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叶卫国李金华... 编

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• 音乐教学
• 修订版

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出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787556602704

商品编码：29776563042

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：乐理十八讲(修订版)
• 作者：编者:叶卫国//李金华
• 定价：45
• 出版社：上海音乐学院
• ISBN号：9787556602704

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：211

内容提要

叶卫国、李金华主编的《乐理十八讲（修订版） 》不是生硬地将内容分解成“十八讲”，而是多年教 学实践经验积累的结果。本书的编著者，既有各高校 的精英，也有艺术高中的一线教师，他们在《基础乐 理》的教学中总结了很多实用有效的解题方法，也对 《基础乐理》中的问题进行了较为深入的研究并在学 术活动中进行了积极的探讨。
    

目录

记谱法板块
**讲 五线谱和简谱
**部分 基本知识点
第一节 五线谱
第二节 简谱与五线谱对照
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第二讲 节奏与节拍
**部分 基本知识点
第一节 节奏与节拍基本概述
第二节 时值划分
第三节拍子的类型及拍号
第四节 切分音与弱起节奏
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第三讲 音值组合法
**部分 基本知识点
第一节 常见节奏型及其分类
第二节 音值组合法
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第四讲 常用音乐记号
**部分 基本知识点
第一节 力度标示法
第二节 速度标示法
第三节 表情术语
第四节 省略记号
第五节 演奏(唱)法记号与术语
第六节 装饰音及其奏法
第七节 术语与说明记号
第八节 曲体名称
第九节 乐器名称
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
乐音板块
第五讲 乐音体系
**部分 基本知识点
第一节 音的分组
第二节 变音记号与等音
第三节 全音与半音的类别
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第六讲 音程
**部分 基本知识点
第一节 音程概述
第二节 旋律音程与和声音程
第三节 音程的名称
第四节 自然音程与变化音程
第五节 音程的扩大与缩小
第六节 音程的协和性

