正版芭蕾舞教材现代芭蕾20世纪的弥撒现代芭蕾舞音乐理论基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552301878

商品编码：29867646344

丛书名： 现代芭蕾20世纪弥撒

出版时间：2013-08-01

目录

再版序

怍者序

序论舞蹈世纪的历程

第I章 大协作的温床与新芭蕾的震撼

——20世纪剧场芭蕾的第I次变革

福金的变革与现代情节芭蕾

牧神的印象：从神话到现代芭蕾

《春之祭》：原始主义的礼赞

《炫技》：从立体派到超现实主义

第二章 古典技巧与现代风格的融汇

——现代古典芭蕾与芭蕾自身的现代化

阿波罗式的新古典主义

——两部早期新古典主义风格的芭蕾

古典精神与现代风格的     联姻

——弗雷德里克·阿什顿和他的芭蕾艺术

安东尼·图德和现代心理芭蕾

两部“牛仔题材”的经典美国芭蕾

克兰科的古典和现代

运用芭蕾写史的《梅耶林》

第三章 源自身体的喜剧和庆典

——现代喜剧芭蕾

《三角幄》：西班牙风情的喜剧

一部在当代复活的古老芭蕾喜剧

美国式幽默与芭蕾喜剧

三部经典的独幕喜剧芭蕾

第四章 形式化的身体与音乐的交响

第五章 新观念·新形式·新探索

第六章 身体的自由之路和现代仪式

中英名词索引

  内容推荐

本书介绍了现代芭蕾在20世纪这一时期内涌现出的具有代表性的作品、编导以及演员，是中国第I本较为系统介绍现代舞的书籍

作者简介

黄麒毕业于上海复旦大学，留校后创办了复旦大学舞蹈团，其现代舞一度在我国舞蹈界引起了热烈反响；后转向电视领域，致力于拍摄少数民族的人文影像素材，画面多次出现在申博片、国家形象片等，获得过多个奖项。

 

 

