多声部音乐创作研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方新佩 编

图书标签:

• 音乐创作
• 多声部音乐
• 和声学
• 作曲技法
• 音乐理论
• 音乐分析
• 对位法
• 复调音乐
• 音乐史
• 音乐研究

店铺： 土星图书专营店

出版社： 苏州大学

ISBN：9787567221284

商品编码：29776167704

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：多声部音乐创作研究
• 作者：方新佩
• 定价：45
• 出版社：苏州大学
• ISBN号：9787567221284

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：227
• 字数：300千字

内容提要

从20世纪以来，随着人类音乐思维、音乐观念、 作曲技术以及音乐表演形式的不断发展，音乐的构成 形式也日趋多样化，从音乐表现手段方面来看，主要 以调性的动摇和功能和声的解体、曲式结构的变异为 标志；从音乐表演形式方面来看，主要表现为音乐剧 、声乐与器乐重组一体的“声器室内乐”（声乐器乐 化），自然音响的过分追求，标新立异诠释音乐的方 式等等。由方新佩著的《多声部音乐创作研究》正是 在这样的新音乐语境下创作而成的，体现了一定的时 代性，紧密结合当下的音乐创作实践，旨在通过复调 音乐的分析与研究、合唱音乐的分析与研究、配器法 的分析与研究、电声乐队的写作与研究四个方面，对 多声部音乐理论进行系统而全面的分析研究，总结出 多声部音乐作品的分析方法和写作技法，以*好地服 务于普通高校音乐学专业多声部写作课程的教学。
    

作者简介

方新佩，男，讲师，白俄罗斯国立文化艺术大学艺术学硕士，主修作曲技术理论。湖南科技学院侨联委员。湖南科技学院音乐与舞蹈学院党总支宣传委员。主要讲授乐理与视唱练耳、曲式与作品分析、歌曲写作等课程。 2006年任职以来主编视唱练耳教材两部，主持校级科研课题两项、校级教学改革课题一项、校级合格课程一项。指导大学生创新课题省级、校级各一项。研究方向主要是民族音乐素材在音乐创作中的运用，在核心期刊发表学术文章与音乐作品多篇：音乐创作体裁主要涉及民族管弦乐、合唱、弦乐四重奏、民族歌曲作品等，代表作品有男中音独唱《一步一步》、无伴奏女声合唱《桃花谣》、弦乐四重奏《中州韵》、领唱与合唱《南风歌》、民族管弦乐《豫乡情》等。

目录

前言
**部分 二声部复调音乐创作研究
第一章 对比式二声部
第一节 对位中的音程关系
第二节 对位中的节奏型与声部进行方式
第三节 对位中声部的对比
第四节 对比式二声部的织体类型
第五节 对比式二声部写作的注意事项
第二章 对比式二声部的变化形式
第一节 八度(十五度)复对位
第二节 倒影对位
第三节 复对位
第三章 模仿式二声部
第一节 模仿条件与写作形式
第二节 模仿式二声部复对位
第四章 复调手法在主调音乐中的运用
第一节 装饰
第二节 补充
第三节 丰富
第四节 对比
第二部分 合唱分析与研究
第五章 合唱中的人声
第一节 人声的特点
第二节 人声的类型和音域
第三节 两种特殊的歌唱发声方法及循环吸气
第六章 合唱的声部
第一节 合唱的基本声部
第二节 合唱声部的记谱
第三节 合唱队的常用音域
第四节 各声部的表现性能与性格特色
第七章 同声合唱
第一节 同声二部合唱
第二节 同声三部合唱
第三节 同声四部合唱
第八章 混声合唱
第一节 混声二部合唱
第二节 混合二部合唱
第三节 混声四部合唱
第四节 合唱声部的再分部
第五节 混声四部合唱中的齐唱
第九章 主调音乐风格的合唱写作
第一节 同节奏和声式织体
第二节 声部进行方式及其运用
第三节 主旋律与伴唱
第十章 复调音乐风格的合唱写作
第一节 模仿式合唱
第二节 对比式合唱
第三部分 配器法分析与研究
第十一章 管弦乐队常用乐器及乐队组合形式
第一节 管弦乐队中常用的乐器

