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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 吉林大学出版社

ISBN：9787567764538

商品编码：29867646195

丛书名： 德国现代指弹教程

好的，这是一份关于另一本吉他学习书籍的详细简介，该书与您提到的“正版 现代指弹吉他系统教程指弹基础教程 自学指弹教材”内容完全不同： --- 《指尖上的爵士：和弦编配与即兴思维进阶指南》 聚焦于高级爵士吉他演奏、和弦色彩拓展与即兴旋律构建的深度探索 前言：超越基础，拥抱和声的无限可能 本书并非面向吉他初学者的入门指南，而是为已经掌握了基础指法、熟悉标准调弦，并渴望将演奏提升到专业爵士乐水平的进阶吉他手量身打造的深度教程。我们深知，许多吉他教材在教授了基础指弹技巧后便戛然而止，将演奏者置于一个“知道怎么弹，但不知道弹什么”的困境中。本书旨在填补这一空白，带领读者深入爵士乐的和声迷宫，掌握如何将复杂的和声概念转化为流畅、富有表现力的指弹乐句。 第一部分：和弦的深度解构与色彩应用 本部分将彻底颠覆你对传统和弦的认知，从爵士乐的核心——扩展和弦（Extended Chords）和替代和弦（Altered Chords）入手。 第一章：构建爵士的骨架——七和弦的细微差别 大七、小七、属七的精妙区分： 不仅仅是名称上的差异，更在于其在乐曲中承载的情绪色彩。详细解析Major 7th、Minor 7th、Dominant 7th在不同调性中的功能性应用。 九音、十一音、十三音的和声张力： 如何在指板上清晰地演奏出这些扩展音，并理解它们如何为和弦增添“空气感”和“悬浮感”。特别关注M9与Dom9的应用场景。 和弦的“倒置”艺术： 深入研究如何在指板的不同位置构建同一和弦的不同转位，以实现平滑的声部进行（Voice Leading），这是专业演奏家流畅切换和弦的关键。 第二章：色彩的魔术师——替代与增六和弦 属七和弦的变体世界： 详解5、b5、9、b9等变音对属七和弦的影响。我们将展示如何运用这些“不协和”音符来制造强烈的解决倾向，这是构建经典爵士进行（如“Rhythm Changes”）的精髓。 增六和弦的史诗级回归： 意大利式、法国式、德国式增六和弦的指板指法解析。着重探讨它们作为强导向和弦，如何戏剧性地引导听众进入下一个调性或和弦。 和弦的分解与重构： 学习如何将一个复杂的九和弦分解成两个可演奏的、更具逻辑性的三和弦组合，为即兴创作提供新的视角。 第二部分：指板上的移动与声部进行（Voice Leading） 熟练的爵士演奏者很少依赖固定的和弦图表，他们依赖对音符之间关系的深刻理解。本部分专注于如何在保持和声清晰度的前提下，实现流畅的指板移动。 第三章：最小化移动的艺术 “一步之遥”的和弦转换： 识别指板上相邻和弦之间共享的音符，设计出只移动一到两个手指的最短路径来切换和弦。 旋律化的和声进行： 讲解如何将基础的“II-V-I”进行，通过精妙的声部进行（如上行或下行平行移动），转化为一段听起来像独立旋律的和声线。 固定音型与和弦模版： 介绍一些经典爵士和声进行中常用的和弦指型模版，帮助学习者快速记忆和应用不同把位上的和声结构。 第四章：节奏驱动的演奏技巧 切分与失重感： 爵士吉他演奏的关键在于“摆动”（Swing）。本章详细剖析如何通过调整八分音符的节奏感（将平均的“嗒嗒”变为“哒-嗒”的感觉）来营造地道的律动。 Stop Time与Rake技巧： 学习如何使用右手拇指和食指的协同作用，实现快速的和弦闷音（Muting）和突然的断奏（Staccato），这是制造节奏张力的有效手段。 Walking Bass Line的指法集成： 对于独奏或伴奏，清晰的低音线至关重要。本书将提供一套专门针对指弹演奏者的Walking Bass Line指法系统，确保低音的连贯性和旋律性。 第三部分：即兴的语法——从音阶到旋律 本部分将即兴创作视为一种“对话”，而非随机音符的堆砌。重点在于如何将复杂的和声背景转化为易于理解和演奏的旋律线。 第五章：理解音阶与调式的相对性 调式之间的渗透： 深入研究利底亚（Lydian）、混合利底亚（Mixolydian）等调式在特定和弦（如Maj711或Dom7b9）上的应用。理解为什么某些调式听起来更“爵士”。 Arpeggio（琶音）的立体化： 如何将二维的琶音图谱转化为三维的指板“飞行路线”。