风落之光 ECM唱片的视觉语言立体呈现了ECM唱片的美学气质同时还有精彩的文字分析张璐诗译 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[挪威] 拉斯.缪勒著，张璐诗译

图书标签:

ECM唱片
音乐美学
视觉设计
唱片封面
张璐诗译
音乐文化
艺术设计
德国唱片
现代音乐
光影艺术

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到静流书站

windowsfront.com

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

店铺：至诚经典图书专营店

出版社：广西师范大学出版社

ISBN：9787549597147

商品编码：29779737655

包装：精装

开本：16

用纸：纯质纸

页数：460

具体描述

编辑推荐

本书既有精美的唱片封面，同时还有精彩的文字分析。立体呈现了ECM唱片的美学气质。而且该书延请知名设计师孙晓曦整体精心打造，内容与形式高度统一，制作精美大气，值得乐迷收藏。

此书由知名音乐人张璐诗倾情翻译。

内容简介

本书是一本精美的图片集，收录1969-2010 ECM唱片封套及名录，通过上千幅图片的形式专业性解读ECM视觉与音乐的融合与对话。该书是当代音乐迷与设计、摄影爱好者的绝美收藏，其封套赋予音乐更完整的魅力。同时，它还体现了一个伟大唱片厂牌的灵魂外衣，视听合一的独立美学。

作者简介

拉什.穆勒（Lars Muller），1955年生。1982年于瑞士巴登创办自己的视觉交流工作室，1983年开始任出版人，专注于世界各地的建筑、设计、艺术、摄影和社会。他定期教学，是国际绘图联盟（AGI）的成员。

作为一名独立出版人，拉什.穆勒的作品几乎完全遵循自己的内心。他初识曼弗雷德.艾歇尔（ECM创始人）时便一见如故，两人对彼此的美学理念互相赞赏不已，当场就决定联手为ECM的唱封设计做一本书，并在1996年合作出版了ECM首本视觉书《 Sleeves of Desire 》。

内页插图

精彩书摘

暮色降临时

托马斯.施泰因费尔德

关于纬度 60 之外的生活，一位英国诗人说过脍炙人口的话：“‘北方’的意思就等同于一个‘拒’字。”这是 W. H. 奥登 1936 年在冰岛度过一个夏季后写下的。这口吻不由分说的“拒”字，在这里有广泛的用意：打发走，拒绝，略过。不论是哪种含义，都包含了一种自醒的、心意已决的孤独感。在都市消费主义和田园情趣这些最普通的生活理想的另一面，这种孤独感与一片贫瘠荒芜、冷若冰霜的大地相承。内心没有温暖，身体感受不到阳光，取而代之的是淅沥冷雨洒遍萧瑟寒街；看不见凉棚下长桌旁的快乐人群，只有孑孓独影；缺乏豁然开朗的明亮视野，天地充满了暮色和困惑。尽管如此，决绝的“北方”却再次成为吸引人的意象，甚至远远超越无比舒适的“南方”，就像是只有“北方”能为世俗带来救赎。迄今为止，曼弗雷德.艾歇尔（Manfred Eicher）的公司 ECM 已经出版了超过一千种唱片。唱片之间除了贯穿着相通的音乐风格，在封面艺术创作上也体现出相似的视觉观念。从 1969 年、1970 年发表的第一批唱片开始，制作概念就一直如是，尽管其中的主题和色调各不相同。即便是英国低音贝斯演奏家戴夫.霍兰（Dave Holland）录制的某些专辑，封面上没有图像只有字母：这些字母看起来写法现代，但字体并没有像一个个小屋檐那样的衬线；它们不需要加粗边或放大底部边线，每一个字母独当一面，并不需要别的支撑。而很多早期的封面已经出现了风景与大地的照片，也许并不都在欧洲北部取景，但这些地点看 24 上去全都很接近北欧的模样：比方说，挪威萨克斯管演奏家杨.葛巴列克（Jan Garbarek）的专辑《十二个月亮》（Twelve Moons，1993）封面上的沼泽地。捷克唱片修复工作者和摄影师扬.叶德利奇卡（Jan Jedlicˇ ka）是在托斯卡纳西部海边的低洼沼泽里找到的灵感，但也许是受到了蓝灰色暮光的启发，想象中立即浮现的是人迹罕至的北方地区。再如，恩里科.拉瓦（Enrico Rava）和迪诺.萨鲁兹（Dino Saluzzi）五重奏的专辑《回》（Volver，1988，摄影：Werner Hannappel）封面上云雾笼罩的山峦。没有一幅画面拘泥于狭隘的字面意义。也没有一幅图片只是充当音乐或音乐家的点缀。它们不会假装去诠释作品，甚至画面本身也不容许诠释。这些画面与音乐相伴，作为独立的艺术作品而存在，取景之地与呈现方式也经常出人意料。每一幅图片都不受其潜在含义的约束，带着梦幻特质，从无中生有，一出生就与粗俗及其孪生形态形成对抗。没有一幅作品透着成就与骄傲，或是取悦听众的刻意。无所诲，人亦不受惑。这些画面全都在有品格地表达着一个 “拒”字。