《巴赫对位法的奥秘：从理论到实践的深度解析》 图书简介 本书是一部全面、深入探讨约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）对位法（Counterpoint）的专著。它旨在超越传统的教科书式的枯燥讲解，将巴赫的音乐创作技艺放置在历史、哲学与美学的大背景下进行考察，为音乐学习者、演奏家、作曲家以及所有对古典音乐精髓怀有热忱的读者提供一个坚实的知识基石和启发性的视角。 一、 时代背景与音乐哲学：巴赫对位法的土壤 本书伊始，将读者带回十七世纪末至十八世纪中叶的欧洲，聚焦于巴洛克晚期的艺术思潮。我们审视了当时的路德宗神学思想，特别是“荣耀上帝”（Soli Deo Gloria）的艺术信条如何渗透到巴赫的每一部作品中。巴赫的对位法不仅仅是技巧的堆砌，更是一种精神的表达——通过逻辑严谨的声部交织，去构建一个象征着宇宙秩序和神圣和谐的音乐结构。 我们将详细分析巴赫所处的音乐语境：从早期意大利和法国音乐风格的吸收与融合，到德国传统复调技艺的集大成。本书认为，巴赫的对位法是其时代音乐哲学达到顶峰的体现，它完美平衡了理性（结构）与情感（表达）的需求。 二、 理论的基石：从基础规则到高级技巧的系统梳理 本书的核心部分，是对巴赫对位法技术的细致解剖。我们摒弃了仅仅依赖于“第一、第二、第三、第四、第五对位”这种机械的划分方式，转而采用功能导向的分类法，强调“声部关系”的动态变化。 1. 节奏与音高的独立性： 我们深入探讨了巴赫如何实现各个声部在旋律线条上的高度自治性。这包括对“等值音符”（Note-against-Note）的精妙处理，以及如何通过复杂的节奏错位（Syncopation）来增强线条的活力，同时又不破坏整体的和谐。 2. 和声的生成与限制： 本书明确指出，巴赫的对位法是在严格的和声约束下进行的。我们将解析巴赫如何运用协和音程作为稳定的基础，同时巧妙地引入不协和音程（如经过音、倚留音、预付音等）作为推动线条发展的动力。重点分析巴赫如何处理特定的和弦功能（如属七和弦的解决、导音的处理），以及这些处理如何服务于复调织体的逻辑推进。 3. 对题的构建与发展（Motif Development）： 深入剖析巴赫如何创作出具有高度辨识度和内在联系的“对题”（Subject）。本书提供了详细的图表和实例分析，展示了巴赫运用移位（Transposition）、扩张（Augmentation）、缩短（Diminution）等技术，将一个核心动机扩展为宏大赋格或众赞歌的全部材料。 三、 赋格曲的建筑学：空间与时间的艺术 赋格（Fugue）被视为巴赫对位法艺术的巅峰成就。本部分将赋格视为一种“音乐建筑学”进行研究。 1. 呈示部（Exposition）的结构解析： 我们将逐一分析《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）中各个赋格的呈示部，关注主部（Subject）和应答（Answer）之间的关系——无论是真实的应答（Real Answer，严格移位）还是模仿的应答（Tonal Answer，经过音阶调整）。书中会详细对比不同调性、不同声部配置下的结构差异及其带来的听觉效果。 2. 中间段与展开（Episodes and Development）： 赋格中间段是作曲家展现创新能力的关键领域。本书将集中分析巴赫如何通过对答（Stretto，紧凑再现）、假入（False Entries）、声部交织（Inversion）和横向位移（Inversion and Fragmentation）等技巧，在不引入新材料的情况下，最大限度地发展和变化已有的对题材料，制造紧张感和结构上的统一性。 3. 尾声与解决（Coda and Resolution）： 探讨巴赫如何处理赋格的收束，特别是他标志性的使用三重对位或复杂的尾声，以一种既符合逻辑又具有震撼力的形式结束乐章，达到精神上的圆满。 四、 实践指南：对位法在演奏与创作中的应用 本书的价值不仅在于理论阐述，更在于其实践指导性。 1. 聆听的深度： 对于演奏者而言，理解对位法是实现“清晰性”和“声部平衡”的关键。书中提供了具体的练习方法，指导如何通过控制触键力度、音色变化和乐句处理，使每一个独立声部都能清晰地“歌唱”出来，同时服务于整体的织体。例如，分析巴赫清唱剧或管弦乐作品中，人声与器乐声部之间相互模仿、追逐的精妙手法。 2. 创作的借鉴： 对于当代作曲家，本书提供了从巴赫的技法中汲取灵感的路径。我们将探讨巴赫的对位法原理如何被借鉴到非传统调性体系中，以及如何将巴洛克的逻辑严谨性与现代的音色概念相结合，创造出既尊重传统又具有时代精神的新作品。 3. 众赞歌与器乐的交融： 特别关注巴赫如何将简单的圣咏旋律（Chorale Melody）作为“固定声部”（Cantus Firmus），在上下环绕中进行复杂的对位创作。