特征。 --- 第一部分：根源与奠基——中世纪与文艺复兴的曙光（约公元500年 - 1600年） 第一章：圣歌的咏叹——中世纪音乐的初步探索 西方音乐的源头可以追溯到早期基督教的礼拜仪式。本章将聚焦于格里高利圣咏，这种以单音旋律为主的无伴奏合唱，如何确立了西方音乐的早期调式系统。我们将探讨修道院在音乐传承中的关键作用，以及口头传统如何逐渐被书面记录下来，特别是纽姆谱（Neumes）的出现，标志着记谱法的诞生，这是音乐史上一次革命性的飞跃。此外，我们也简要介绍世俗音乐（如游吟诗人的歌谣）的初步形态，它们如何为后来的复调音乐埋下伏笔。 第二章：多声部的觉醒——从奥尔加农到经文歌 复调（Polyphony）是西方音乐区别于其他早期音乐形态的关键特征。本章将详细解析奥尔加农（Organum）的早期发展，即如何在主旋律上叠加平行声部。我们将重点介绍巴黎圣母院乐派的两位大师——莱奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们如何将节奏概念系统化，形成了早期有规律的节奏模式。随后，我们将深入探讨经文歌（Motet）的兴起，这种形式如何融合宗教与世俗文本，预示着音乐表达的日益丰富。 第三章：人文主义的辉光——文艺复兴音乐的风格转型 文艺复兴时期，人本主义思潮兴起，对音乐的审美趣味产生了直接影响。本章探讨音乐如何从完全服务于宗教，逐渐转向关注文本清晰度和情感表达。我们将重点解析“模仿对位法”的成熟，这种手法使得声部之间的对话更加流畅自然。约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的贡献将被放在核心位置，他被誉为文艺复兴盛期的“音乐之王”。最后，我们将审视宗教改革与反宗教改革对音乐的影响，尤其是帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过其纯净的复调风格，确立了天主教会音乐的典范。 --- 第二部分：秩序与情感的交织——巴洛克时期（约1600年 - 1750年） 第四章：戏剧性的诞生——歌剧与巴洛克风格的確立 17世纪初，在佛罗伦萨的“新艺术协会”中，音乐家们渴望复兴古希腊戏剧的综合艺术形式，催生了歌剧（Opera）的诞生。本章将解析早期歌剧的结构，特别是“宣叙调（Recitative）”与“咏叹调（Aria）”的功能区分。我们将介绍蒙特威尔第（Monteverdi）对早期歌剧的贡献，以及“巴洛克”这一术语本身所蕴含的“奇异、华丽”的风格特征——如数字低音（Basso Continuo）的普遍应用、强烈的对比以及情感的戏剧化表达。 第五章：对位法的巅峰与器乐的独立 巴洛克时期是器乐真正获得独立地位的时代。本章将深入探讨赋格曲（Fugue）这种精妙的复调结构，它代表了逻辑与对位技巧的极致。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）将是本章的焦点，我们将剖析他的《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》，理解它们如何构建了西方音乐的“语法基础”。同时，本章也会介绍协奏曲（Concerto）的发展，特别是维瓦尔第“四季”所确立的快-慢-快结构以及托纳利形式的雏形。 第六章：协奏与装饰——巴洛克晚期的辉煌 巴洛克晚期，音乐的情感深度和技巧复杂度达到了新的高峰。我们将分析乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）的艺术，特别是他的清唱剧（Oratorio），如《弥赛亚》，如何以戏剧性的力量和宏大的合唱，将公众音乐推向新的高度。本章还会讨论巴洛克音乐中“装饰音”的必要性，以及作曲家与赞助人之间的关系如何影响了音乐的创作类型（如宫廷音乐与教会音乐的分野）。 --- 第三部分：清晰与平衡的追求——古典主义时期（约1750年 - 1820年） 第七章：启蒙时代的音乐——从巴洛克到古典的过渡 启蒙运动强调理性、清晰和普世价值，这直接影响了音乐审美的转变。本章将讨论音乐如何从巴洛克的复杂织体转向更清晰的主调音乐（Homophony）——旋律与伴奏的分离。我们将介绍C.P.E. 巴赫和海顿早期的探索，他们如何简化了复杂的对位，为新的“结构美学”打下基础。 第八章：奏鸣曲的黄金时代 古典主义的核心在于“形式的完美”。本章将聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）——呈示部、发展部、再现部——这一音乐建筑的基石。