从基础的七和弦琶音，过渡到九和弦琶音的系统练习。 音阶与琶音的交织： 学习如何在线性乐句中，有机地穿插琶音片段来强调和弦的核心音，以及如何使用音阶来连接这些强调点，从而创造出既有结构又充满流动性的即兴段落。 第六章：主题发展与动机构建 片段化即兴法（Motivic Development）： 成功的即兴段落往往围绕一个或两个核心动机展开。本书指导读者如何从最初的简短乐句（Motif）出发，通过节奏变化、音高转移、和声背景替换等方式，将其发展成完整的独奏段落。 模仿大师的“语言”： 分析Wes Montgomery、Joe Pass、Pat Metheny等大师在特定和弦进行中的典型乐句结构。这不是简单的模仿，而是学习其背后的逻辑框架。 连贯性的桥梁： 探讨如何使用过渡音（Passing Tones）和侧音（Neighbor Tones）来平滑连接强音和弱音，确保即兴旋律听起来像一个完整的故事，而不是一系列零散的音符。 结语：内化与创造 《指尖上的爵士》的最终目标是帮助演奏者将这些理论和技巧内化为直觉。通过大量的实际演奏示例和录音伴奏（非指弹独奏伴奏，而是标准的爵士乐队伴奏），读者将能够自信地走进任何爵士即兴场合，用吉他讲述属于自己的和声故事。本书要求读者具备扎实的乐理基础和对指板的熟悉度，适合有志于成为专业爵士吉他手的进阶学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就给我一种非常专业和严谨的感觉，那种深蓝色的背景搭配着简洁的白色字体，让人一看就知道这不是那种花里胡哨的入门读物。我特别喜欢它在排版上体现出的那种对细节的关注，每一个和弦图示都清晰到仿佛能触摸到指板上的品格，而且对于初学者来说，最怕的就是那些模棱两可的讲解，但这本书的文字描述却异常精准，它没有用太多晦涩难懂的专业术语，而是用非常生活化的语言来解释那些看似复杂的乐理知识。比如，它讲到如何调整手指的触弦角度时，会用“像用指尖轻轻敲击桌面”这样的比喻，一下子就让人茅塞顿开。我之前在网上找过一些免费的资料，但总是东拼西凑，缺乏系统性，学着学着就不知道下一步该往哪里走了。这本书的好处就在于，它给你画好了一条从零基础到可以自弹自唱的清晰路径，每学完一个阶段，都会有相应的练习曲目来巩固，而且曲目选择的也很有品味，既有经典的旋律改编，也有一些现代指弹常用的技巧展示，让人在学习枯燥基本功的同时，也能保持对音乐的热情，光是看着目录，我就已经对接下来的学习充满期待了。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买书的时候，最大的顾虑就是“自学”这两个字。毕竟吉他这东西，没有老师在旁边纠正手型和力度，很容易养成一些根深蒂固的坏习惯，到时候再想改就难了。但是这本书在这方面做得非常到位。它不仅仅是告诉你“怎么按”和“怎么拨”，更深入地讲解了“为什么”要这么做。它有一整章专门讲解了右手拨弦的力度控制和音色的变化，里面还配上了详细的剖面图，展示了指甲、指肉接触琴弦的不同效果。我以前一直觉得自己的扫弦听起来很“闷”，拿到这本书后，才发现原来是我的拨弦平面角有问题。书里建议的“镜子练习法”真的太实用了，我每天早上对着镜子练习十分钟，感觉手指的控制力都有明显的提升。更让我惊喜的是，它在介绍横按技巧时，没有采用那种简单粗暴的“用力按到底”的说法，而是拆解成了“拇指的位置”、“前臂的支撑角度”等多个维度去分析，让我终于理解了为什么有些人能轻松做到横按，而我却总是按不实。这种层层递进的教学方法，让自学不再像是在黑暗中摸索。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的编排逻辑简直是教科书级别的示范。它完全摒弃了那种把所有技巧堆在一起让你无所适从的做法。它把指弹吉他拆分成了几个核心模块：右手节奏型、左手和弦转换、以及最重要的——音色雕刻。让我印象最深的是关于“泛音”的讲解部分。泛音一直是很多指弹爱好者难以逾越的高山，总觉得要么是按得不够准，要么就是拨弦力度不对。这本书没有直接跳到复杂的自然泛音或人工泛音，而是先用专门的练习曲让你熟悉特定品格的“死点”，然后再引入拨弦的力度区间。这种“打地基”的方式，让我感觉每一点进步都是建立在扎实的基础之上，而不是靠运气弹出来的。而且，它对乐谱的标注也特别用心，除了常规的六线谱和六线谱外，它还用非常简洁的符号标注了“击弦”、“勾弦”、“推弦”等技巧的力度要求和持续时间，这对于我这种没有老师即时反馈的学习者来说，简直是救命稻草。