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芭蕾舞艺术的传承与创新：一部关于古典与浪漫时期舞蹈美学的深度探索 本书聚焦于19世纪欧洲芭蕾艺术的黄金时代——古典芭蕾与浪漫主义芭蕾的兴盛与演变，旨在为舞蹈学习者、研究者及艺术爱好者提供一部详尽而深入的学术著作。 第一部分：浪漫主义的幽灵——19世纪初期的芭蕾革新 本书的第一部分将带领读者回到19世纪20年代至40年代，探讨芭蕾从僵硬的宫廷仪式向富于情感表达的艺术形式转型的关键时期。我们重点分析了这一时期对“仙女”、“幽灵”等非人角色主题的偏爱，以及这种审美取向如何深刻影响了舞台视觉和叙事结构。 1.1 叙事转向与主题的奠基： 详细考察了早期浪漫主义芭蕾作品，如皮埃尔·塔里奥尼的《仙女》（La Sylphide, 1832年）和让·科拉利的《仙女》（La Sylphide, 1837年，配马里乌斯·彼季帕的早期影响）。我们剖析了这些剧目中对理想化女性形象的构建，以及其背后所蕴含的社会文化背景——对工业革命带来的现实的逃避与对自然、精神世界的向往。我们深入研究了剧本作家和编舞家如何协作，以传达易逝、忧郁和超凡脱俗的美学概念。 1.2 技术革新：足尖艺术的诞生与普及： 本书以大量篇幅探讨了足尖技术在浪漫主义芭蕾中的革命性地位。我们不仅描述了奥古斯特·阿拉戈等人对足尖鞋构造的初步尝试和改进，更着重分析了足尖技术如何从一种马戏团式的杂耍，提升为表达人物内心状态、强调轻盈与悬浮感的关键工具。通过对玛丽·塔里奥尼等早期足尖大师的技巧分析，我们重建了早期足尖的站姿、动作形态与现代的差异，揭示了技术为艺术表达服务的核心理念。 1.3 舞美、灯光与服装的协同作用： 浪漫主义芭蕾的成功离不开其独特的舞台呈现。本章细致考察了当时剧院技术的发展如何支持了“幽灵”主题的实现。这包括对灯光（特别是煤气灯时代对“月光”效果的模拟）、薄纱服装（如著名的白色浪漫长裙——“白纱裙”）的材料选择及其对舞蹈动作视觉影响的分析。这些元素的结合，共同创造了观众记忆中那种朦胧、如梦似幻的舞台氛围。 第二部分：彼季帕的帝国——古典芭蕾的黄金结构（19世纪下半叶） 本书的第二部分转向俄罗斯帝国圣彼得堡的舞台，聚焦于马里乌斯·彼季帕（Marius Petipa）的鼎盛时期，解析古典芭蕾如何确立了至今仍具有约束力和指导意义的严谨结构、技术标准与叙事范式。 2.1 结构与规范的建立：古典芭蕾的“建筑学”： 我们详细分析了彼季帕芭蕾的经典结构，特别是“双人舞”（Grand Pas de Deux）的固定模式：前奏、变奏（男、女主角分别独舞）、Coda。本书解释了这一结构如何服务于戏剧高潮的营造，并探讨了每一部分对舞者技术展示的具体要求。同时，我们梳理了古典芭蕾中对旋转、跳跃和延伸动作的规范化过程，这些规范构成了古典技术体系的骨架。 2.2 异域风情与“场面芭蕾”（Tableaux）： 彼季帕的作品以其宏大场面和对异国情调的偏爱著称。本章深入研究了《睡美人》、《胡桃夹子》和《堂吉诃德》等经典作品中，如何通过特定风格的群舞（如西班牙的弗拉明戈元素、意大利的威尼斯水手舞、斯拉夫的民间舞步）来构建一个丰富多彩的舞台世界。我们着重讨论了这些“异域化”的舞蹈段落如何融入主体叙事，以及它们在维护古典芭蕾美学纯粹性与满足观众审美需求之间所起到的平衡作用。 2.3 音乐与编舞的精妙合奏：柴可夫斯基时代的交响化： 古典芭蕾的成熟离不开作曲家彼得·伊里奇·柴可夫斯基的贡献。本书专门辟出一章，分析柴可夫斯基的音乐如何超越了以往芭蕾音乐仅作为伴奏的角色，成为与编舞同等重要的叙事主体。我们对比了早期的抒情音乐与柴氏作品中复杂的主题发展和管弦乐配置，阐释了音乐的动机如何指导彼季帕的动作设计，从而实现了舞蹈艺术的真正交响化。 第三部分：超越传统——世纪末的先驱思潮 在古典芭蕾体系达到技术巅峰之时，一些富有远见的艺术家开始尝试打破既有的形式藩篱，为20世纪的现代舞运动埋下了伏笔。 3.1 亨利·福凯与“姿态之美”： 我们简要回顾了世纪末巴黎一些探索性的小型作品和概念，这些作品开始质疑足尖的绝对统治地位，重新关注身体的重量、地面的连接以及姿态的内在表达。虽然这些尝试尚未形成系统理论，但它们标志着艺术家对“自然性”回归的初步思考。 3.2 审美疲劳与新美学的萌芽： 本书最后一部分总结了浪漫主义和古典主义美学在19世纪末期遭遇的局限性——对公式化的审美疲劳。这种对“过分华丽”和“机械重复”的反思，促使编舞家们开始寻求新的动作语言，为20世纪初期伊莎多拉·邓肯、米歇尔·福金等人的艺术实践提供了必要的文化土壤和反作用力。 结语： 本书力求以严谨的史料考证和细致的艺术分析，呈现19世纪芭蕾艺术从情感爆发到结构集成的完整历程。它不仅是一部关于足尖和舞裙的历史，更是一部关于人类情感如何通过高度规范化的肢体语言进行表达与升华的艺术史诗。读者将清晰地认识到，现代芭蕾的基石，恰恰建立在这些美丽而严苛的古典与浪漫的传统之上。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚拿到手的时候还有点担心，毕竟“现代芭蕾”和“弥撒”这两个词放在一起，听起来可能有点高深莫测。但令人惊喜的是，作者的笔触非常细腻且富有感染力，她成功地架起了一座桥梁，让普通读者也能走入那个充满探索与激情的年代。我对其中关于“肢体语言的去符号化”的章节印象尤其深刻。它详尽地阐述了从古典的精准造型到现代的自由探索过程中，身体是如何从一个表达特定叙事工具，转变成一个独立进行自我表达的媒介。这种分析不是空泛的理论，而是结合了大量的舞台实例和文献引证，读起来非常扎实可信。而且，这本书的排版和图文配合得也相当到位，虽然是理论书籍，但视觉上一点也不累赘，让人愿意一页一页地沉浸其中，仿佛能听到那些跨越世纪的舞曲在脑海中回响。

