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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806677667

商品编码：29867645959

丛书名： 艺术欣赏教程

开本：16开

出版时间：2005-09-01

 

目录

编写说明
第 I 课 音乐欣赏基础知识
第二课 中国民歌
第三课 外国民歌
第四课 中国歌曲
第五课 外国歌曲
第六课 通俗歌曲
第七课 中外合唱
第八课 中国民族乐器与乐曲
第九课 西洋乐器与乐曲
第十课 曲式与器乐曲体裁(一)
第十一课 器乐曲体裁(二)
第十二课 器乐曲体裁(三)
第十三课 外国舞曲音乐
第十四课 歌剧(一)
第十五课 歌剧(二)
第十六课 音乐剧
第十七课 京剧
第十八课 越剧
第十九课 沪剧
第二十课 话剧
……
第三十四课 中国油画
第三十五课 工艺美术和民间美术

内容推荐

本教材是学生了解艺术欣赏知识、了解不同艺术形式、熟悉中外艺术作品的知识“套餐”，涉及的知识面比较广，除了音乐外，美术、戏曲、电影电视、舞蹈、话剧、音乐剧等艺术学科的基础知识都作了介绍。为突出学校课堂教学的特点，本教材以课的形式来编写。每一课内容相对独立，前后又有内在联系，并由“学一学”、“听一听”、“唱一唱”、“答一答”四个环节组成，教学形式有所创新。书中文字通俗易懂，部分谱例和图片为教学提供了方便，教师可根据教学的实际情况灵活地使用。

