乐理十八讲(修订版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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叶卫国李金华... 编

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• 音乐教学
• 修订版

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787556602704

商品编码：29776711228

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：乐理十八讲(修订版)
• 作者：编者:叶卫国//李金华
• 定价：45
• 出版社：上海音乐学院
• ISBN号：9787556602704

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：211

内容提要

叶卫国、李金华主编的《乐理十八讲（修订版） 》不是生硬地将内容分解成“十八讲”，而是多年教 学实践经验积累的结果。本书的编著者，既有各高校 的精英，也有艺术高中的一线教师，他们在《基础乐 理》的教学中总结了很多实用有效的解题方法，也对 《基础乐理》中的问题进行了较为深入的研究并在学 术活动中进行了积极的探讨。
    

目录

记谱法板块
**讲 五线谱和简谱
**部分 基本知识点
第一节 五线谱
第二节 简谱与五线谱对照
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第二讲 节奏与节拍
**部分 基本知识点
第一节 节奏与节拍基本概述
第二节 时值划分
第三节拍子的类型及拍号
第四节 切分音与弱起节奏
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第三讲 音值组合法
**部分 基本知识点
第一节 常见节奏型及其分类
第二节 音值组合法
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第四讲 常用音乐记号
**部分 基本知识点
第一节 力度标示法
第二节 速度标示法
第三节 表情术语
第四节 省略记号
第五节 演奏(唱)法记号与术语
第六节 装饰音及其奏法
第七节 术语与说明记号
第八节 曲体名称
第九节 乐器名称
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
乐音板块
第五讲 乐音体系
**部分 基本知识点
第一节 音的分组
第二节 变音记号与等音
第三节 全音与半音的类别
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第六讲 音程
**部分 基本知识点
第一节 音程概述
第二节 旋律音程与和声音程
第三节 音程的名称
第四节 自然音程与变化音程
第五节 音程的扩大与缩小
第六节 音程的协和性