评分☆☆☆☆☆

哇，我终于把这本关于现代芭蕾的书读完了，感觉像是经历了一场穿越时空的舞蹈之旅！这本书的内容实在是太丰富了，它不仅仅是一本教材，更像是一部关于20世纪舞蹈艺术演变的史诗。我特别欣赏作者在梳理“弥撒”这一概念与现代芭蕾之间联系时的独到见解。那种将宗教仪式感与先锋舞蹈语言相结合的探讨，让我对传统芭蕾的桎梏有了全新的认识。书中对各个流派的舞蹈家和编舞家的深入剖析，简直是如数家珍，让我这个半路出家的爱好者都忍不住查阅了大量背景资料去补充理解。特别是关于“音乐理论基础教程”的部分，它并没有像其他理论书籍那样枯燥乏味，而是巧妙地将音乐结构融入到动作分析之中，让我明白了为什么某些看似随意的现代舞步背后，其实蕴含着严谨的节奏和和声逻辑。这本书的深度和广度，绝对是值得每一个严肃对待舞蹈艺术的人收藏的。读完后，我感觉自己看任何现代舞演出都有了一种全新的“解码器”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常典雅，但内容上的冲击力更是让人过目难忘。我原本以为这是一本偏向技巧指导的“干货”书，没想到它更像是一本哲学思辨录，探讨的是现代芭蕾如何从古典束缚中挣脱出来，寻找新的“精神家园”。其中对20世纪初那些颠覆性作品的分析尤其精彩，那种描述舞蹈家如何用身体去“反抗”既有审美规范的文字，简直是充满了张力。我特别喜欢作者对那些被主流忽视的边缘化编舞家的挖掘，使得整个现代芭蕾史的拼图更加完整和立体。即便是那些我听过名字但从未深入了解的音乐家和作曲家的作品，也因为和舞蹈动作的对应分析而被赋予了新的生命力。这本书不仅仅是知识的传递，更是一种对艺术创新精神的致敬。它让我开始重新审视自己对“美”和“规范”的定义，是一次非常彻底的观念重塑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容组织逻辑简直是教科书级别的优秀！它将复杂的、跨学科的现代芭蕾发展史，梳理得如同精心编排的一段长篇舞蹈，有着清晰的起承转合。最让我赞叹的是，作者在论述现代芭蕾如何吸纳民间元素、爵士乐影响，乃至后现代哲学思潮时，那种抽丝剥茧的论证过程，让人感到无比的信服。它不仅仅是在介绍一个流派，更是在重建一个时代的艺术精神图景。即便是涉及“音乐理论基础”这样偏向技术性的内容，作者也处理得非常人性化，用大量的实例来佐证，而不是一味地堆砌术语。这本书的阅读体验是渐进式的，初读时可能被其浩瀚的知识面所震撼，再读时则会被其深刻的洞察力所折服。它无疑是研究20世纪舞蹈艺术不可或缺的里程碑式的著作。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为那些想跳出“舒适区”的舞者和研究者量身定做的！我尤其欣赏它在处理“理论基础”和“历史脉络”之间的平衡。它没有沉湎于对过去成就的简单回顾，而是着眼于如何理解和运用20世纪的革新思想来指导当下的创作。我个人对其中关于“时间感”和“空间感”在现代舞中如何被重构的探讨非常感兴趣，作者清晰地展示了舞者如何打破传统匀速、线性的时间概念，转而使用断裂的、内化的、主观的时间流。这种深层次的分析，让我对那些看似松散、难以捉摸的现代舞作品有了更清晰的理解框架。这本书的价值在于，它不仅告诉你“发生了什么”，更重要的是告诉你“为什么会这样发生”，以及这种“发生”对未来的意义。读完后，我对自己的训练方法都有了一些新的启发和反思。