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《寰宇星光：跨越时空的古典音乐之旅》 本书并非《正版艺术欣赏教程 音乐理论艺术教材 入门艺术欣赏 上海音乐》的任何组成部分，亦不涉及其中任何特定的内容、章节或知识点。 本书旨在为对古典音乐抱有好奇心，渴望探索其宏大叙事与精妙细节的读者，提供一条全新的、独立于传统教材体系的欣赏路径。我们不预设任何固定的课程结构或考试标准，而是以一种更富文学性和探索性的视角，引领读者潜入西方古典音乐的浩瀚星河。 --- 第一部分：声音的起源与古老的和声（公元前 500 年 – 公元 1400 年） 本部分将追溯音乐的最早回响，我们不会探究具体的乐理公式或和弦构造的“入门”定义，而是专注于声音在人类文明早期如何被组织和神圣化。 第一章：从原始吟唱到格里高利圣咏的静默之美 我们将讨论古希腊哲学中对“音乐和谐”的早期思考，例如毕达哥拉斯对音程数学关系的发现，但这并非旨在教授读者如何计算频率，而是呈现这种思想如何塑造了西方对“秩序”的认知。随后，我们将重点描绘中世纪教会音乐的氛围——格里高利圣咏。我们关注的重点是单音音乐（Monophony）所带来的精神力量和冥想特质，探讨修道院的墙壁如何成为声音的容器。我们会详细分析文本与旋律之间的张力，以及在这种极简主义中蕴含的丰富情感层次，而非仅仅罗列其调式结构。 第二章：多声部的曙光：从奥尔加农到经文歌的织体实验 随着时间的推移，音乐开始走向复杂。本章将介绍早期复调音乐的诞生，例如巴黎圣母院乐派的出现。我们不着眼于讲解“平行五度”是否被禁止这类教学细节，而是侧重于描绘作曲家们如何试探性地将两股、三股独立的旋律线并置，创造出前所未有的空间感。经文歌（Motet）作为这一时期的重要载体，其文本的多语言特性（拉丁语、法语、德语的交织）反映了世俗与神圣的界限开始模糊，我们将通过具体作品的情感场景来展现这种织体变革的意义。 --- 第二部分：文艺复兴的“人性”回响与巴洛克的炫技时代（1400 年 – 1750 年） 文艺复兴标志着人文主义思潮对音乐的影响，而巴洛克则是情感表达和结构复杂度达到顶峰的时期。我们侧重于理解“人”在音乐中的地位变化，而非分析对位法的技术要点。 第三章：文艺复兴的均衡与情感的微妙渗透 乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）等人的作品如何体现了对文本清晰度和情感表达的追求？我们将深入探讨模仿手法（Imitation）的运用，这不是为了教授对位技巧，而是探讨旋律线之间如何“对话”和“回应”，如同群体的集体思考。此外，牧歌（Madrigal）作为世俗音乐的代表，其对自然意象和爱情故事的直接描绘，展现了音乐如何从教堂走向宫廷和私人沙龙。我们分析的是那种“即兴的”、“口语化”的音乐表达，而非其和声进行的标准模式。 第四章：巴洛克：宏大叙事与“激情理论”的舞台 巴洛克音乐以其强烈的戏剧性著称。本章将聚焦于歌剧（Opera）的诞生及其早期发展，从蒙特威尔第（Monteverdi）对人类情感极端表达的探索开始。我们探讨的是“宣叙调”（Recitative）如何模拟日常语言的起伏，以及“咏叹调”（Aria）如何凝固并升华某一特定的情绪状态——这是一种心理学的分析，而非声乐技法的讲解。同时，对协奏曲（Concerto）中“独奏与合奏”的对比张力，我们将解读为个体英雄主义与群体力量的永恒较量。 第五章：巴赫与亨德尔：结构与光芒的巅峰对决 巴赫的音乐是秩序与神性的极致结合。我们不会深入解析《平均律键盘曲集》的指法或和弦体系，而是将《赋格》（Fugue）视为一种对复杂逻辑的建筑学表达。我们关注的是主题如何在不同声部间巧妙穿梭，如同光线穿过棱镜，最终汇聚成令人震撼的整体。亨德尔则代表着更具公众性和戏剧性的“光芒”。我们将探讨他的清唱剧（Oratorio），特别是《弥赛亚》的成功，在于它如何将神圣的叙事转化为激动人心的公众庆典，其合唱段落所带来的集体情感冲击力，远超于任何单一理论的解释。 --- 第三部分：古典主义的清晰与浪漫主义的激情（1750 年 – 1900 年） 这一时期的音乐追求结构上的完美与形式上的平衡，随后又被一股追求个人情感自由的洪流所席卷。 第六章：维也纳的黄金时代：形式美学与清晰的对话 古典主义时期，音乐如同启蒙运动的理性之光，力求清晰、对称和平衡。我们不讨论奏鸣曲式的具体呈示部、发展部、再现部规则，而是考察海顿、莫扎特和贝多芬如何在既定的框架内，展现出对话的艺术。交响曲被视为一场关于结构和情感的“公开辩论”。莫扎特的音乐如何体现出优雅的“平衡点”？贝多芬早期如何将古典的清晰度推向戏剧化的边缘？我们着重于理解这种“清晰”背后的哲学追求——即在有限中发现无限的可能性。 第七章：贝多芬的断裂与浪漫主义的汹涌爆发 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁，他的后期作品充满了对个人意志和反抗精神的呐喊。本章将探讨这种“英雄主义”如何瓦解了古典的完美平衡。随后，浪漫主义音乐家如肖邦、舒曼如何将焦点从宏大的交响曲转向“个人日记”式的室内乐与钢琴独奏。肖邦的夜曲中隐藏的诗意，舒曼的叙事性作品如何描绘出精神世界的起伏跌宕，这些都是对个体情感深度挖掘的体现，而非对和声色彩的理论梳理。 第八章：德彪西之前的色彩斑斓：民族乐派与交响诗的想象力 在德彪西掀起印象主义浪潮之前，欧洲各国音乐家正忙于从德奥体系中解放出来，挖掘本土的民族色彩。从俄罗斯的“五人团”对民间旋律和史诗故事的运用，到德沃夏克对美洲原住民音乐元素的间接借鉴，我们探讨的是音乐如何作为一种文化身份的宣言。交响诗（Symphonic Poem）的兴起，标志着音乐彻底摆脱了纯器乐的抽象束缚，成为可以讲述具体故事的文学载体。 --- 第四部分：二十世纪的碎片与新的听觉疆域（1900 年至今） 面对世界的剧变，音乐也进入了前所未有的探索期。本部分将避免对十二音体系或序列主义的死板介绍，而是聚焦于听觉体验的彻底转变。 第九章：印象的消散与原始的呼唤 德彪西的作品并非“不确定”，而是“模糊”的艺术，他利用音色和节奏的流动性，模仿光影、水波和梦境。我们关注的是他如何“放弃”了传统意义上的终止感，创造出一种永恒的当下感。紧接着，斯特拉文斯基的《春之祭》引发的“骚乱”，我们不讨论其节奏的复杂性，而是分析其粗粝、原始的能量如何与现代都市的焦虑和工业化进程相呼应，这种能量冲击了听众对“美”的既有认知。 第十章：声音的解放：无调性世界的探索与电子的介入 本章将观察作曲家们如何面对调性体系的“崩塌”。我们不会教授如何构建无调性作品，而是探讨“噪音”如何被接纳为音乐语言的一部分。从勋伯格对传统情感语言的彻底决裂，到约翰·凯奇对“偶然性”和“沉默”的哲学探讨。我们还将简要介绍电子音乐的早期实验，关注磁带和合成器如何拓宽了音乐家对音源本身的定义，将音乐创作的疆界推向了人类感知能力可以触及的任何振动。 --- 结语：倾听的艺术——回归个体体验 本书最终的目的，是培养读者自我发现的听音能力。音乐欣赏不在于记住作曲家生卒年或理论术语，而在于你能在贝多芬的某个小节中听见自己的挣扎，能在巴赫的对位中感受到秩序的抚慰，或是在德彪西的朦胧中找到片刻的宁静。本书提供的，是一套激发好奇心的地图，而非精确的导航系统。你的每一次聆听，都将开启一个属于你自己的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