我们将通过约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的“交响乐之父”的称号，来理解交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏是如何在他的手中被规范和确立标准的。我们将详细分析海顿在幽默感和结构严谨性上的平衡之道。 第九章：莫扎特的完美与贝多芬的转折 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）以其无与伦比的旋律天赋和对歌剧心理的深刻洞察，将古典风格推向了极致的优雅与平衡。本章将解析他的歌剧（如《费加罗的婚礼》）如何展现复杂的社会关系。随后，我们将引入路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven），他标志着古典主义的终结与浪漫主义的开端。通过分析他的“英雄”交响曲，我们将看到作曲家个人意志和英雄主义精神如何开始超越既定的形式限制。 --- 第四部分：自由与情感的奔放——浪漫主义时期（约1820年 - 1900年） 第十章：个人情感的解放 浪漫主义的核心是强调个体情感、想象力、非理性以及对自然的崇拜。本章将探讨音乐家如何从宫廷和教会的束缚中解放出来，成为独立的艺术家。我们将介绍舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied），如何将诗歌与音乐完美融合，将内心的瞬间情感捕捉下来。 第十一章：体裁的扩展与标题音乐的兴起 随着情感表达的需要，音乐形式开始变得更加自由和庞大。本章重点讨论标题音乐（Program Music）的兴起，如柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》，它明确地讲述了一个故事。同时，我们将分析肖邦（Chopin）这位“钢琴诗人”，他如何将民族精神和内省的忧郁注入到圆舞曲、夜曲和叙事曲中，将钢琴的表现力推向新的极限。 第十二章：民族乐派与晚期浪漫主义的宏大叙事 19世纪下半叶，欧洲各地涌现出具有强烈民族色彩的音乐家，如俄国的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克（Dvořák）。本章将分析他们如何借鉴民间音乐元素，构建具有独特国家身份的音乐。最后，本章将以瓦格纳（Wagner）和马勒（Mahler）为代表，探讨晚期浪漫主义如何走向极端，追求无限的“整体艺术”（Gesamtkunstwerk）和对生命、死亡的终极追问，音乐规模和管弦乐队编制达到前所未有的庞大。 --- 第五部分：探索与反叛——二十世纪至今（约1900年至今） 第十三章：现代主义的冲击——对传统的瓦解 20世纪初，一切被认为是既定的规则都受到了挑战。本章将探讨印象主义（德彪西）如何追求色彩和氛围，而非清晰的结构；以及表现主义（勋伯格）如何直接面对人性的焦虑与阴暗面。我们将详细解析无调性（Atonality）的出现，以及十二音体系（Dodecaphony）的创立，这是继巴赫之后对音乐结构最彻底的重构。 第十四章：节奏的解放与新古典主义的回响 面对无调性的极端，一些作曲家开始回归古典形式，但融入了新的语言，形成了新古典主义（如斯特拉文斯基）。本章将分析伊戈尔·斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》如何以其原始、野蛮的节奏打破了浪漫主义的抒情性。同时，我们将触及序列音乐的进一步发展，以及电子音乐和偶然音乐（如约翰·凯奇）的出现，探讨音乐的定义是否已被无限拓宽。 结语：聆听未来 在本书的最后，我们鼓励读者将所学知识应用于当下的音乐体验。西方音乐史不是一条直线，而是无数次对话、反叛与融合的结果。理解了巴赫的结构，才能体会到德彪西的自由；理解了古典的平衡，才能欣赏浪漫的激情。音乐的旅程永无止境，希望本书为您打开的这扇门，能引导您在未来的聆听中，发现属于您自己的深刻共鸣。 --- 附录： 西方音乐重要术语速查表 推荐聆听资料索引（按时期分类） 西方音乐史重要年代记事简表