前言/序言

假如海中无浪，去掀起海面又卷回海中；假如海浪尚未淹没地平线，却恰好足以摇撼大地；假如大海无耳听海，无目凝眸海之恒久；假如海中无盐亦无沫，它只是太阳底下一片无根的死灰。它便只是枝桠间一潭死去的海，不见阳光。它只能是矿井之海，爆炸时带着沉重的记忆恫吓世间。然而果实呢，果实会长成什么样？然而人呢，人会变成什么样？———埃德蒙.雅贝斯《问题之书》

乐章的镜像：探寻音乐与视觉的交织叙事图书名称：乐章的镜像：探寻音乐与视觉的交织叙事内容提要：本书深入剖析了二十世纪后半叶以来，音乐领域中“听觉体验”与“视觉呈现”之间错综复杂的关系演变。我们不再将音乐视为单纯的声波振动，而是将其置于一个广阔的文化、技术与艺术语境中进行审视。本书旨在构建一个多维度的分析框架，用以解读音乐在不同媒介上传播和被感知时，其视觉表征所扮演的关键角色。第一章：声音的物质化——从唱片到数字界面本章追溯了音乐载体形态的变迁史，聚焦于媒介本身如何塑造了听众的期待与体验。从黑胶唱片的物理触感、封套设计所蕴含的仪式感，到磁带的便携性对音乐消费习惯的冲击，再到紧凑碟（CD）时代对音质纯净度的不懈追求。这一历史脉络清晰地展示了声音的“物质化”过程：音乐必须依附于某种可触摸、可观看的实体，才能完整地进入大众视野。我们详尽考察了早期唱片工业如何将音乐家形象与特定的视觉符号捆绑，如何通过封面设计预设听众的情绪基调。例如，古典音乐的视觉语言如何倾向于宏大、庄严的字体与严肃的肖像摄影；而爵士乐则如何在色彩、排版中展现出即兴与都市的律动。这些早期的视觉策略，为后续更复杂的视觉叙事奠定了基础。第二章：图像的“听觉化”——音乐视频作为叙事文本随着音乐录影带（Music Video, MV）在八十年代的崛起，音乐的视觉维度获得了前所未有的主导权。本章将音乐视频视为一种独立的艺术形式，探讨其作为“图像化音乐诠释”的复杂性。我们分析了视觉叙事如何增强、甚至颠覆了原作音乐的情感内核。重点案例分析包括：如何通过蒙太奇手法实现对音乐节奏的视觉同步；音乐视频中的空间设计如何构建与音乐结构相对应的心理景观；以及，早期导演们（如大卫·芬彻、米歇尔·贡德里）如何运用电影化的语言，将歌曲从三分钟的流行片段提升为具有独立审美价值的短片艺术。本章特别关注了特定流派（如重金属的史诗感、另类摇滚的疏离美学）如何发展出高度风格化的视觉母题。第三章：设计中的潜文本——专辑包装的符号学专辑包装（Album Art/Packaging）绝非附属品，而是音乐家世界观的延伸。本章运用符号学和结构主义理论，解构专辑封面的深层含义。我们不再停留在对“漂亮”与否的评价，而是探究设计元素——字体选择、摄影构图、色彩搭配、材质运用——如何共同构建一个与音乐主题相呼应的符号系统。我们对比分析了不同年代设计理念的转变：从强调艺术家个体的表现主义设计，到强调概念与抽象的极简主义设计。例如，某些后朋克专辑封面如何通过黑白照片和高度几何化的文字，传达出对主流文化的反思与疏离感；而某些电子音乐封面如何利用数字故障美学（Glitch Art）来象征声音的解构与重构。第四章：舞台与身体——现场表演的视觉维度音乐的最终呈现场所——舞台，是声音与视觉冲突和融合的熔炉。本章聚焦于现场表演的视觉设计，包括舞台布景、灯光编排和服装造型对音乐体验的重塑作用。我们考察了舞台设计如何服务于音乐的宏大叙事，例如，如何通过灯光色彩和动态装置来模拟音乐的情感高潮和低谷。此外，表演者的“身体语言”也是重要的视觉元素。本章探讨了不同音乐风格中，身体如何被训练和运用以传达特定的音乐能量：摇滚乐的爆发力、古典乐的克制与精准，以及电子乐表演中DJ与设备互动所形成的科技化仪式感。第五章：数字时代的回响——界面、流媒体与“可见的缺失” 进入数字时代，实体媒介的消失带来了一个悖论：音乐获得了无限的可访问性，但其视觉锚点却变得模糊。本章讨论了流媒体界面、播放列表封面、数字专辑的视觉策略。当我们习惯于在小小的屏幕方块中获取信息时，视觉语言必须更迅速、更直接地抓住注意力。我们分析了这种视觉压缩带来的影响：是更强调标志性和高饱和度的视觉冲击力，还是导致了视觉同质化？此外，本章还探讨了音乐可视化工具（Visualizers）在当代语境下的复兴，以及社交媒体时代粉丝对音乐图像的二次创作，如何共同构成了当下音乐视觉生态的复杂图景。结论：未完成的交响本书总结了音乐视觉语言的变迁史，指出声音与视觉的互动是一个永无止境的对话过程。未来的音乐体验，将继续在技术进步与人类对意义的永恒追寻中，不断创造出新的“乐章的镜像”。本书特色：跨学科视角：融合了音乐学、视觉艺术理论、符号学和媒体研究的方法。丰富的案例库：精选了从五十年代至今的标志性专辑封面、MV和现场设计进行深度剖析。理论与实践结合：不仅介绍“是什么”，更深入探讨“为什么”以及“如何影响了听众感知”。对美学气质的独立探究：专注于解析不同音乐类型背后的视觉哲学，揭示声音如何被赋予可被观看的形态。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

