原版引进钢琴教材 梅洛迪钢琴四手联弹曲集(2) 入门钢琴教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310153

商品编码：29867723071

丛书名： 梅洛迪钢琴四手联弹曲集2

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

编辑推荐

《梅洛迪钢琴四手联弹曲集》是梅洛迪·伯贝尔为儿童创作的四手联弹作品集。它的编排由浅至深，旋律通俗易懂，和声典雅时尚，风格变化多端，故事情节更是丰富多彩，包罗万象。这一系列在某种意义上来说有助于解决中国琴童四手联弹曲目的匮乏。本书是《梅洛迪钢琴四手联弹曲集》第2册，收录了适用于初级水平的8首作品。

作者简介

作者:(美)梅洛迪·伯贝尔 译者:茅为蕙
梅洛迪·伯贝尔，当代美国活跃于钢琴音乐教育领域的音乐人。伊利诺伊州立大学音乐教育系毕业时获得荣誉奖，之后叉从明尼苏达州立大学获音乐表演硕士学位。她不但拥有自己的音乐工作室，也是一位拥有二十余年公共学校音乐授课经历的教师。她擅于通过独具特色的创作，让学生加深对音乐的理解，激发学生对音乐的热爱。茅为蕙，钢琴家、教育家，美国南加州大学音乐艺术学博士，中国儿童音乐教育领军人物，多次钢琴比赛金奖得主，钢琴比赛评委，世界上屈指可数的施坦威艺术家之一。她曾与欧美和东南亚的五十多个交响乐团合作演出，其独具一格的“茅为蕙携百名师生多钢琴音乐会”使成千上万的琴童和老师感受到舞台魅力。

 

 

 

 

 

目录

三分球
风大浪急的海面
热闹的大游行
一个可怕的夜娩
斗嘴的手指
飞奔的帕洛米诺小马
墨西哥狂欢节
神奇的风琴

 

 

《梅洛迪钢琴四手联弹曲集》是梅洛迪·伯贝尔为儿童创作的四手联弹作品集。它的编排由浅至深，旋律通俗易懂，和声典雅时尚，风格变化多端，故事情节更是丰富多彩，包罗万象。这一系列在某种意义上来说有助于解决中国琴童四手联弹曲目的匮乏。本书是《梅洛迪钢琴四手联弹曲集》第2册，收录了适用于初级水平的8首作品。