《音乐的奥秘：从和声到结构》 前言：打开通往音乐世界的钥匙 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其魅力不仅在于动听的旋律，更在于其背后严谨而精妙的逻辑结构。然而，对于许多渴望深入了解音乐或进行专业学习的人来说，如何系统地理解这些内在的运作规律，往往成为一道难以逾越的门槛。《音乐的奥秘：从和声到结构》旨在成为一座坚实的桥梁，将学习者从对音乐的初步感知，引导至对其理论框架的深刻洞察。 本书并非仅仅罗列枯燥的规则，而是致力于构建一个完整的、具有逻辑关联的知识体系。我们相信，真正的音乐理解源于对基础元素——音、节奏、旋律——的扎实掌握，并在此基础上，逐步深入到和声的色彩变化、复调的织体交织，直至宏大曲式的建筑布局。本书的编排，力求循序渐进，确保每一步的学习都建立在牢固的前置知识之上。 第一部分：基石的奠定——节奏、音高与音级 万丈高楼平地起。音乐的表达离不开时间与空间的概念。本部分将细致探讨音乐最基本的构成元素。 第一章：时间的艺术——节奏与节拍 我们将从最基础的拍号概念入手，区分不同拍号所赋予音乐的律动感（如二拍子的行进感、三拍子的回旋感）。节奏的分析不只是机械地认识时值，更在于理解如何通过节奏的组合与变化（如附点、休止符、复节奏）来塑造音乐的驱动力。我们将深入探讨“切分音”在打破常规、制造张力中的关键作用，并辅以大量实例，解析不同时代作曲家如何运用节奏语言来表达情绪。 第二章：声音的维度——音高、音程与调性 音高是音乐的物质基础。本章将详尽阐述十二平均律体系下的音高概念，并详细辨析各种音程的性质——协和与不协和的听觉感受差异。调性是音乐的“色彩空间”。我们将超越简单的“大调/小调”划分，探讨调式（如自然大调、和声小调、旋律小调，以及古老的教会调式）如何为作品赋予独特的地域风情和时代气息。对“主音”的理解，是理解调性功能的基础，我们将用“中心感”和“离心力”来解释调性稳定性的心理学基础。 第二章末：听觉训练的实践路径 理论的学习必须与听觉实践相结合。本章末尾将提供一系列针对性的听辨练习，帮助学习者将书面知识转化为即时的听觉感知能力，例如快速识别和声功能组、辨认特定的音程色彩。 第二部分：色彩的构建——和声的逻辑与实践 和声学是音乐的“语法”，它决定了声音如何和谐地组织在一起，创造出丰富的情感层次。 第三章：三和弦的王国——和声的功能分析 本章是深入和声学的第一站。我们将精确定义大、小三和弦的构成，并着重于功能和声（T-S-D-T）体系。详细解析“主和弦（T）”的稳定感、“下属和弦（S）”的展开性以及“属和弦（D）”的导向性。我们会剖析七和弦的引入如何极大丰富了和声的表情范围，特别是属七和弦的解决方式，如何成为古典和声驱动力的核心。 第四章：和声的延伸与转调的艺术 当和声不再局限于一个调内时，音乐便获得了更广阔的叙事空间。我们将系统介绍如何利用“经过和弦”、“副属和弦”等非功能性三和弦来润饰和声织体，增加色彩的细腻度。转调是结构扩张的必要手段。本章将分类讲解直接转调、平行转调和模糊转调等技巧，并分析它们在不同音乐时期（如浪漫主义时期对远关系转调的偏爱）的应用策略，帮助读者理解转调背后的审美意图。 第五章：声部的逻辑与织体的塑造 和声不仅仅是垂直的叠加，更是水平运动的交织。本章重点讨论四部和声写作的规范与灵活性。我们将深入探究声部进行（如平行五八度的禁忌与特例），并比较不同的织体类型——如主调音乐、模仿复调（卡农、赋格）和自由复调——在塑造音乐形象上的差异。理解声部如何独立运动却又服务于整体和声，是掌握复调技巧的关键。 第三部分：宏伟的蓝图——曲式与结构分析 音乐作品的意义往往蕴含在其结构布局之中。本部分关注音乐的“建筑学”。 第六章：微观结构的范式——乐段与主题的展开 音乐的最小单位是“动机”，动机组合成“乐句”，乐句汇集成“乐段”。我们将剖析常见的乐段结构（如呈示性、终止性乐段），并详细解析“主题”的塑造方法——如何通过节奏的固定、音型的变化、和声的背景更迭来发展一个核心音乐材料。主题发展不仅仅是重复，而是意义的延伸与深化。 第七章：中型结构的平衡——复三部曲式与奏鸣曲式 复三部曲式（A-B-A’）是清晰体现对比与回归原则的典范。我们将分析其中部（B段）如何通过调性冲突、情感转折来烘托主部的回归。而奏鸣曲式，作为古典主义音乐的核心骨架，其复杂性在于呈示部（主题的介绍与冲突建立）、发展部（材料的解构与再造）和再现部（调性的回归与统一）之间的张力平衡。本章将提供详细的结构图解，帮助学习者拆解贝多芬、莫扎特等大师的乐章布局。 第八章：大型结构的应用与扩展 大型曲式，如回旋曲式（R-A-B-A-C-A）和变奏曲式，展现了作曲家对材料的控制力。变奏曲不仅是主题的“换装”，更是对主题核心精神在不同情境下的哲学探讨。本章还将触及交响曲、协奏曲等大型体裁的通用布局，使学习者能够从宏观上把握一部作品的整体走向和内在逻辑。 结语：理论与创造力的对话 学习理论的目的，绝非为了束缚创作，而是为了获得更精准的表达工具。《音乐的奥秘：从和声到结构》提供的知识框架，是理解历史上所有伟大音乐作品的共通语言。掌握了这些“规则”，学习者才能在未来的创作与分析中，做到“知其然，更知其所以然”，最终实现理论与个人音乐天赋的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触过一些基础乐理知识的进阶学习者，我原以为这本书对我来说可能略显基础，但事实证明我的判断失误了。这本书的“修订版”确实体现了“修订”的价值。在一些前沿或易被忽略的领域，比如非传统调性体系的探讨，或是对现代和声功能的新解读方面，作者都提供了非常具有洞察力的见解。这些内容，往往是初级教材会略过，而高级课程又缺乏系统讲解的“灰色地带”。这本书却将这些内容组织得井井有条，论证逻辑严密，引用了最新的音乐学研究成果，显示出作者对领域内最新发展保持着高度的敏感性。阅读这些章节时，我体验到了一种知识迭代的快感，感觉自己的知识体系得到了及时的更新和巩固。对于希望从“会用”走向“精通”的学习者而言，这本书提供的深度和广度是无价的，它不仅仅是教授如何“做音乐”，更重要的是在培养你如何“思考音乐”的哲学高度。它的价值，已经超越了一本教材的范畴，更像是一部音乐思维的指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简洁大气，色调沉稳，一看就是那种经过精心打磨的专业书籍。我是在图书馆里偶然看到它的，被它散发出的那种学术气息所吸引。书本的装帧质量也很好，纸张的手感厚实，印刷清晰，阅读起来非常舒适。初翻阅时，我注意到目录的编排逻辑性非常强，层层递进，从基础概念到复杂乐理知识的构建，结构脉络清晰可见，让人对即将展开的学习旅程充满了期待。特别是它在章节划分上，似乎融入了作者多年的教学心得，很多地方的标题设置都非常直观，能立刻抓住读者的注意力，让人想一探究竟。这本书的排版也很考究，字体大小和行距都经过了仔细的权衡，长时间阅读也不会感到疲劳。光是这份用心，就足以体现出版方的专业水准和对读者的尊重，让人感觉这不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品。我非常看重书籍的物理属性，因为它直接影响阅读体验，而这本“乐理十八讲（修订版）”在这方面做得无可挑剔，为接下来的深入学习打下了坚实的物质基础。