评分☆☆☆☆☆

我是一个追求效率的人，对任何学习材料的首要标准就是：信息密度和实用性。很多教材为了凑页数，会塞进大量不相干的曲目或者过时的演奏方法。但这本书给我的感觉是，每一个字、每一条音符都是经过深思熟虑的。它的曲目选材非常平衡，兼顾了传统指弹的稳重和现代指弹的炫技元素。比如，它在教完基础的分解和弦后，立刻衔接了一个改编自古典乐的小品，这个小品巧妙地融合了分解和扫弦的转换，让你在实战中巩固了刚刚学到的知识点。更难能可贵的是，它对“乐感”的培养也着墨不少。书中有一段话提到，技术只是工具，真正的音乐来自于你对旋律线条的理解和呼吸感，它甚至教你如何在演奏中加入“停顿”和“延音”来模仿人声的表达。这种对音乐性的强调，远超出了普通技术手册的范畴，让我感觉自己不只是在学习“如何弹奏”，更是在学习“如何用心去演奏”。

评分☆☆☆☆☆

对于已经摸索了一段时间但始终无法突破瓶颈的进阶学习者来说，这本书简直是一剂强效的“突破剂”。我之前困扰于自己的演奏听起来总像是在“机械地完成任务”，缺乏流畅性和连贯性。这本书的后半部分，专门针对“律动感”和“节奏的弹性”进行了深入探讨。它不是简单地要求你“跟着节拍器练习”，而是详细分析了流行音乐中常见的“切分音”在指弹吉他上的实现方式，以及如何通过微调重音的位置来创造出摇摆感。我特别喜欢它提出的“身体律动同步法”，要求学习者在练习时，要用身体的晃动来带动手指的节奏，而不是仅仅依赖大脑的计算。这种将肢体运动和音乐节奏相结合的训练方式，极大地解放了我的演奏状态，让我的指弹从僵硬的“弹奏”变成了自然的“流淌”。这本书的价值就在于，它能让你审视自己已经掌握的技巧，并用更高级的视角去重新打磨每一个细节，真正实现从“会弹”到“弹得好听”的质变。