好的，这是一本关于经典钢琴教学法的深度解析与实践指南，旨在为初学者和进阶学习者提供扎实的音乐基础和系统的演奏技巧提升路径。 图书名称： 《键盘艺术的基石：巴赫到德彪西的音乐语言与演奏实践》 --- 图书简介：键盘艺术的基石：巴赫到德彪西的音乐语言与演奏实践 本书并非针对特定年龄层的初级教材，而是致力于为所有严肃学习钢琴艺术的爱好者，无论其当前水平如何，提供一个宏大而精微的音乐认知框架和一套严谨的实践方法论。它深度剖析了从巴洛克时期晚期到印象主义初期，西方键盘音乐发展史上几个关键转折点的核心特征、技术难点与美学追求。 本书分为四个主要部分：“风格的溯源与理解”、“技术哲学的构建”、“曲目深潜与解析” 以及 “音乐的再创造与诠释”。 第一部分：风格的溯源与理解 (The Roots of Style) 本部分将引导读者超越单纯的音符阅读，进入到对不同历史时期作曲家思维模式的理解之中。 第一章：巴洛克时期的逻辑与结构 重点内容： 深入探讨巴赫的对位法原理。不同于简单的旋律叠加，我们将解析赋格（Fugue）与托卡塔（Toccata）中声部间的逻辑对话、主题的变形与发展。强调手指的独立性、均匀的触键力度（Touch Uniformity）以及如何通过清晰的声部线条来构建宏大的音乐结构，而非仅仅依靠踏板渲染氛围。 实践关联： 讨论如何运用“层次感”的触键来区分上下声部，尤其是在双钢琴或协奏曲的背景下，理解“主体”与“伴奏”的动态关系。 第二章：古典主义的清晰与平衡 重点内容： 以海顿和莫扎特的作品为例，分析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构美学——呈示部、发展部与再现部的内在张力与和声色彩变化。探讨古典主义对“清晰度”（Clarity）和“平衡”（Balance）的极致追求，这要求演奏者在力度变化上做到精确控制，避免模糊不清的过渡。 实践关联： 专注于乐句的呼吸感和线条的弧度设计。解析古典主义钢琴技巧中对手指“重量”的控制，而非仅仅依赖“速度”。 第三章：浪漫主义的抒情与张力 重点内容： 聚焦于肖邦、舒曼等作曲家的内心世界。分析如何通过对节奏的微妙弹性（Rubato）来表达情感的起伏，以及如何驾驭广阔的音域和复杂的踏板技巧来支撑宏大的和声结构。我们将细致区分“必要的情感延展”与“技术上的失控”。 实践关联： 深入探讨“歌唱性旋律”（Cantabile）的实现。这要求演奏者在演奏旋律声部时，能模拟人声的共鸣与气息的连贯性，同时保证伴奏织体在情感张力下的稳定。 第四章：印象主义的色彩与模糊 重点内容： 探讨德彪西和拉威尔如何打破传统的调性框架，转向音色和氛围的营造。分析全音阶、五声音阶以及和弦的并置如何构建出“水波”或“光影”的效果。这要求演奏者将焦点从“结构”转移到“瞬间的色彩捕捉”。 实践关联： 侧重于对踏板的创造性使用，将其视为“声波的混合器”，而非简单的延长工具。探讨如何通过指尖的“轻触”来获得细腻的泛音效果。 --- 第二部分：技术哲学的构建 (The Philosophy of Technique) 本部分摒弃了孤立的技巧练习，主张将技术训练融入到对音乐本质的理解之中。 第五章：从“按键”到“触键”：深度触键理论 核心观点： 钢琴演奏的本质并非单纯的机械运动，而是身体重量与琴弦振动之间的能量传递过程。本章详细阐述了如何通过调整身体姿态、手臂的“悬挂”以及手腕的灵活性，实现从指尖到深层音色的控制。 练习重点： 针对性地解决“颗粒感不足”和“音色干涩”的问题，通过特定的等张力练习来培养手指的“抓握感”和“释放感”。 第六章：节奏的精确性与自由度 核心观点： 节奏是音乐的骨架。本章强调精准节拍训练的重要性，同时辩证地探讨在不同风格中（尤其是浪漫主义）如何运用恰当的弹性处理，确保自由度建立在坚实的基础之上，而非混乱。 实践工具： 介绍如何使用节拍器进行多层次训练——设定慢速时关注内部细分节奏，设定中速时关注大型乐句的流向。 第七章：复调思维与多声部控制 核心观点： 许多学习者在面对多声部作品时，容易陷入“主旋律优先”的误区。本章指导读者如何训练大脑和手指的“并行处理能力”，确保每个声部都能独立发声，同时服务于整体的音乐意图。 训练方法： 采用分声部视奏法，以及“声部置换”练习，训练手指在不同声部间的快速、清晰切换。 --- 第三部分：曲目深潜与解析 (Deep Dive into Repertoire) 本部分选取了几个关键时期具有代表性的作品作为案例，进行微观分析。 第八章：巴赫《平均律》的结构解剖 案例分析： 选取某一首赋格作为蓝本，详细拆解其主题的引入、转调规律、中插段的处理，以及如何设计每次进入时触键的力度变化以凸显该声部。 第九章：贝多芬奏鸣曲中的戏剧性冲突 案例分析： 聚焦于奏鸣曲式中“发展部”的张力处理。探讨贝多芬如何利用不协和音程、快速的模态转换来制造冲突，以及演奏者如何通过速度和重音的突然变化来体现这种“英雄式”的戏剧张力。 第十章节：练习曲的“陷阱”与“突破” 核心讨论： 对一些经典练习曲（如肖邦练习曲或车尔尼的某些作品）进行重新审视。探讨这些练习曲在技术上真正意图解决的问题是什么，以及如何避免将其弹成纯粹的“炫技”，而是将其转化为具有音乐表达力的片段。例如，分析一首特定练习曲的“弱点”声部，并设计针对性的、融入音乐情境的强化训练。 --- 第四部分：音乐的再创造与诠释 (Recreation and Interpretation) 这是全书的升华部分，探讨如何从“学习者”转变为“阐释者”。 第十一章：历史的语境与演奏的自主性 探讨内容： 如何平衡历史演奏风格（如使用羽管键的实践经验）与现代钢琴的性能特点。讨论“忠于原作”与“个人诠释”之间的界限，强调伟大的演奏永远是作曲家思想与演奏者生命体验的结合。 第十二章：聆听的艺术与自我校正 核心指导： 学习如何高效地聆听自己的演奏，包括录音分析和“内部聆听”（Inner Hearing）。建立一套自我诊断系统，能够准确识别出技术失误背后的深层原因（是身体结构问题、还是对曲目理解的偏差）。 本书旨在为渴望深入理解钢琴艺术的实践者提供一个坚实、全面且富于启发性的指导体系，引导学习者构建属于自己的、扎实的艺术表达之路。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“引进版”的教材抱持着一丝疑虑，总觉得可能不太符合我们亚洲人的学习习惯，但这本书彻底打消了我的顾虑。它的编排逻辑非常清晰，每学习一个新的知识点，都会立刻对应到一组精心设计的练习曲上。这些练习曲的难度过渡非常自然，你几乎感觉不到自己在“练习”，而是在享受音乐的创造过程。我特别喜欢其中关于和弦连接的部分，作者用非常巧妙的方式将复杂的和声进行简化，并通过简单的旋律线条表现出来，让初学者也能很快上手弹奏出听起来很“专业”的音乐。而且，这本书的纸张质量和印刷清晰度也无可挑剔，长时间阅读和翻阅眼睛也不会感到疲劳。我注意到，书的装订也非常牢固，这对于经常需要打开摊平使用的教材来说，是一个非常重要的优点。