音乐的奥秘与实践：一部深入的音乐理论探索之旅 一部旨在为所有对音乐怀有热情，无论初学者还是进阶者，提供坚实理论基础与实践指导的综合性著作。本书旨在拆解音乐的内在逻辑，将其化繁为简，让深奥的乐理知识变得触手可及，并能有效应用于创作、演奏与欣赏之中。 第一部分：音乐的基石——声音的物理与感知 本部分将引领读者进入音乐世界最基础的层面：声音本身。我们不会止步于枯燥的物理学描述，而是专注于这些物理现象如何转化为我们所感知的音乐元素。 一、声音的本质与音乐的源起： 探讨声波的产生、传播与接收过程，介绍频率（音高）、振幅（响度）与音色这三大基本要素。重点解析人类听觉对声音细微变化的敏感性，为理解调律系统奠定基础。 二、音高系统与十二平均律的构建： 深入解析音的命名法（如C、D、E），并详述历史上的主要音律体系，特别是现代音乐赖以生存的十二平均律。我们将通过数学逻辑而非简单罗列，阐述一个八度如何被精确划分为十二个半音，以及这种划分在跨文化音乐中的优势与局限。 三、音程的感知与分析： 音程是构成旋律和和声的最小单位。本书将详细分类和命名所有自然音程（如纯五度、大三度），并教授如何快速识别和听辨这些音程。同时，会引入“音程的等量代换”等技巧，帮助演奏者更直观地理解音程在键盘或指板上的位置。 第二部分：旋律的呼吸——节奏、节拍与时值 音乐的生命力在于运动，这部分聚焦于时间维度上的组织结构，即节奏与节拍。 一、节拍的结构与单位： 区分“节奏”与“节拍”的根本差异。系统讲解拍号（Time Signatures）的含义，包括2/4、3/4、4/4以及复杂的复合拍号（如5/8、7/8）。我们将通过具体的乐谱范例，展示如何“划分”和“呼吸”一个乐句。 二、时值与休止的精确控制： 详细解析全音符、二分音符、四分音符等各种音符及其对应的休止符。更进一步，引入附点、三连音、五连音等不规则节奏型，并提供高效的练习方法来内化这些时值，确保演奏的准确性。 三、复节奏与切分音的运用： 深入探讨节奏的复杂性——如何将不同时值的音符交织在一起形成错落有致的听感。重点分析切分音（Syncopation）的原理及其在爵士乐、拉丁音乐中的核心作用，并教授如何通过身体感知来掌握这些节奏的律动。 第三部分：和声的骨架——和弦、功能与连接 和声是音乐的色彩和深度所在。本部分将从最基本的结构单元出发，构建一个完整的和声分析框架。 一、三和弦的构建与识别： 详述大、小、增、减四种基本三和弦的构成音与音型。教授如何快速地在任何调性中找到主和弦、下属和弦、属和弦，并理解它们在音级上的稳定与不稳定关系。 二、七和弦的扩展与色彩： 引入功能和声的关键——七和弦（如属七、大七、小七、半减七）。解析它们如何增加和声的张力，并作为转调或解决和声冲突的重要工具。 三、和声的功能与连接： 这是理解“音乐为什么这样进行”的核心。详细讲解T（主功能）、S（下属功能）、D（属功能）的理论，并系统梳理古典和声学中最常用的一般连接规则（如平行五八度的避免、导音的解决）。 四、转调的技巧与原理： 教授几种主流的转调方法，包括直接转调、关系调转调、经过和弦转调等，旨在使读者能够有目的地、流畅地在不同调性间穿梭，为改编和作曲打下坚实基础。 第四部分：调式的色彩与风格——超越大调与小调 现代音乐的丰富性源于对传统大小调的超越。本部分将拓宽读者的音响视野。 一、自然音阶的拓展： 系统介绍自然大调与自然小调的结构，并深入解析它们之间的关系（如平行小调、关系大调）。 二、中古调式（教会调式）的重现： 回溯音乐史，详细讲解古老调式（如多利亚、弗里吉亚、利迪亚、混合利迪亚等）的音高结构、情感倾向和在现代流行音乐、电影配乐中的应用案例。 三、五声音阶与布鲁斯音阶： 重点分析这两种在世界音乐，特别是爵士和摇滚乐中至关重要的音阶结构，理解其独特的音响效果，并展示它们如何作为即兴演奏的基础框架。 第五部分：曲式结构与音乐的宏观布局 音乐不仅仅是音符的堆砌，更是一种建筑艺术。本部分着眼于音乐的篇章结构。 一、基本音乐材料的组合： 定义动机（Motif）、乐汇（Phrase）和乐段（Period），讲解如何通过重复、模倣、对比等手法，将微小的音乐片段发展成完整的乐思。 二、基础曲式结构解析： 详细剖析最常见的结构，如二部曲式（A-B）、三部曲式（A-B-A’）的内部逻辑和功能。 三、奏鸣曲式与回旋曲式导论： 概述古典奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的戏剧性结构，并介绍回旋曲式（A-B-A-C-A）的模式，提供理解大型器乐作品的蓝图。 结语：理论与实践的桥梁 全书贯穿的理念是：乐理是工具，而非教条。 本书最后将强调如何将所学的理论知识应用于实际的听音训练（Ear Training）和视唱练习（Sight-Singing）中，鼓励读者不仅要“知道”这些规则，更要能“听出”和“唱出”它们，真正将乐理内化为音乐思维的一部分。通过大量的练习范例和实际作品分析，确保读者能够自信地运用这些知识，去探索、分析和创造属于自己的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实让人眼前一亮，封面那种深沉的墨绿色调，配上烫金的书名，给人一种古典而又不失现代感的庄重气息。拿到手里，纸张的质感也相当不错，摸上去有一种细腻的温润感，阅读的时候翻页的声音都很悦耳。我特别欣赏出版社在细节上的处理，比如内页的字体选择，既清晰易读，又不会因为排版过于密集而造成视觉疲劳。特别是那些乐理图表和五线谱示例，印刷得非常精准，线条清晰锐利，即便是复杂的和声结构图也能一目了然。初次翻阅时，就被那种精心打磨的匠人精神所打动，显然，这是一本被认真对待的作品，而不是匆忙赶工的产品。从这本书的外在表现来看，它已经超越了一本普通教材的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品，对于那些注重阅读体验的爱书人来说，单是这种高品质的制作工艺，就已经值回票价了。我希望这本书的内页排版也能像封面一样，在内容呈现上做到极致的精妙和考究。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的内容深度和广度感到非常惊喜，它真正做到了对乐理知识的全面覆盖，并且是以一种非常系统化的方式呈现出来的。作者在讲解基础概念时，绝不是简单地罗列规则，而是深入挖掘了这些规则背后的逻辑和历史演变，这使得学习过程不再是枯燥的记忆，而是一场富有洞察力的探索之旅。比如，当涉及到调式和转调的部分，书中提供了大量的实例分析，这些例子并非照本宣科的教科书范例，而是精选的、具有代表性的音乐片段，分析得入木三分，极大地拓宽了我的音乐视野。我尤其欣赏作者在处理那些常常令人困惑的“例外”情况时的坦诚和清晰度，没有回避难点，而是用非常直观的方式拆解了它们。读完相关章节，我感觉自己对音乐的理解不再停留在“听起来不错”的层面，而是能更深层次地剖析其骨架和灵魂所在，这种由表及里的认知提升，对我后续的创作和鉴赏都有着不可估量的帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格和作者的语气，是我在众多乐理书籍中最喜欢的一种。它不是那种高高在上、拒人于千里之外的学院派说教，而是像一位经验丰富、和蔼可亲的导师在循循善诱。作者的语言充满了感染力，他善于用生活化的比喻来解释抽象的理论，比如将复调的逻辑比作一场精妙的对话，或者将节奏的复杂性比作城市交通的调度，这些恰到好处的比喻，瞬间消除了我对那些晦涩概念的畏惧感。阅读过程中，我时常会产生一种“原来如此”的顿悟感，那种学习的障碍被轻松跨越的喜悦感是难以言喻的。此外，作者在行文中穿插的一些个人感悟和教学心得，也让这本书充满了人情味，让人感觉自己不是在啃一本冷冰冰的理论书，而是在和一位真正的音乐家进行深入的交流。这种亲切而又不失专业深度的表达方式，极大地降低了乐理学习的门槛。