从内容广度上来看，这套教材的覆盖面广得令人惊讶，它成功地在“宏大叙事”和“微观聚焦”之间找到了完美的平衡点。它不仅系统地梳理了西方古典音乐的发展脉络，从古老的格里高利圣咏讲到近现代的序列主义，而且在不同时期艺术思潮的交汇点上，作者都给予了深刻而独到的见解。更难能可贵的是，它并没有将目光局限于西方“殿堂艺术”，而是巧妙地穿插了不同文化背景下的音乐形态对比分析，这种跨文化的视野，极大地拓宽了读者的格局。每次读到某个流派的介绍，我总能感觉到作者在字里行间流露出的那种对音乐史的敬畏与热爱。它像一位经验丰富的向导，带领我们在浩瀚的音乐海洋中，既不会迷失方向，又能随时潜入深处探索宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极富感染力，简直可以说是“有温度的学术著作”。它完全摒弃了传统教材那种冷冰冰、充满术语的教科书腔调，读起来更像是资深音乐家在与你促膝长谈、分享毕生经验。作者的笔触既有学者般的严谨，又不失文人特有的浪漫情怀。尤其是在描绘那些伟大作曲家的人生片段和创作心境时，笔法细腻入微，仿佛能让人透过文字看到贝多芬的挣扎、莫扎特的灵光乍现。这种叙事的力量，让原本枯燥的理论学习过程变成了一场充满人性的探索之旅。它教会我的不仅是“如何分析”，更是“如何感受”，如何从声音的流动中捕捉到人类共通的情感密码。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品级别的，初拿到手时，那沉甸甸的手感和封面细腻的触感就让人爱不释手。纸张的质地非常考究，印刷色彩的饱满度和精准度高得惊人，即便是那些复杂的乐理图表和经典名作的彩色插图，也展现出令人赞叹的清晰度。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如章节之间的过渡页设计，总能用一两幅精心挑选的视觉元素巧妙地引出下一部分的主题，这使得整个阅读过程充满了仪式感。对于我这种对视觉体验要求较高的人来说，阅读体验的舒适度直接影响了学习的持久性。翻阅时，那种油墨的清香和纸张的微韧感，让人感觉这不是一本简单的教材，而是一件值得珍藏的艺术品。我甚至愿意花更多的时间去细细品味每一页的设计排版，它在潜移默化中培养了读者对于“美”的基本审美标准，这对于艺术学习者来说，是比书本内容本身更深层次的熏陶。

评分☆☆☆☆☆

实用性和工具性是衡量一本教材价值的重要标准，而这本书在这方面表现得非常出色。随书附带的那些精选的音频资源链接，质量极高，标注清晰，确保了理论学习与实际聆听的无缝对接。更值得称赞的是，书中提供的练习与思考题，设计得非常巧妙，它们往往不是简单的知识点复述，而是引导你去进行批判性思考和主动的音乐体验。例如，它会要求你对比两个不同版本对同一段乐谱的演绎差异，或者让你尝试用自己的语言描述一种特定的调式色彩，这些任务都极大地激发了读者的能动性。这套教材成功地将自己从一个信息的载体，转变成了一个高效的学习引擎，真正实现了“授人以渔”的教育目标，让人在学习过程中不断地自我驱动、自我完善。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述逻辑构建得极其精妙，它没有一上来就抛出艰涩的理论概念，而是采取了一种非常温和且循序渐进的引导方式。作者似乎深谙初学者的心理困境，总是能找到最贴近生活的例子来阐释抽象的音乐结构。比如，它在讲解复调音乐的复杂交织时，不是堆砌巴赫的赋格曲谱例，而是先用建筑学的空间结构来做比喻，让人瞬间抓住了核心——层次感和独立性。这种“搭积木”式的教学方法，极大地降低了学习的心理门槛。我发现，即便是那些我过去觉得晦涩难懂的和声进行，经过作者这样一番拆解重组后，也变得清晰可辨、逻辑自洽。它不是在“灌输”知识，而是在“搭建”思维框架，让人学会如何去“听懂”音乐，而非仅仅是“记住”乐理规则。