评分☆☆☆☆☆

我是一个非常注重“趣味性”的学习者，如果教材太枯燥，我可能坚持不了多久。这本书在这方面做得非常出色！它没有采用那种冷冰冰的、纯技术性的练习，而是将许多练习巧妙地融入到耳熟能详的民谣或改编的小品中。我记得其中有一段关于断奏练习的部分，它被设计成了一段活泼的“小兔子跳”的旋律，一下子就把枯燥的指法训练变得生动起来。而且，很多练习曲的配乐风格非常多样化，从巴洛克风格到浪漫主义的片段都有涉及，这极大地拓宽了我的音乐视野。我发现，当我带着“我要弹奏一首好听的小曲子”的心态去练习时，手指的协调性和准确性反而提高了，这真是一种事半功倍的学习方法。这种寓教于乐的设计，绝对是长期学习的“定心丸”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，色彩搭配和字体选择都透露出一种古典而又不失活泼的气息。我一直很喜欢这种既有专业感又不失亲和力的设计风格。拿到书后，我迫不及待地翻开了目录，发现它涵盖了非常系统和全面的基础乐理知识。从最基础的五线谱识读到简单的节奏型练习，讲解得深入浅出，即使是像我这样零基础的初学者也能很快领会。尤其值得称赞的是，书中穿插了一些非常实用的练习小贴士，比如如何正确地坐姿、如何有效地进行手指训练等等，这些细节的处理让整本书的实用性大大增强。我试着跟着书中的第一个小练习弹奏了一下，感觉手指的活动度比我之前自己摸索时要灵活多了，这让我对接下来的学习充满了信心。作者在安排内容顺序上也很有章法，循序渐进，不会让人感到压力过大，这一点对于保持学习的兴趣至关重要。我真心觉得，这本书不仅仅是一本教材，更像是一位耐心的钢琴启蒙老师在身边指导。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经学琴多年的“老手”，我偶然翻阅了这本书，惊讶地发现其中一些高级技巧的讲解角度非常新颖。特别是关于踏板使用的那一章，它不仅仅是告诉你“什么时候踩下去，什么时候松开”，而是深入探讨了踏板如何影响音色的层次感和情感表达，这对我这种习惯了机械性使用踏板的学习者来说，无疑是一次醍醐灌顶的体验。我立刻尝试用书中的方法去处理我正在学习的一首肖邦练习曲，效果立竿见影，音乐的流动性增强了许多。此外，书中的排版设计也充分考虑了演奏者的需求，谱面布局宽松合理，重要提示用醒目的颜色或图标标记出来，避免了演奏时因为找谱子而中断思绪。我强烈推荐给所有希望提升自己音乐表现力的琴童家长和成人学习者，它能帮你找到那些被忽略的细节。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“音乐性”的强调，它不把我们仅仅当作可以机械操作的“演奏机器”。在每几个章节的末尾，都会有一个“音乐赏析与演绎”的小栏目，这里会分析一首经典四手联弹作品的结构和情感基调，并给出一些专业演奏家的处理思路。这对我提升乐感非常有帮助，让我明白弹奏音符背后的意义是什么。例如，在讲解“力度对比”时，书中不是简单地告诉你“强弱”，而是用“阳光的迸发”和“月光的轻抚”来做比喻，这种形象化的描述一下子就抓住了我的注意力。对于那些渴望从“会弹”到“会弹好”的进阶学习者来说，这种对音乐内涵的挖掘是极其宝贵的。它让我开始真正思考，我弹奏的这首曲子，我想用它来诉说什么。