深入阅读后，我被那些文字的力度深深地震撼了。它不是那种晦涩难懂的学术说教，而是用一种既有深度又不失优雅的笔触，剖析了ECM的视觉策略。书中对色彩的运用、字体的选择、乃至留白尺度的探讨，都达到了令人拍案叫绝的程度。作者显然对视觉传达的底层逻辑有着深刻的洞察力，能够将抽象的美学概念具象化为可感知的视觉语言。比如，书中对“北欧冷峻气质”如何在平面设计中被转译的分析，就极其精准地抓住了ECM的灵魂所在。这种分析的细致程度，让人不得不佩服其研究的扎实。它揭示了看似简单的封面背后，其实是经过深思熟虑的哲学表达，每一次视觉决策都服务于音乐的纯粹性与精神性。对于一个长期关注这类美学的人来说，这本书无疑是一本解密手册，让人豁然开朗，原来“少即是多”在视觉上可以被演绎得如此淋漓尽致。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计本身就是一场视觉的盛宴，那种深邃的留白与精准的构图，立刻就能让人联想到ECM唱片标志性的那种静谧而又充满张力的美学风格。当我翻开书页，首先映入眼帘的是那些精心排版的摄影作品和专辑封面设计，它们不再仅仅是音乐的载体，而是被提升到了艺术品的高度进行审视。这种排版方式的讲究，仿佛在引导读者进入一种沉思的状态，去体会那种“音乐与空间”之间的微妙对话。我能感觉到，作者不仅仅是在罗列视觉元素，更是在解析ECM如何通过设计语言，构建起一个超越听觉的感官体验场域。尤其是那些黑白摄影，光影的处理极其到位，那种克制到极致的美感，与ECM音乐中那种极简主义的内涵形成了完美的互文。这本书的装帧质感也极佳，拿在手上就有种厚重感，这本身就是对ECM这种“慢工出细活”的艺术精神的一种致敬。它让我开始重新审视那些过去可能只是匆匆略过的封面，发现其中蕴含的巨大信息量和哲学思考。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书的翻译质量达到了惊人的水准。张璐诗译的名字令人对译文质量有了基本预期，而实际阅读体验完全超出了预期。那些原本可能因为语言隔阂而显得有些生硬或晦涩的专业术语和哲学思辨，在译者的手中变得流畅、准确且富有韵律感。我尤其欣赏译者在处理那些描述光影、空间、寂静等高度抽象概念时的措辞选择，既保留了原文的严肃性，又确保了中文读者的阅读舒适度。好的翻译能让读者忘记文本的“他者性”，而这本书做到了这一点。它成功地将ECM那种特有的、带着一丝清冷疏离感的氛围感，通过中文完美地传达出来，这对于理解ECM的美学气质至关重要。这证明了优秀的设计评论，需要顶级的视觉素养和同样顶级的文字功底来共同支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它不像是一本生硬的工具书，更像是一场精心策划的展览导览。每一章节似乎都聚焦于ECM某个标志性的视觉特征，然后层层递进，最终构建出一个完整的ECM美学生态系统。阅读过程中，我常常忍不住停下来，去翻阅那些被引用的专辑封面，然后对照书中的解读，仿佛瞬间打通了视觉与听觉的任督二脉。这种“读图”与“解构”并行的阅读体验，极大地丰富了我对品牌视觉形象的理解。特别是书中对于不同时期ECM封面风格演变的梳理，展现出一种既保持核心精神又与时俱进的动态美学观。这不仅仅是对一个唱片公司的记录，更是对现代设计中“真实性”与“纯粹性”追求的一次深刻探讨。它提供了一个绝佳的案例，展示了如何让视觉元素成为音乐体验不可分割的一部分。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，这本书远远超出了我对一本“唱片视觉史”的期待。它成功地将艺术史、设计理论与音乐评论熔于一炉，提供了一个多维度的观察视角。它激发了我重新去聆听ECM曲库中那些经典作品的冲动，因为现在我的耳朵里多了“眼睛”的色彩。那些曾经只是背景的画面，现在变成了引导我进入音乐深处的导航仪。这本书的价值在于，它教会我们如何“看”音乐，以及如何通过克制而精确的视觉语言，去表达那些最深刻、最难以言喻的情感和哲学思考。它不是一本速朽的潮流指南，而更像是一部可以反复咀嚼的审美教材，值得每一个对艺术的深度表达感兴趣的人珍藏。读完后，你会发现，原来一个唱片封面可以承载如此厚重的文化与美学意义。