通过对《马太受难曲》和《B小调弥撒》中相关段落的剖析，展示其文本诠释与音乐结构的高度统一。 结语：永恒的对话 本书总结认为，巴赫的对位法是对人类理性思维与审美情趣的终极挑战与最高成就。它要求我们不仅用耳朵去听，更要用心智去“看见”声部之间的相互关系。通过这部作品的深入学习，读者将能够掌握理解和欣赏巴洛克音乐的钥匙，并将其深邃的逻辑与美感融入自身的音乐实践之中。这不是对历史的简单复述，而是一场与巴赫这位伟大巨匠之间跨越时空的、关于音乐本质的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失现代感的色彩搭配，初次翻开时就能感受到一种对学术的敬畏和对艺术的追求。纸张的质感也相当不错，印刷清晰，即便是那些复杂的乐谱插图，细节处理得也极其到位，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。作者在排版布局上也花了大量心思，让原本可能枯燥的理论知识变得井井有条，逻辑链条清晰可见，这一点对于初学者来说简直是福音。封面和内页的艺术处理，仿佛在无声地诉说着音乐创作的深邃与广阔，让人在尚未深入内容之前，就已经对即将展开的阅读旅程充满了期待。尤其欣赏它在细节处展现出的匠心，比如页眉和页脚的设计，都巧妙地融入了音乐符号元素，体现了作者对整体美学的执着。这不仅仅是一本教科书，更像是一件精心打磨的艺术品，值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的音乐教育工作者，我一直在寻找能够真正填补现有教材空白的深度参考书。这本书无疑就是我期待已久的“那本”著作。它最宝贵的地方在于其广阔的国际视野和对当代创作手法的关注。书中对二十世纪以来，尤其是在电子音乐和空间音乐的语境下，传统复调概念如何被解构与重构的讨论，是目前市场上极其稀缺的视角。作者不仅梳理了西方古典音乐的脉络，还巧妙地融入了对非西方音乐体系中“多声部”现象的思考，这使得整本书的理论体系显得异常坚实和全面。这种跨学科、跨文化的整合能力，是衡量一部学术著作是否具有持久生命力的关键，而这本书在这方面做得尤为出色，为我的课程设计提供了全新的理论支点和研究方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验非常像是在攀登一座知识的高峰，开始可能需要适应陡峭的坡度，但一旦掌握了节奏，视野就会变得异常开阔。对于那些已经掌握了基础乐理知识，但希望将自己的创作提升到更高维度的进阶学习者来说，这本书的价值是无可替代的。它不提供现成的“万能公式”，而是深入剖析了“为什么”和“如何思考”的底层逻辑。我尤其欣赏作者在收尾部分提出的开放性问题，这些问题促使读者必须跳出书本的框架，去反思和验证自己在实际创作中遇到的具体挑战。它更像是一把钥匙，打开了通往更深层次音乐理解的大门，而非一碗盛好的“速食汤”。读完后，我感到自己的听觉和思维都被重新校准了，对于声音的组织和空间的把握能力都有了质的飞跃，这是一次真正意义上的智力与艺术的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我刚开始接触这本书时，内心是有些抗拒的，因为我对这类偏向理论研究的著作往往感到枯燥乏味。然而，这本书的叙述风格却出人意料地具有一种叙事感。作者似乎很擅长用讲故事的方式来引入复杂的概念，使得原本冰冷的数学般的乐理知识变得生动起来。比如，在讨论对位法的发展脉络时，作者没有简单罗列规则，而是描绘了历代作曲家在追求声部独立性与和谐统一之间挣扎、探索的心路历程。这种代入感很强，我感觉自己不是在啃书本，而是在参与一场跨越时空的音乐哲学思辨会。书中的图表和示例片段选择得非常精准，恰到好处地说明了抽象理论，避免了不必要的繁复，让阅读体验保持了一种流畅而引人入胜的状态，甚至让我产生了一种想要立刻拿起乐器尝试一下新技巧的冲动。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为我自己的一个小型合唱团的排练寻找一些新的灵感和技术支持。这本书的内容深度远远超出了我的预期，它没有停留在基础的和声学层面，而是深入到了对复调织体如何在不同历史时期、不同文化背景下演变与革新的探讨。我特别喜欢其中对某一特定时期复调技巧的案例分析部分，作者旁征博引，引用了大量国内外权威学者的观点，并通过自己的独到见解进行了整合与批判性阐述。这种“站在巨人肩膀上，同时又清晰地看到前路”的叙述方式，极大地拓宽了我的视野，让我明白所谓的“规则”并非一成不变，而是随着音乐语言的发展而不断被重塑的。它成功地将严谨的理论与鲜活的音乐实践连接了起来，让人读起来充满启发性，仿佛有位经验丰富的导师在耳边细细讲解。