评分☆☆☆☆☆

这本书在实际应用和案例分析方面做得非常出色，这是衡量一本乐理书籍价值的关键指标之一。许多理论书籍在讲解完“是什么”之后就戛然而止，留给学习者自己去“怎么用”的困惑。然而，这本书在这方面投入了巨大的篇幅，它不是停留在纸上谈兵，而是紧密结合了实际的演奏和作曲场景。比如，在讲解配器法时，它会立刻跳转到某部交响乐片段进行具体分析，指出某个乐器组的音色搭配如何服务于特定的情感表达，这种即时的反馈机制非常有效。对于一个致力于提高自己音乐实践能力的学习者来说，这种“理论+实例+分析”的闭环结构至关重要。它让我清晰地看到，书本上的每一个知识点，在真实的音乐作品中是如何被巧妙地嵌入和发挥作用的，这极大地激发了我将所学知识付诸实践的动力和信心。

评分☆☆☆☆☆

让我印象特别深刻的是，这本书对于音乐史和不同风格流派的乐理差异处理得非常精妙和细致。它没有采用单一的欧洲古典音乐为中心进行论述，而是巧妙地将不同历史时期——从中世纪的素歌到巴洛克时期的对位法，再到浪漫主义的和声拓展，乃至更近代的爵士乐和电影配乐中的和声处理——的理论特点进行了横向和纵向的对比分析。这种广阔的视野，使得读者能够理解乐理并非一成不变的铁律，而是在不同文化和时代背景下不断发展和演变的动态体系。通过对比，我能更深刻地理解为什么某些和声在某个时代会被视为“创新”，而在另一个时代则被视为“常规”，甚至“过时”。这种历史的维度和流派的对比，让乐理学习不再是孤立的知识点堆砌，而是变成了一幅宏大的音乐发展全景图，极大地丰富了我对音乐语汇的理解深度和包容性。