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对于这种“天天练”的模式还有点怀疑，总觉得它可能有些枯燥和重复。但事实证明，我完全误解了它的内涵。这里的“天天”并非指日复一日的机械重复，而是指一种持续性的、多维度的训练模式。它巧妙地将乐理知识融入到技术练习中，你弹着弹着，就自然而然地理解了某个调式或者某个和声进行为何如此设计。举个例子，它会用一组练习来集中攻克某个跨度较大的和弦跳跃，但在这组练习的开头或结尾，会附带一段简短的分析，告诉你这种结构在巴赫的哪种赋格中常见，或者在肖邦的哪个夜曲里得到了升华。这种‘知其然，更知其所以然’的教学设计，极大地提升了练习的效率和趣味性。我发现自己不再是‘被动地’练习，而是带着清晰的目的性去‘主动地’攻克难关。这种理论与实践的紧密结合，让我的演奏在逻辑性和情感表达上都有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

对于长期接触音乐教育体系的人来说，我们都知道不同版本的教材在处理速度和力度变化时，常常会有不同的侧重点。这套引进版之所以突出，在于它对“连贯性”的极致追求。很多教材在练习跨越不同技巧群时，中间的衔接处往往会显得生硬和突兀，就像跑垒运动员在换道时失去了节奏感。但这本书的巧妙之处在于，它通过精心设计的过渡练习，确保了手指从一个技术点到另一个技术点的转移是平滑且毫不费力的。我个人在练习一些需要快速交替使用不同指法的段落时，总感觉手指之间不够“默契”，但遵循了这本书的指导后，我体会到了一种前所未有的“流动感”。它不急于让你炫耀技巧的难度，而是让你体会到音乐在时间维度上是如何自然展开的。这对于培养真正的高水平演奏者来说，是至关重要的内功修炼，是那种只有在顶尖专业训练中才会接触到的精微之处。

评分☆☆☆☆☆

当我开始深入研究这套教材时，最直观的感受就是它的‘国际范儿’和严谨性。这套引进的原版材料，无疑保留了原作者最纯粹的教学意图，没有经过太多本土化的‘稀释’或‘简化’，这对追求原汁原味的演奏者来说是极大的吸引力。我注意到书中对指法标记的细致程度，简直到了吹毛求疵的地步，每一个小小的数字和箭头都蕴含着深厚的演奏经验，这迫使你必须时刻保持专注，不能马虎地对待每一个细节。比如，书中对踏板使用的建议，那种对声音色彩变化微妙的把控，远超出了‘踩下或抬起’的简单指令，而是引导你思考‘什么时候开始共鸣，什么时候干净利落地切断’。这已经不是单纯的技巧书了，它更像是一本关于钢琴美学的小型论著。对于那些已经有些基础，但总觉得自己的演奏缺乏‘灵魂’和‘深度’的琴友们，这本书提供的视角是革命性的。它挑战你固有的习惯，逼迫你重新审视每一个音符背后的意义。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的定价并不算低廉，这在一定程度上让一些预算有限的业余爱好者望而却步，但我想强调的是，这是一笔极其划算的“时间投资”。市场上充斥着大量便宜但效果平平的速成读物，它们承诺快速进步，最终却可能让你走了很多弯路。而这本引进版，更像是一份经过时间检验的“教科书级别”的指导方针。它对练习时机的把握、对疲劳状态下的应对建议，甚至是对如何正确使用节拍器的细微提示，都体现出对学习者身心状态的充分考量。我感觉，它不仅仅是在训练我的手指肌肉记忆，更是在雕琢我的‘听觉肌肉’，让我对音高、音色和节奏的敏感度提升到了一个新的台阶。如果你真的想把钢琴学习视为一项严肃的长期事业，而不是昙花一现的爱好，那么投入到这样一套扎实、全面且富有深度的教材中，绝对是事半功倍的选择，它为你未来的演奏生涯打下了最坚实、最科学的基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的福音，尤其是那些对古典音乐怀有深深敬意的同行们。我拿到手的时候，那种沉甸甸的质感就让人觉得物有所值。内页的纸张处理得非常精细，即便是长时间的翻阅和在钢琴上伴随汗水的使用，也不会有那种容易损坏的脆弱感。排版设计更是巧妙，五线谱的清晰度和留白处理得恰到好处，即便是在光线不那么充足的练习环境中，阅读起来也毫无压力。更让我惊喜的是，编者对于不同难度练习曲之间的过渡设计得非常自然流畅，它不是简单地堆砌练习，而是像一位经验丰富的老教师，循序渐进地引导你的手指和耳朵去适应更复杂的技巧要求。我特别喜欢其中对于特定技术难点的集中训练部分，那种‘打地基’式的深入练习，让原本感觉晦涩的琶音和和弦转换变得清晰可控。这本书的价值不在于让你弹得多快，而在于让你‘弹得对’，弹得有音乐性。它提供的不仅仅是音符，更是一种科学的练习方法论，能切实地帮助学习者突破平台期，这是很多市面上泛滥的教材所不具备的深度。