评分☆☆☆☆☆

我本来对乐理学习抱有一种“望而生畏”的态度，觉得那套东西要么枯燥乏味，要么晦涩难懂，是典型的“象牙塔”里的学问。直到我开始接触这本书，我的看法才有了颠覆性的改变。作者在行文风格上，简直就像一位耐心又风趣的大学教授，用非常生活化、接地气的语言，将那些抽象的乐理概念娓娓道来。他擅长使用类比和举例，比如将和声进行比作一场精心编排的对话，将调式转换形容成一次情绪的微妙转变，这种描述方式极大地降低了学习的门槛。我发现自己不再是被动地接收知识点，而是在一种积极的探索过程中理解了乐理的内在逻辑和美感。这种“寓教于乐”的教学方法，对于我这种非科班出身，却又对音乐有浓厚兴趣的爱好者来说，简直是雪中送炭。它没有一上来就抛出大量复杂的公式和术语，而是循序渐进，步步为营，让人在不知不觉中，已经掌握了核心的乐理框架。这种阅读体验，是很多传统教材难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，我认为是其最大的亮点之一。它并非简单地罗列知识点，而是构建了一个完整的知识体系。从最基础的音高、节奏概念开始，作者非常巧妙地将理论与实际应用（比如听觉训练的要点）穿插进行，确保读者在学习“是什么”的同时，也理解了“为什么”和“怎么用”。尤其是在涉及复杂对位法和曲式分析的部分，作者的处理方式极为精妙。他没有停留在概念的解释上，而是提供了大量精确的、来自经典作品的实例进行剖析。这些实例的选择非常具有代表性，涵盖了不同时期和风格的作品，极大地拓宽了我的音乐视野。我特别欣赏其中对于“色彩”和“功能”的探讨，不再将乐理视为僵硬的规则，而是理解为音乐家手中调配情感和张力的工具。读完特定章节后，我立刻会感到自己的耳朵仿佛被打开了新的通道，过去模糊听到的音乐细节，现在变得清晰可辨，这种即时的反馈效果，极大地增强了我的学习动力。这本教材的深度和广度，完全可以支撑一位严肃的音乐学习者进行长期的研究。

评分☆☆☆☆☆

市面上的乐理书籍汗牛充栋，但真正能做到“精炼而不失深度”的少之又少。这本书在这方面做得非常出色，它似乎在努力平衡“全面性”和“实用性”。我注意到作者在每一个关键概念的讲解之后，都会附带一小段“思考题”或者“实践建议”，这是一种非常高明的教学技巧。它强迫读者停下来，不是机械地背诵定义，而是要主动地将理论知识应用到自己的演奏或创作实践中去。我个人就是通过这些实践建议，才真正体会到乐理知识在实际操作中的魔力。例如，关于转调的练习，书中给出的不仅仅是理论上的和弦连接规则，更重要的是如何通过这些连接实现情感上的自然过渡，这种对“音乐性”的强调，远超出一本单纯的理论参考书的范畴。它更像是一位高明的导师，在你身旁，不断地引导你进行深层次的思考，而不是直接给你标准答案。这种互动式的学习体验，是任何静态的参考资料都无法比拟的，极大地提升了学习的效率和趣味性。